jueves, 29 de noviembre de 2012

MINIPUT 2012 - Programación

Ferran Ballesta



Recordad que éste sábado 1 de diciembre podremos disfrutar de la 18a edición del MINIPUT, un evento dedicado a mostrar al público una muestra de lo que se pudo ver en el INPUT, un certamen dedicado a los programas de televisión de calidad, arriesgados y innovadores. En una anterior entrada de la etiqueta “MINIPUT” hice una amplia presentación de lo que significaba.
Pues bien, tal como prometí en esa misma entrada, aquí dejo la programación completa de todo lo que se verá éste sábado:

PROGRAMACIÓN Y HORARIOS:
 
Sábado 1 de diciembre de 2012, de 10:00h a 22:00h, en el auditorio del CCCB de Barcelona. Todas las sesiones se proyectarán en V.O.S. (inglés).
 
10:00h. - Presentación del acto.
10:15 Sunny Side of Sex Uganda (Sunny Bergman, VPRO, Holanda, 45’, documental)
Después de su éxito con Over the Hill, Sunny Bergman se pregunta: “Somos tan liberales con la sexualidad feminina como nos pensamos?” Cada episodio nos abre una nueva y única perspectiva sobre la sexualidad. En Uganda, Sunny recibe lecciones de sexo de una “sex aunt” profesional. En los Himalayas Sunny se encuentra con mujeres Mosuo que escogen el romance frente al matrimonio. En las calles de Cuba no tienen publicidad, pero sí mucho amor y sexo. En la India, la cuna del Kama Sutra, el sexo deviene una experiencia religiosa. El viaje de Sunny llevará sorpresas, nuevas miradas, que cambiarán nuestras ideas sobre el amor, el cuerpo y el sexo.
presentación: Eulàlia Iglesias (URV, periodista cultural)
 
 
11:15 Who is in who is out (Diede in ‘t Veld, BNN, Holanda, 23’, concurso cross-media)
Se trata de una serie cross-media e interactiva semanal sobre seis jóvenes talentosos que estudian en la Dutch Stage Academy, una escuela de Amsterdam de artes escénicas para cantantes, bailarines y actores. Los jóvenes personajes nos muestran sus vidas, sus deseos, ambiciones y talentos e implican los espectadores de 13 a 19 años. La realidad y la ficción son mezcladas a través de una votación popular y una herramienta de casting. Cada semana, el espectador decide, desde la web, qué aspirante a actor se involucra en la serie y quién es expulsado. El espectador tiene el control total sobre el curso de su elección y determina completamente el desarrollo del drama. El casting consiste en cuatro partes fijas, interpretadas por los actores con experiencia, y dos partes adicionales interpretadas por miembros de la audiencia. En la web todo el mundo puede suscribirse para ganar una de las dos partes de la serie, sin la intervención del director o de un equipo de casting. Los más votados formarán parte de la serie de televisión que será grabada el día siguiente y emitida la próxima semana. Esta parte será escrita por la persona que gana, pero la audiencia también determinará qué vencedor puede quedarse y cuál decide inmediatamente la serie.
Presentación: Joan Riedweg (director de cine en ANIMALS FILMS RIEDWEG&FOLK PRODUCCIONS AUDIOVISUALS)Convidat: Jeroen Koopman
 
11:45-12:15h Pausa y desayuno
12:15 Basta (Neveneffecten, VRT, Bélgica, 50’, documental)
Cuatro humoristas investigan estafas de la vida real y se vengan. Cogen las malicias de los perpetradores frontalmente y las exponen o hacen idioteces a la manera de una venganza del hombre crédulo común: centros de teleoperadoras que te dejan colgado en línea, bancos con soluciones para la crisis financiera, prensa demasiado perezosa para comprobar las fuentes… Da igual si se trata de un gran negocio organizado a gran escala o una pequeña compañía o un hombre cualquiera que ha llevado demasiado lejos sus mentiras y fraudes. Ahora, estos cuatro Robin Hoods, han decidido que “basta es basta”. Basta…es hora de pasar a la acción. Los “Basta Boys” están decididos a exponer estas situaciones y a darles a estos hombres sus propias medicinas. Siempre corriendo el riesgo de ser descubiertos, pero a menudo consiguiendo poner el dedo en la llaga. Es periodismo de investigación en su mejor estado: hecho en casa…y con sentido del humor. Con un share del 40% en prime time, Basta fue un éxito en Bélgica. Divertirse nunca había sido un asunto tan serio.
Presentación: Jordi Evolé (director de Salvados, La Sexta)
Invitados: con la presencia de Koen de Poorter, uno de los miembros de Neveneffecten, autores y protagonistas de la serie
 
 
13:15 Redemption Inc (Michelle Metivier & Wayne Moss, CBC, Canadá, 45’, docu-reality)
Una serie de prime time donde se da a un grupo de diez ex convictos la oportunidad de su vida: la posibilidad de poner en marcha su propio negocio con una start up de Kevin O’Leary, el cual invertirá $100,000. Kevin reconoce que han pagado su deuda a la sociedad y ve el potencial de negocio ofreciéndoles una segunda oportunidad. Al final de la serie, uno de ellos ganará dinero y el apoyo de Kevin para empezar un negocio legítimo. Esto no es un panfleto o un esquema caritativo, es un negocio. A lo largo de la serie de nueve episodios, los ex convictos tendrán que mostrar sus habilidades, exponer sus errores de carácter y alejarse de su pasado ilegal. Cada reto está diseñado para revelar la capacidad de cada uno para dirigir un trabajo de equipo. El ayudante de Kevin que asesora a los participantes es Brian O’Dea, un formador de ex convictos, hombre de negocios y activista comunitario que una vez hizo una operación de $100 millones vendiendo drogas a lo largo de un año y fue condenado a diez años de prisión.
presentación: Francesc Escribano (coordinador INPUT, Minoria Absoluta)
 
 
14:30 Wham! Bam! Islam! (Isaac Solotaroff, PBS, Estados Unidos, 56’, documental)
Cuando un sicólogo de Kuwait pone en marcha una serie de cómic con 99 superhéroes basado en las 99 virtudes de Allah, empieza a tener dudas sobre los musulmanes y a darse cuenta de la dura realidad del mercado global. El documental está acompañado por un videojuego en línea: The Hunt for the Noor Stone, un juego de rol de aventuras donde tienes que navegar las ciudades antiguas de Bagdad y Córdoba a la búsqueda de la piedra Noor –la mítica piedra referenciada en textos hindús y árabes y que se creía que contenía infinitos poderes. Es un juego en línea inspirado en el documental y explora los aspectos históricos y culturales de las primeras sociedades musulmanas a través de un medio tan popular como es el cómic o el libro ilustrado y ofrece un curriculum educacional a los Estados Unidos. Este programa fue incluido en la serie Independent Lens de la PBS.
Presentación: Marta Berenguer (Consultora en Social Media).
 
 
15:30 Masterpiece scandal (Min Seung-sik, KBS, 60’, magazín)
Escándalo 1: ¿El hombre que lleva un vestido negro en Dancer on Stage es el amante de la bailarina? Koko Nakano, un crítico de arte japonés conocido así lo clama. ¿Es posible que las bailarinas, que a menudo venían de bajos fondos y tenían dificultades, acabasen como amantes de gente de clase alta en un intercambio de dinero por amor? El comentador investiga los chocantes secretos de la pintura que refleja la siniestra realidad del París del siglo XIX y lo compara con la sociedad contemporánea. Escándalo 2: ¿Schubert no compuso Der Erlkönig? Spaun, un amigo cercano de Schubert, cree que es de él, pero una carta de Schubert fue hallada indicando que él no había escrito aquella música horrible. ¿Fue realmente Schubert el autor de la carta? Para complicarlo aún más, se descubrió que había un músico de la corte con el nombre de Franz Schubert que era contemporáneo del reconocido compositor. El programa pretende profundizar en la historia que hay detrás de la creación de Der Erlkönig, un trabajo conocido por su relativa simple melodía que llega a un poderoso clímax a través de progresiones harmónicas y acompañamiento, y quiere iluminar, tanto la obra, como la trágica vida del compositor.
Presentación: Antònia Folguera (aventurera multimedia)
 
 
16:30 Photo for life (Eudes Semeria, ARTE, 45’, Francia-Alemania, docu-reality)
El concepto de esta masterclass televisiva consiste en la iniciación de un encuentro entre el controvertido fotógrafo Olivero Toscani y la nueva generación de talentosos fotógrafos. Seis candidatos fueron escogidos por un jurado, liderado por Toscani. Los alumnos tendrán que asumir los retos del fotógrafo. El resultado de Photo for Life apareció en la portada de ARTE magazín.
presentación: Miquel Garcia (jefe de Documentales y Nuevos Formatos de TVC)
 
 
17:30 Dignitas (Jean-Bernard Menoud, TSR1, Suiza, 52’, documental)Suiza es uno de los pocos países del mundo que permiten a los extranjeros suicidarse. Más de 1.000 personas han ido allí a morir con el grupo Dignitas en Zurich desde 1998. Dignitas defiende el derecho al suicidio de individuos, parejas y gente deprimida. Este “turismo de la muerte” es un asunto delicado. A pesar de que la mayoría de los suizos están a favor de la muerte asistida, el gobierno no quiere ver cómo el país deviene un “centro para morir”. Este extraordinario documental nos lleva a Alemania, Bélgica y Francia, desde donde se intentará entender este “controvertido” negocio con la muerte.presentación: Belen Monclús (profesora de la UAB)
Invitado: Jean-Philippe Ceppi, productor de Dignitas
 
 
18:45 Bear 71 (Leanne Allison, Jeremy Mendes, NFBC, Canadá, documental interactivo)
Web-documental interactivo producido por el National Film Board of Canada sobre un oso gris en el Parque Nacional de Banff, que fue fichado cuando tenía tres años y fue vigilado por cámaras situadas en el parque. El web-documental explora las conexiones entre el mundo humano y el mundo animal y los efectos que los asentamientos, carreteras, etc. tienen sobre la vida salvaje. El web-doc dibuja un mapa del parque que permite a los usuarios moverse a través de las cámaras del parque y mirar los otros usuarios activando la Webcams. A partir de la web, construyeron una historia de veinte minutos y, además, hicieron una instalación para el festival de Sundance.
Presentación: Cosima Dannoritzer (documentalista, directora de Comprar, Tirar, Comprar)
 
 
19:15 Diabolical Dilemas (Mijke de Jong, Human Television Broadcast, Holanda, 40’, ficción)
Martina tiene bastante práctica con pacientes inmigrantes. Liberada del trasfondo religioso en el que había crecido y formada en el feminismo, defiende la auto-determinación y el libre desarrollo para todo el mundo. Es así como educó a su hija, pero se mantendrá firme a sus convicciones cuando su hija, Anna, escoja su propio camino y se convierta a la religión musulmana?
presentación: Francesc Vilallonga (profesor de la URL y jefe del Dept. de Comunicación Audiovisual)
invitado: Kees Vlaanderen, autor de Diabolical Dilemas
 
 
20:20 PERLAS LOCALES
Esta sección incluye una selección de los “mejores programas locales”, más allá de INPUT, una cata de programas representativos del modelo de “televisión de calidad” que promueve INPUT y que se han podido ver en las parrillas locales, autonómicas y estatales en el último año. Las “perlas locales” de este año nos enseñarán cómo convertir la televisión en un espacio de exposición de arte (Televisión Espai Expositiu), en un medio para la reflexión audiovisual sobre fenómenos como el mal de archivo, el coleccionismo, la violencia de los medios de comunicación o los límites de la ciencia y el arte (Soy Cámara), en un lugar donde a través de las artes escénicas y musicales se abren procesos de inserción social (Actua) y un espacio-trampolín en el que una serie de televisión acaba convirtiéndose en un cortometraje (Human Core):
 
Televisió Espai Expositiu (XTVL, 2012, Premio Laus, 4’)
TVEE es un proyecto de Miniature que intenta contaminar el medio televisivo de contenido artístico contemporáneo. Es una reflexión compartida con otros artistas sobre la importancia y las posibilidades que tiene la televisión como soporte –un aparato doméstico que permite llegar a tanta gente para comunicar las ideas que allí se exponen-. Es esencialmente introducir y subrayar la noción de espacio expositivo a la hora de referirse a la tv, reivindicarla como soporte artístico y poder, en consecuencia, llenarlo de contenido. Experimentar con el medio televisivo, verlo como un simple contenedor, un lienzo cúbico, una caja de intervención, un (posible) soporte artístico. Este proyecto está realizado conjuntamente con Hangar.org y ha ganado el permio Laus de Oro 2012 que otorga el FAD.
+INFO https://vimeo.com/tvee
 
Soy Cámara (TVE-CCCB, 2012, capítulo inédito, fragment, 15’)
Programa audiovisual producido para el CCCB y TVE que, siguiendo la voluntad de poder ampliar su programación más allá del centro, utiliza internet como un canal más para poder ofrecer y compartir su programación. El CCCB se ha consolidado como uno de los espacios consagrados al arte y al pensamiento contemporáneo más importante de España. Este programa da a conocer el arte contemporáneo y todas sus implicaciones estéticas, sociales y morales. Con Soy Cámara es quiere transmitir el funcionamiento, las actividades y las obras del centro (contagiándose de otras obras y autores), planteando la cultura como un espacio de goce, denuncia y reflexión. En el MINIPUT se podrá ver un capítulo inédito.
+info: http://www.rtve.es/alacarta/videos/...
 
Human Core (XTVL, 2012, 11’, cortometraje)
La humanidad ha perdido el contacto con el pasado biológico y emocional. Ha substituïdo el medio natural por uno de mecanizado. Human Core es un programa de divulgación científica, un experimento televisado donde cinco pacientes son desconectados y aislados para estudiar la psique humana fuera del alcance tecnológico. Esta serie de ciencia-ficción de la XTVL derivó en un cortometraje que se ha podido ver en la edición de este año del Festival de Cine Fantástico de Sitges y que se podrá ver en el MINIPUT.
+info: http://xtvlblocs.cat/humancore/
 
Actua (TV3, 2013, inédito, fragmento, 15’)
TV3 presentará un nuevo programa que lleva el título “Actúa”, que sirve como una declaración de principios de sus contenidos. La línea argumental de la serie documental es cómo usar las artes escénicas (teatro, música…) como herramientas de dinamización social, como integración social o terapia. Los responsables son una productora joven (Funky Monkey), Actúa es su primera producción para una cadena. En el MINIPUT se podrá ver un capítulo inédito.
+ info: www.funkymonkey.es
Presentación: Josetxo Cerdán (profesor de la URV y director del festival Punto de Vista)
Invitados: con la presencia de los directores de los programas seleccionados
 
 
21:15 SESIÓN “¡NO ESTRELLES TU PILOTO!”
La crisis ha hecho que mucha producción audiovisual quede a la cantera; por este motivo este año el MINIPUT vuelve a incorporar la sesión dedicada a los “pilotos” más arriesgados, comprometidos e innovadores, ya sean profesionales o amateurs, en un espacio fijo dentro de la muestra. Este año la convocatoria ha sido abierta y de los 23 proyectos presentados se han seleccionado:
 
PEDRA, PAPER, TISORA (Zurdos TV, Barret Films, 15’, magacine online)
Collage audiovisual de la actualidad valenciana basado en la participación ciudadana. Es un programa que tiene como objetivo ofrecer información de todos los acontecimientos que tienen lugar en la ciudad de Valencia y en su área metropolitana; a la vez es una plataforma de periodismo ciudadano. El programa quiere aglutinar los diferentes puntos de vista de los ciudadanos para proporcionar una fuente de información alternativa y directa y diferente a los medios convencionales; quiere crear una red de información retroactiva sin filtros, desde el ciudadano y para la sociedad. Para conseguirlo, el programa se crea a partir de los propios vídeos que envían los internautas que quieran colaborar.
10 DRAMÀTICS (Piscolab Films, 55’, documental i ficción teatral)
Serie de ficción teatral a caballo entre dos artes, el audiovisual y el teatro. Cada episodio lo protagonizará un joven dramaturgo dentro del cual podremos descubrir y conocer una de sus obras, escrita para la ocasión. Estas piezas creadas potenciarán el hecho intrínseco audiovisual para el cual son concebidas. Se trata de un proceso creativo a la búsqueda de una forma poética visual innovadora que dará a la pantalla la esencia de una pieza teatral dentro del medio audiovisual. Los episodios constan de una entrevista previa con el dramaturgo y de la obra de teatro en cuestión. En el episodio piloto se podrá ver Búfalos de Pau Miró.
LES NOSTRES VIDES DIBUIXADES (GROC, 7’, serie de animación autobiográfica)
Les nostres vides dibuixades es una serie de animación tradicional de carácter autobiográfico que consta de trece capítulos. Se puede ver como un conjunto de momentos cotidianos intrascendentes que, en conjunto, conforman un pequeño universo tan íntimo como alocado. Combinando técnicas propias del cine documental con animación minimalista, el resultado es extraño y cercano a la vez. Retazos de vida capturados en secuencias cortas y a tiempo real sin seguir ninguna estructura narrativa, como recuerdos que llegan sin avisar.
presentación: Ingrid Guardiola (profesora de la UPF y la UdG, coordinadora del MINIPUT)
invitados: con la presencia de los directores de los programas seleccionados



 
Y sobretodo recordad también que podéis entrar y salir del CCCB sin dar explicaciones a nadie, y por supuesto la entrada es gratis.

Allí nos vemos!

lunes, 26 de noviembre de 2012

DOMO, terror paranormal en Badalona

Ferran Ballesta



DOMO es un proyecto que nació a inicios del 2010. Lo primero que tuvieron claro sus responsables era conseguir escribir un guión de corte clásico o estándar, pero próximo a lo experimental en lo que a dirección y montaje se refiere. Ahora, una vez acabado el rodaje, el proyecto se encuentra en post-producción, y según sus responsables parece ser que era lo que buscaban.

En un porcentaje muy elevado la película está grabada en el MUSEO DE BADALONA (al lado de Barcelona), porqué con su espectacular subsuelo arqueológico de termas Romanas ofrecía a sus responsables ese plus que necesitaban para acabar de armar el proyecto.

La película está producida por sus inspiradores, y que cuenta con unas 40 personas directas en cuanto equipo técnico y artístico, y unos 40 más entre figurantes y colaboradores.

Nadie cobra tampoco, pero los puestos sensibles de responsabilidad lo llevan a cabo profesionales con experiencia como el director de foto, sonidista, edición, producción... Además de la actriz principal y varios de los actores o actrices que también participan.

Se trata de un largo de terror paranormal, y según afirman esperan poder hacer una presentación a finales de año o principios de 2013.

La dirección de este proyecto será llevada a cabo por Manolo Hernández, alguien nacido en la misma Badalona, i que previamente cuenta con la experiencia que supone haber participado en una cincuentena de proyectos ligados al mundo audiovisual, como cortos, teatro, documentales, fanzines, radio, videoclips, performance..., desempeñando labores de guión, producción y dirección. Él también será el encargado junto a Vicente García del desarrollo del guión.
El reparto irá encabezado por Mireia Grau, Franco Maestrini, Mónica Ramírez, Manuel Martínez, Melánia Soto y Jordi Durán entre otros.

Colaboran en el proyecto el Ajuntament de Badalona, Museo de Badalona, Associació Amics de la Salut, Artproduccións yTere Afán, Estudio de imagen & Maquillaje profesional.
 

SINOPSIS:Sira trabaja en el turno de noche limpiando en el Museo MORGEN BRANDT. Empieza a notar una presencia extraña.
Morgen Brandt; Una soprano de origen Alemán, murió hace muchos años en el incendio de su casa, donde ahora está el Museo.
Sira tiene miedo, percibe que no está sola.



Desde Lazonamuerta-cine seguiremos el proyecto atentamente.

martes, 20 de noviembre de 2012

Sukiyaki Western Django - Takashi Miike, 2007



DIRECTOR: Takashi Miike
GUIÓN: Takashi Miike, Masa Nakamura
DVD: Si.
GÉNERO: Western, Acción
DURACIÓN: 121'
PAÍS: Japón
MÚSICA: Koji Endo
REPARTO: Hideaki Ito, Masanobu Ando, Koichi Sato, Kaori Momoi, Yusuke Iseya

NOTA: 8



Cuando el Western empezó a saturar al espectador a finales de los años 50, siendo éste el género cinematográfico más explotado con diferencia del cine, Europa se sacó de la manga sus propias producciones sobre el lejano oeste. Concretamente Italia oxigenó el género en los años 60, aportándole su propia visión y, sobretodo, un diseño de producción mucho más sencillo por motivos presupuestarios, pero en favor de una estética mucho más sucia y violenta, con personajes sin moral y duros, en que directores como Sergio Leono, Sergio Corbucci o Damiano Damiani tuvieron un papel muy destacable. Fue la creación de lo que se conoce como Spaguetti-western. Pero, si los italianos se sacaron de la manga su propia industria cinematográfica dedicada a los cowboys, por qué motivo los orientales tendrían que ser menos? Pues si, quien lo iba a decir que esa gente de ojos rasgados se introduciría en un género considerado como “extraterrestre” e incluso antipatriótico por las masas más conservadoras de Japón. Pero también, en Japón, existe actualmente el que es sin duda alguna uno de los directores más solventes y atrevidos, también bizarro y enfermo, no solo de la industria cinematográfica japonesa, sino mundial: Takashi Miike, alguien que todo lo que toca lo convierte en verdaderas joyas. Y entre su repertorio de películas podemos encontrar en 2009 un curioso western y, si los italianos le metieron espaguetis al género, los japoneses le metieron sukiyaki. El resultado? Una película que bautiza el género: Sukiyaki Western Django.

Por suerte recientemente podemos comprar esta película en las tiendas españolas, una gratísima sorpresa que me pude llevar en el ya pasado Sitges 2012 curioseando entre las tiendas acreditadas al Festival. Me la llevé sin dudarlo, y pude revivir lo que fue en 2007, para mi, la película del Festival. Una joya, como casi todo lo que toca Miike, pero esta es especial. Para empezar, el bueno de Tarantino, alguien que se apunta a cualquier juerga de este tipo, es el primero a dar renombre a esta película interpretando a un intrascendente personaje -aunque con sus momentos de gloria- y huele a puro patrocinio, pero que si más no podrá servir a lo largo de los años como excusa para reivindicar la película (y sino fijaos en la portada del DVD). Algo que gente como Enzo Castellari y su Aquel maldito tren blindado seguro que le darían la razón, o la propia Django de Sergio Corbucci. Precisamente ese Django, una película que recuperó Tarantino y sobre la cual en unas semanas podremos disfrutar de su propio remake, es donde parte la base de Sukiyaki Western Django, en lo que es, al igual que la película de Tarantino Django Desencadenado, una libre visión del clásico de Corbucci, vaya, lo que siempre debería ser un remake.

Ante todo, y para que nadie se nos enfade -incluido yo mismo-, hay que aclarar que la propia Django nace de un clásico de Akira Kurosawa llamado Yojimbo -incluso si somos meticulosos podríamos hablar de Por un puñado de dólares de Sergio Leone-, una película de esas tipo Jidai-Geki muy influenciada por los westerns de John Ford tal y como reveló su director en numerosas ocasiones. Algo que le fue mal en su país, al ser acusado de ser excesivamente occidental... bobadas culturales retrógradas. En todo caso Yojimbo, nos cuenta como un samurai vagabundo llega a un pueblo en que sus habitantes están divididos en dos grupos rivales, y eso está ocasionando muerte y desgracia. El vagabundo, que solo piensa en su propio beneficio, se dejará comprar por unos y otros, jugando así con ambos para poder obtener el máximo dinero hasta que la situación acaba estallando. Más o menos sería eso el argumento de Yojimbo. En cambio Django de Corbucci, además de incorporar el sello italiano y a un impecable Franco Nero en el papel de su vida, hay un cambio de género cinematográfico al apartar un poquito las espadas de samurais y coger las pistolas, incluso metralletas, y sobretodo un ataúd con una pequeña sorpresa en su interior. Y digo apartar un poco las katanas porqué seguirán teniendo acto de presencia pese a tratarse de un western. Sukiyaki Western Django parte de ese Django pero con un sello oriental que aporta muchos aspectos nuevos, sobretodo en lo visual, pero también de planteamiento.

Cambio cultural, diseño de producción modernista, humor, fotografiá muy colorida, montajes videocliperos. Takashi Miike es capaz de reinventarse a cada película, de hacer lo que le plazca, y en esta ocasión se atreve con descaro a manipular un material tan valuo como aquel Django hoy ya objeto de culto. Para empezar, la historia nace a partir de la Guerra Genpei, en que los clanes Minamoto y Taira se enfrentaron entre ellos sobre el año 1.100 en Japón. A partir de esta base se ha querido ligar al Django de Corbucci, algo relativamente sencillo viendo la proximidad entre ambos argumentos. Y la fórmula ha resultado ser de lo más acertada posible. Ante todo, el factor sorpresa ante un producto tan exótico como este estará presente en la mayoría de espectadores, un factor sorpresa condicionado por tener un planteamiento lleno de momentos desacomplejados, al buscar siempre ese punto entre lo absurdo y riguroso tan habitual en las producciones japonesas, y en general al buscar el “exceso” a toda una cinematografía abanderada por Sergio Leone. Pese a este sello nipón fácilmente observable, por suerte la película no cae en una marea de tópicos de aquella cultura en cuanto a humor, ese humor en ocasiones poco accesible para el espectador occidental, ya sea por Tarantino o el simple planteamiento de Miike, pero lo cierto es que el humor de Sukiyaki Western Django está lejos de ser inaccesible. Por ejemplo, las referencias a Shakespeare resultan de lo más acertado, o también lo son un puñado de personajes muy bien trabajados y con gran personalidad.

Sobre esa base, que en el fondo es el sello oriental, se crea un diseño de producción no excesivamente presupuestario en cuanto a grandes decorados, pero sí de un look más o menos futurista, con algún que otro piercing, vestuario que mezcla lo clásico de las producciones americanas y el japonés, peinados raros, y sobretodo alguna que otra espada. Vaya, que el look western yanki y el look japones se unifican dejando un resultado extraterrestre, o si más no original. Y eso se deja notar mucho en la fotografía, uno de los puntos más interesantes del filme. Acaso alguien recuerda películas como Visitor Q? O Fullmetal Yakuza? Está claro que Miike ha rodado muchísimo con el tiempo, y eso le ha llevado a que, más allá de altos presupuestos haya aprendido a distribuir a sus películas consiguiendo lo que quiere, lo más importante es que se ha creado una personalidad artística que está muy lejos de aquella cutrez desinhibida en esas dos películas. Incluso en esta ocasión ha sabido ir más allá otorgando a la película un falso sello de serie B, mostrando a ratos una estética teatral acartonada muy peculiar mezclada con un colorido tan vivaz como atípico. Y lo mejor de todo es que quizás ese peculiar aspecto visual posiblemente es el más sólido a la vez que atrevido que hay en la carrera de Miike, así de claro.

Y con todo esto, ya solo hace falta que estalle todo, aunque no lo negaré, el ritmo aquí es más pausado de lo que puede aparentar viendo el trailer o de lo que es capaz el director (posteriormente descubriríamos la lenta pero excelente Harakiri pero eso ya es tema aparte). La película es atrevida, tiene buenos gags y sobretodo un abanico de personajes muy bien definidos que agrandan la pantalla, pero como todo western, Miike sigue las reglas cociendo una historia que más o menos sigue las premisas de aquel Yojimbo, Por un puñado de dólares o Django, entre otras, al conducirnos a un final que hace estallar todo el bizarrismo contenido, con divertidísimos diálogos, brutales escenas de acción, escenas violentas con gotitas de sangre, que todo junto acaba ofreciendo un tramo final climático totalmente delirante.
Por tanto, las intenciones de Miike están en hacer un homenaje al género respetando todos sus tópicos (siempre presentes a rajatabla en la mayoría de películas, como la puta, el saloon, el sheriff,...), pero sin olvidar el sello oriental tan propio. Tampoco se aleja del sello tarantiniano de largos diálogos de conversa de bar y explosiones de violencia mezclados con humor negro, algo que siempre se le dio muy bien a Miike, y que en esta ocasión está realmente bien inserido en el tono del guión. Dejando un resultado propio, que es lo más importante en el fondo cuando alguien decide dar un lavado de cara a un clásico pretérito, siempre respetando. Aunque lo cierto, es que Sukiyaki Western Django tiene personalidad, consigue hacer olvidar a Corbucci y compañía ofreciendo un producto de puro divertimento más cerca de la gamberrada que del tono que ofrece el spaguetti-western en sí. Una película olvidada, incluso discriminada, y totalmente a reivindicar.


LO MEJOR: Miike se reinventa de nuevo creando un western con sushi y fideos, tan atípico como espectacular, lleno de acción y momentos divertidísimos.

LO PEOR: Por decir algo... que quizás la historia ya está excesivamente revisada con directores como Kurosawa, Leone, Lucas, Corbucci y Walter Hill.


Trailer:

jueves, 15 de noviembre de 2012

Arirang - Kim Ki Duk, 2011








DIRECTOR: Kim Ki-duk
GUIÓN: Kim Ki-duk
AÑO: 2011
PAÍS: Corea del Sur
PRODUCTOR: Kim Ki-duk
MÚSICA: Kim Ki-duk
REPARTO: Kim Ki-duk

NOTA: 8


Arirang. Arirang es una canción que en Corea se utiliza en momentos de derrota interior durante la procesión que supone el reencuentro con uno mismo dentro de la vida, el engranaje que somos dentro de una sociedad compuesta por multitudes. Y Kim Ki Duk la canta, la canta constantemente.

El director coreano más prestigioso del momento –y posiblemente de la historia de su país- vuelve del olvido cinematográfico con un retrato actual de su persona, para contarnos la crisis artística y personal que sufre des de su último trabajo hace 3 años: Dream (2008), una película que le catapultó directamente a la penuria a causa de un terrible accidente que sufrió la protagonista durante el rodaje de ésta y que casi le cuesta la vida. Des de ese momento, el director vivió sumergido en la marginalidad del olvido -y hablo en pasado, ya que hoy en día parece ser que se ha reencontrado con la aclamada Pieta (2012)-, y de aquí parte su último trabajo, de abrirse espiritualmente a modo intimista con una especie de diario personal audiovisual, en lo que podríamos considerar un drama más que un documental, porqué documental sería no entenderle, y el propio director se encarga de hacérnoslo entender en diferentes ocasiones. Porqué es real, su crisis le ha llevado a esconderse del mundo a una vieja chabola en medio de la nada, junto a dos iMacs esperanzadores y su gato, las dos herramientas básicas para no perder la esperanza, ni tampoco la locura que provoca la soledad, completando así –aunque parezca una broma- el reparto del filme.

Ante todo hay que estructurar la película. La primera mitad se encarga de mostrarnos una sucesión de imágenes aparentemente sin interés, del día a día del director en su actual vida, que hará que los espectadores tengan la oportunidad de empatizar -o no- con la propuesta del filme. Para luego pasar a una autoentrevista, explicando el “por qué” de vivir en ese lugar, su crisis personal, e incluso aún tiene tiempo de hablar de su filmografía y su opinión sobre la vida y las personas. Y es aquí donde la película coge fuerza, porqué habla des de dentro, su corazón, creando la vigor que necesita todo film para ser disfrutable, y aunque la filmografía de Kim Ki Duk esté cargada de dobles sentidos, sátiras e incoherencias, la pureza obvia del mensaje se potencia a cada lágrima. Para luego pasar a la segunda mitad de la película, la parte “más cinematográfica” del metraje, apostando por “algo” más creativo y de mayor historia –si es que se puede considerar así-. JCVD podría ser un ejemplo de similitud, pero por allí no van los tiros, los tiros irán directo a su persona a modo satírico y a su impotencia de superación. Para acabar conduciéndonos hacia su tramo final, que incluso sin querer, el director es capaz de crear un impresionante clímax mostrando la pureza de sus sentimientos. Impresionante.

Eso es Arirang, una dura batalla por el bienestar. Gustará? No gustará? Por aquí no va la idea de la película, en todo caso puede interesar mucho o poco. A quien nunca le haya llamado el cine del director coreano –o simplemente no conozca al director-, aparte de aburrirse como una ostra se preguntará sobre la tomadura de pelo que está viendo. Pero para aquellos amantes del cine del director, e incluso del cine, y que valoran la psique desdibujada de este genio, se encontrarán con Arirang una verdadera reliquia cinematográfica, el corazón abierto de uno de los directores más poderosos que ha dado oriente en los últimos 25 años. Arirang.


LO MEJOR: La sinceridad con la que muestra Kim Ki Duk su situación de crisis resulta muy creíble.

LO PEOR: Que no es una película para todos los públicos. Interesará o no interesará, esa será la cuestión.


Trailer:



domingo, 11 de noviembre de 2012

20 años de Porco Rosso

Ferran Ballesta


EXPOSICIÓN:

20 años han pasado ya des del estreno de una de las películas más fascinantes e importantes de la industria de animación japonesa: Porco Rosso, un título dirigido por el que es también uno de los directores más importantes del sector -si no el que más-. Son muchos los motivos por los cuales este filme consiguió un éxito internacional tan notable, pero, sobretodo, consiguió exportar un modelo de cine de animación japonesa desligado de otros animes más centrados quizás en la acción y la violencia, demostrando que, más allá de Disney, también existe una industria de animación cargada de valores, sentimentalismo y pasión por el flolklore y las leyendas, en este caso japonesas. Hayao Miyazaki y su Studio Ghibli, junto con Isao Takahata, serían los encargados de exportar todo ese cine a occidente y que, 20 años después, el Studio Ghibli se haya convertido en el estudio más importante de consumo cinematográfico de anime en occidente. Y todo gracias a Porco Rosso, un hecho que FICOMIC, junto a Aurum (distribuidora de Ghibli en España), en la ya pasada edición del Salón del Manga, ha querido retar un homenaje a la película con una exposición dedicada a ella, y con una interesante conferencia a cargo de Vicent Sanchís explicando la clave de su éxito. Vayamos por partes:

La exposición, bastante más simple que la dedicada a Dragon Ball, todo hay que decirlo, se compone de un par de stands con algunas capturas de la película, carteles informativos, transparencias del filme, productos relacionados y poco más. Sencilla, pese a ello para el joven aficionado inexperto -lo siento pero odio el concepto “otaku”- puede significar un primer e interesante acercamiento a lo que es el Studio Ghibli y la que es posiblemente su mejor película. Como he comentado, este joven aficionado -o no tan joven- pudo descubrir la fantástica experiencia que vivió Vicent Sanchís y su equipo técnico cuando fueron a Japón en 1995 para entrevistar a Hayao Miyazaki y visitar el Studi Ghibli para el programa de TV3 Stromboli, en que debían realizar un documental sobre el estudio. De hecho, la exposición intentó incentivar al visitante a que realizara una búsqueda por Internet del documental, tentando a la gente con lo que podrían ver en él al explicar pequeños extractos de lo que Vicent Sanchís y su equipo pudieron vivir allí, como por ejemplo cómo funcionaba el estudio y el particular -y algo atrasado- modo de trabajar de Hayao Miyazaki, o las exigencias que imponían el estudio a las cadenas de televisión a la hora de emitir sus películas.

También la exposición intenta curiosear con los guiños de Miyazaki hacia otras películas, o directamente actores, como por ejemplo al intentar establecer ciertos paralelismos entre el personaje de Donald Curtis y Errol Flynn. Además, y como no podía faltar en una exposición de caire bastante básico, posteriormente también se pudo ver unas instantáneas de cada personaje con sus descripciones, que sinceramente carecían de bastante interés más allá de los espectadores más neófitos e inexpertos.

Algo que sí fue interesante fue una cartel que explicaba un poco el origen del Studio Ghibli, conociendo así su nacimiento oficial en 1985 a manos del propio Miyazaki e Isao Takahata, los que son, sin duda, las dos piezas elementales del estudio, y que hoy en día siguen coleando con futuros proyectos. Pero rápidamente el cartel dirigió al público a la película anfitriona, Porco Rosso, explicando también como nació el proyecto, algo que personalmente me resultó curioso el descubrir que inicialmente la película debía ser un cortometraje para la empresa de aviación Japan Airlines. Y es que Miyazaki es un fanático de los aeroplanos, tal como se profundizaría en la posterior conferencia a la que acudiría.

También se tocaron otros temas como los mensajes moralistas por parte de Miyazaki que insufló a la película, como la profunda carga antiautoritaria. De hecho, no podemos olvidar que Porco Rosso está situada en un contexto bélico en que el fascismo está presente, y por eso, siempre quedarán eternas algunas frases tan recordadas como “prefiero ser un cerdo que un fascista”. El motivo por el que se convierte en interesante esta frase es porqué Porco Rosso es alguien que inexplicablemente sufrió en encantamiento y se convirtió en un cerdo, algo que Miyazaki no justifica en ningún momento del filme, y que puede resultar una metáfora realmente interesante pese a existir bastantes escépticos a aceptarla.

Otro aspecto también interesante de la exposición fue conocer lo que significó para el estudio Ghibli la película: un éxito total, consiguiendo así internacionalizar el estudio y que hoy en día sea el único estudio de animación japonesa que estrena películas en cines occidentales. Además, posicionando también a Miyazaki como el indiscutible rey del anime.

Lo de las transparencias fue algo curioso de ver. Vicent Sanchís recuerda que cuando estaba entrevistando a Miyazaki éste le comentó que nada tenía que ver con los jóvenes talentos que trabajaban en el estudio. Él era tema aparte, de la vieja escuela, muy escéptico a la animación digital, considerando que este estilo es una buena herramienta para perfeccionar el trabajo humano, como en el uso del color, pero que sin ese trabajo previo de los animadores sus producciones no tendrían alma, serían dibujos animados bonitos pero sin sentimientos. Esa es la característica técnica del director, y lo cierto es que, pese a haberse quedado prácticamente solo en esta consideración desgraciadamente anticuada, personalmente aplaudo su postura. Por tanto, su estilo de animación se basa en el uso de transparencias correlativas dibujadas a mano.

La exposición recorrió un poco más a modo resumen lo que podríamos descubrir en el documental Stromboli, pero sobretodo en la fantástica conferencia que se pudo ver en la Sala 1 del Salón. Pese a esa mayor profundidad que se podría ver posteriormente, la exposición también intentó explicar muy superficialmente el escepticismo que tiene Ghibli al pasar sus producciones en televisión al tener un profundo sentido de la calidad. Además se pudo ver cierto material relacionado con la película, como libros, BSO, Making of(s), VHS, pósters, etc. Pero lo que digo, esta exposición no era más que una introducción a lo que se pudo profundizar en la posterior conferencia en que Lazonamuerta-cine asistió de cabeza a cargo de Vicent Sanchís.




CONFERENCIA 20 AÑOS DE PORCO ROSSO:

(foto extraida de trazosenelbloc.blogspot.com. Me he otorgado el derecho de subirla debido a que capturaron a un servidor de espaldas, quien será?)

Como he comentado en la conferencia se pudo profundizar con más calma en todo lo que se presentó en la exposición. Realizada por Vicent Sanchís, el privilegiado que pudo estar en el Studio Ghibli y llegar a conocer a Hayao Miyazaki gracias al programa de TV3 Stromboli, hizo una conferencia muy densa pero muy amena e interesante, al hacer un viaje al pasado, en concreto en 1995 y así recordar aquella experiencia y lo que aprendió de aquel universo diferente a lo común. Tocó temas como el modo de trabajo a base de documentación, lo excepcional que supone para Ghibli Porco Rosso, las ambigüedades del personaje, el discurso antiautoritario de la película, Miyazaki en sí, cómo trabaja, y en general los paralelismos que hay en todas las obras cinematográficas de la productora nipona. Algo realmente interesante y que intentaré trasladar como pueda en esta misma entrada.

Des de un inicio Vicent Sanchís ha ido al grano, directo y con un guión muy preparado sobre lo que quería contar, con 0 improvisación pero que se supo defender perfectamente ante las preguntas finales. Inicialmente explicó como nace la experiencia de ir a Tokyo a realizar un reportaje sobre el estudio y sobretodo Miyazaki, contando que inicialmente todo nació en 1993, cuando un regidor de cultura de Barcelona, Jaume Vidal, junto al propio Vicent Sanchís, fueron a un cine “muy underground” -que resultó ser el Maldà- a ver una película de animación japonesa que pasó totalmente desapercibida en la prensa, y que resultó ser Porco Rosso. Ambos tenían alguna referencia de Miyazaki, sobretodo por el estreno en Francia de Mi vecino Totoro y que ambos pudieron ver y sorprenderse positivamente, pero, al ver Porco Rosso, los dos quedaron impresionados. No fue hasta el 1995 que Vicent Sanchís pudo impulsar un viaje a Tokyo para realizar un documental sobre Ghibli y Miyazaki para el programa Stromboli de TV3, pero que se pudo hacer gracias al patrocinio del consulado de Tokyo y el ayuntamiento de Barcelona, y de ese modo el equipo de Stromboli pudo conocer a Miyazaki.

Sobre él, en sus primeros años ya realizaba películas de animación como El castillo cagliostro del detective Lupin, o megaclásicas series ultraconocidas como son Heidi y Marco, series que ya mostraban la sensibilidad que posteriormente Miyazaki insuflaría al resto de su obra. Pero que no sería hasta juntarse con Isao Takahata definitivamente -más allá de ambas series comentadas- en 1985 que fundarían Studio Ghibli, autofinanciándose sus películas, junto a otros directores, pero siempre con un sello muy particular que guarda ciertos paralelismos estéticos y de planteamiento entre todas las obras realizadas. Obras como Nausicaa en el valle del viento (1984) -que primero nace en un cómic de Miyazaki-, El castillo en el cielo (1986), Mi vecino Totoro (1988), Nicky aprendiz de bruja (1989), hasta Porco Rosso en 1992 fueron las películas que realizó Hayao. Con este puñado de obras maestras trabajó Sanchís para realizar el documental. Y cómo definir a Miyazaki? Sus dibujos van ligados al estilo más sencillo del manga y anime, pero detrás de estos dibujos que pueden parecer simples hay un trabajo elaboradísimo tanto de diseño de personajes, como con los paisajes, escenarios, etc. También más allá de esa estética aparentemente sencilla, detrás hay un impresionante trabajo de documentación al querer trasmitir el máximo realismo posible, en concreto con el diseño de aviones, bosques, referentes históricos, mitológicos, etc. llegando a documentarse hasta 4 veces más que Disney. Por tanto, cada película del Studio Ghibli son producciones muy caras, y que hasta el éxito internacional de Porco Rosso lo cierto es que el estudio lo había pasado francamente mal. Otra característica de Hayao son las leyendas típicas japonesas. Si nos fijamos, todas las películas que se han realizado tienen historias, referencias, leyendas y cultura japonesa a doquier, excepto Porco Rosso curiosamente, convirtiéndose así en un punto de inflexión. En ella podemos ver un diseño distinto, una sensibilidad extraña, que quizás se entiende en Japón pero no se entiende tanto en occidente, ya que algunas reacciones o actitudes de Porco -o incluso de la historia misma- no se acaban de comprender des de nuestra visión occidental. Otra característica observable de Miyazaki es que todas sus protagonistas son niñas, algo muy poco habitual en el cine de animación europeo o americano, donde los personajes femeninos acostumbran a ser complementarios o pocas veces se reivindican como protagonistas de la historia, entrando así a ciertos arquetipos de la cultura occidental. Lo más curioso es que el papel de la mujer en Japón es más duro que en occidente, y de ese modo Miyazaki convirtió su obra en algo revolucionario en su país.

Entrando en Porco Rosso, estamos ante una película totalmente atípica dentro del Studio Ghibli tal como comentaba, con protagonistas europeos -italianos en este caso- y un contexto también europeo, aunque la historia está planteada des de la sensibilidad japonesa pero con arquetipos europeos. Por tanto es una historia rara, y según Miyazaki la película está planteada como un capricho del director, ya que él hace otro tipo de películas más ligadas con las leyendas japonesas, las tradiciones, misterios, épica, etc. todo lo relacionado con su país, pero que en este caso decidió que situaría esta historia en Europa, Itália concretamente, y se desarrollaría a través de un cerdo “porqué a mi los cerdos me encantan” según dijo Miyazaki. También es una historia de aviones porqué, simplemente, también les gustan los aviones. Por tanto, a partir de estos gustos, lo que ofrece la película es un reflejo de la pasión por los aviones del director, un delirio, con un diseño de los aviones totalmente fiel de acuerdo a como eran y como se llamaban. Vaya, que Miyazaki considera a Porco Rosso como un autoregalo, un capricho que se quiso hacer a sí mismo.

El nombre de “Ghibli” viene referido a lo que los pilotos italianos de aviación se referían cuando debían hacer exploraciones al Sáhara durante la 2a Guerra Mundial para referirse al viento cálido de ese desierto, llamándole “Ghibli”. Y es que absolutamente todo lo relacionado con el estudio y con sus películas tiene un riguroso trabajo de investigación, siempre. De hecho, Porco Rosso originalmente estaba pensada como un mediometraje para la empresa de aviación Japan Airlines, pero que éstos, al ver el grandísimo trabajo de Miyazaki, quedaron fascinados y decidieron colocarse en la producción y potenciar un largometraje. Por tanto, es un ejemplo del siempre riguroso trabajo de fidelidad al material original.

Referente al personaje principal se pueden decir muchas cosas y a la vez no sacar nada en concreto. Es un personaje extraño, que fue oficial en la 1a GM y, más adelante en el film, descubrimos que vio morir a sus compañeros en un ataque y que por suerte él consiguió sobrevivir huyendo por las nubes blancas, y a partir de aquí poco más se sabe de su pasado más allá de que por arte de magia se convierte en cerdo. Por qué? Según Sanchís -y Miyazaki- desmienten la idea generalizada que se convierte en cerdo como metáfora de recelo al fascismo basándose en la mítica frases de “antes prefiero ser un cerdo que un fascista”, argumentando que este es uno de los muchos misterios que envuelven la película, unas ambigüedades no resueltas muy habituales en las películas del director japonés. Por tanto, no habría que buscar ninguna explicación a que Porco es un cerdo, al igual que tampoco deberíamos hacer caso al hecho que al principio y final de la película Porco se convierte en cerdo, y de cerdo se convierte -por un instante- en persona. Lo que si queda bien definido es que Porco Rosso es un canto al anarquismo, ya que él no es un cazaracompensas, tampoco un soldado, sino un personaje que va por libre y que es sorprendente.

Algo que hay que tener muy en cuenta con Porco Rosso es que estamos ante una película que expresa muy alegremente su antitotalitarismo y antifascismo. De hecho el propio Miyazaki dijo en Stromboli que él era un poco Porco Rosso y que en la película hay algunas de las situaciones que le hubiese gustado vivir, algo que fácilmente conduce a pensar inevitablemente que Hayao está intentando hacer una exposición de su manera de pensar. De hecho, él, de joven, militó en movimientos y organizaciones muy de izquierdas y evidentemente la ideología que desprende está película -al igual que el resto de su filmografía- son lo que él siente. Además, la película también es un canto a los paraísos perdidos.

También Porco es un filósofo elegante pero también muy primario. Sus frases son bonitas, dejando a lo largo de la película un recital de frases realmente inolvidables, como por ejemplo “siempre se van los mejores”, “un cerdo que no vuela no es un cerdo”, “los que hacen la guerra son malos, los que ganamos somos terribles”, o la clásica “prefiero ser un cerdo que un fascista”, etc.Todo un recital de un filósofo fumador de Marlboro.

Ya más en una posición personal sobre su visita al Studi Ghibli, Vicent Sanchís explicó sus impresiones, y dijo que inicialmente él tenía la sensación que la gente del Studio se mantendría algo escéptica “a aquellos occidentales” que fueron a su taller a cotillear. Pues no, se ve que Miyazaki es alguien encantador que les explicó absolutamente todo lo que quisieron, dentro de los límites horarios que disponía el equipo de Stromboli, de unos escasos 20 minutos. Él era alguien que se sentía libre, alguien que trabajaba -y trabaja- en su estudio, el que él mismo creó a partir de una mala experiencia en el pasado sobre unos dibujos que creó y que le fueron robados los derechos. Eso originó la creación de Ghibli, con un taller propio donde se harían las cosas a su manera.
 
Le preguntó también Sanchís sobre el por qué no concedía más aire y comercializaba más sus películas en Europa y USA, y se ve que Miyazaki se mostró muy reticente a que sus películas se pasen por televisión. Él cree que no se respetan sus películas, ya que en la pequeña pantalla acostumbran a cortar los créditos finales, y eso es algo que él nunca ha tolerado. Según él “si veo que alguien corta mis películas, ese alguien no volverá a tener una película mía jamás”, ya que cree que todo lo que se ve en la película, todos los que salen en los créditos, han trabajado para que todo lo que se ve en la película sea como es, des de el primero al último que trabaja en el estudio, y aunque las letras sean en japonés y nadie en occidente las entienda nunca debe ser un motivo para cortar la película. Amén.



Eso fue lo más destacado de la conferencia respeto a Porco Rosso, abriéndose una vez ésta finalizada un turno de preguntas que más bien acabó convirtiéndose en un debate entre amigos de Vicent Sanchís y algún que otro nostálgico con canas explicando sus experiencias personales sin demasiado interés. Por cierto, todas aquellas fuentes que apuntaban hacia Porco Rosso 2, situada en la Guerra Civil española, pues que es falso, Hayao está preparando de cara al año que viene otra película sobre aviones pero que nada tiene que ver con Porco Rosso... ya nos gustaría a muchos!

viernes, 2 de noviembre de 2012

Presentación "La sèrie de la teva vida": Bola de Drac



Que Dragon Ball es un fenómeno de masas es algo incluso estúpido de recordar. Que lo es en Catalunya con Bola de Drac, casi que también. Pero decir que lo son también los dobladores al catalán de Goku y Vegeta (Marc Zanni y Joan Sanz) eso ya no es tan normal. Pues si, estos mediáticos dobladores de la serie de nuestras vidas hoy en día se han convertido en personajes que están presentes en nuestra cultura popular debido -sobretodo- a la vuelta en emisión de Bola de Drac en TV3.


Pienso que hay un factor clave que justifica este hecho tan anormal, me explico. Dragon Ball no es una serie eterna, incluso Toriyama ha dicho en multitud de ocasiones que ha acabado agobiado con la serie visto las exigencias de los productores a presentar nuevo material, llegando incluso a publicarse más rápido el anime que el manga que él mismo dibujaba con Dragon Ball Z. De ese modo, Dragon Ball ha visto finalizada sus aportaciones nuevas a la industria pese a que a cuentagotas podemos ir disfrutando de nuevos -y mediocres- OVAs, o incluso series intrascendentes como Dragon Ball Z Kai, que curiosamente Toriyama está al detrás. Pero volviendo a nuestros dobladores, pienso que ellos, con sus voces, consiguieron hacerse suyos los personajes, les dieron un carisma especial, vida, y si no podemos tener nuevo material -sobretodo- doblado, siempre nos quedará aquella alma indestructible como son las voces de Marc Zanni y Joan Sanz, dos personas actuales que siempre serán la cara -y voz- visible de Bola de Drac. Y eso por qué se ha producido? Es una respuesta que nadie sabe, ya que si nos fijamos en el cine o televisión en general, el oficio de doblador está realmente mal visto, con una idea popular de que ellos acostumbran a ser los responsables de quitar el alma al material original, algo que no pasa con el anime catalán curiosamente. Por ese motivo, con la presente edición del Salón del Manga, ambos dobladores han estrenado el libro La sèrie de la teva vida: Bola de drac, una obra que pretende responder a las inquietudes que los fans de la serie continuamente plantean a los dobladores a través de las redes sociales. Y, como no podía ser de otro modo, Lazonamuerta-cine ha acudido a la presentación para el público del libro, sorprendida por la masiva afluencia de fans que ya hacían cola hasta 2h antes de empezar -unas 500 personas en un aforo de 150- que ha hecho dividir la presentación en dos sesiones de 30 minutos para que así, como mínimo, pudieran asistir el máximo de personas posible.


La presentación se ha realizado en un tono más bien informal, y es que lejos de ser una rueda de prensa lo que se ha hecho ha sido complacer a los asistentes explicando algunas anécdotas que se podrán leer en el libro, algunos diálogos habituales de los personajes, y alguna que otra curiosidad sobre el resto de dobladores. Lo que si que ha sido interesante es que La sèrie de la teva vida: Bola de Drac, se ha convertido en el libro más vendido de la historia del Salón, batiendo récords en los poquísimos días que lleva a la venta, algo que demuestra lo arraigados que están a la cultura popular catalana estos dos dobladores y todo lo que gira en torno a ellos con Bola de Drac -por no hablar del récord Guinness que se consiguió ayer-.

El libro está escrito a cuatro manos y totalmente autofinanciado, algo que da más valor a sus responsables al ser totalmente personal. Además, tanto Joan Sanz como Marc Zanni son excelentes escritores más allá de su profesión vocal, con algún premio literario a sus espaldas, lo que asegurará al espectador poder gozar de una lectura ágil y bien escrita. El proyecto nació justo cuando los dos autores empezaron con el doblaje de Dragon Ball Z Kai, cuando de repente empezaron a comentar algunas anécdotas del pasado, y Joan Sanz le dijo a Marc: “estoy cansado de responder siempre a todas estas preguntas que me hacen los fans de Bola de Drac”, una queja que Marc se solidarizó al ocurrirle exactamente lo mismo. A partir de allí salió la idea de intentar escribir un libro contando todas esas inquietudes de los fans hacia ellos, o directamente sobre el doblaje, pero lo más curioso es que Marc ya tenía algo escrito previamente, una especie de boceto que sirvió de detonante para acabar de lanzarse a explotar aquella idea. También hay otro motivo que les hizo decidir, y es que se dieron cuenta que los aficionados a la serie amaban a los dobladores, algo que pudieron notar en un emotivo video colgado en youtube sobre los dobladores fallecidos. Un motivo triste, y más aún cuando Jordi Vilaseca, el doblador de Freezer en la serie, murió días antes de empezar el doblaje de Dragon Ball Z Kai, y que en las redes sociales se pudieron ver comentarios de consuelo y cariño muy emotivos hacia su persona por su labor en la serie. Por todos ellos, por Jordi Vilaseca, y después de 20 años, Bola de Drac ya es la serie de sus vidas, lo es todo, y La serie de la teva vida: Bola de Drac es un ejemplo de ello.

Lo que el lector podrá leer es una recopilación de diferentes anécdotas separadas por temarios y capítulos, recogidas a lo largo de las experiencias de ambos como dobladores de la serie en estos últimos 20 años, que se dice rápido. En total son 279 páginas, pocas en comparación con las infinitas experiencias que habrán vivido tanto Joan como Marc respeto a su relación con todos los dobladores, momentos complicados, situaciones con fans, las dificultades de convivir en su vida privada con su voz, etc. Un libro que según cuentan, perfectamente podría albergar 500 páginas. Por tanto, después del éxito que está teniendo, mezclado con la cantidad de material que hay, a nadie le ha sorprendido cuando se ha revelado que habrá “más”, así que nadie sufra, tendremos o bien más libros o bien otro “fenómeno” que, según palabras de Marc Zanni “es muy típico en Japón”. Habrá que esperar. Antes de esto, el libro habrá que explotarlo un poco, ya que sus responsables quieren hacer una gira alrededor de diferentes poblaciones catalanas -incluyendo Valencia y Baleares- para hacer llegar a todos los fans el contacto directo con ellos, firmar libros, y como mínimo, poder dedicarles un “gracias” por toda la fidelidad que han depositado a la serie tras tantísimos años.

Por todo esto, La sèrie de la teva vida: Bola de Drac, es una regalo a todos nosotros, para todos aquellos fieles espectadores que desde hace tantos años han seguido la obra de Toriyama, y también para toda aquella segunda generación que la ha descubierto no hace tantos años. Planeta DeAgostini sigue sacando los cómics, también los cromos que tantas horas hizo pasar a los más jóvenes los domingos en el mercado de Sant Antoni de Barcelona -me incluyo- intercambiándolos con otras personas, la locura de los disfraces, o las pretéritas fotocopias,... todo, y todo eso aún sigue vivo! Y tanto Marc Zanni como Joan Sanz son los responsables que el espíritu siga, el alma de Goku y Vegeta, nuestros personajes, esa pequeña porción de nuestra vida. O quizás, directamente, La sèrie de la nostra vida.

Novedades Selecta Visión 2012/2013


Ferran Ballesta


La presentación de las novedades de Selecta Visión se ha convertido ya en un clásico en el programa de los visitantes más fieles al Salón, como algo de obligada visita más allá del lote de regalos que siempre ofrecen a modo sorteo a sus asistentes. Yo no soy una excepción, y he acudido des de hace ya unos años, pudiendo apreciar el amor con el que trabajan esas pocas caras visibles que cada año cogen el micro para informarnos de sus adquisiciones anuales.
Como siempre, el simpático Manu Guerrero (Product Manager de Selecta Visión) ha llevado la batuta de la conferencia de presentación de las novedades de la firma, acompañado esta vez de Javi Puertas (también Product Manager), y el que a muchos de vosotros os habrá contestado en las redes sociales: Albert Castillo, el encargado de mantener con vida las página de Facebook o Twitter contestando preguntas y mostrando cualquier noticia relacionada. Precisamente la figura de Albert Castillo se ha querido subrayar como una de las principales novedades de la marca, ya que con él se ha conseguido una mayor comunicación con el público -el cliente-, pudiendo responder a todas las inquietudes de éstos y en general acercándose más a la gente.


30 de Octubre, varias licencias. Vayamos por partes:

-Berserk: La edad de Oro: Dirigida por Toshiyuki Kubooka (presente en el Salón del Manga estos días) sale a la venta la que es la primera película de una trilogía producida por Studio 4ºC, y que próximamente irán saliendo a la venta en nuestro país sus dos continuaciones. Se estima que a mediados del 2013 podría llegar la segunda entrega de la trilogía, y que a finales de año las tres películas estarán al mercado. Todo dependerá de cuándo se estrenan en Japón, ya que ellos siempre tienen la primicia, pero la intención es traerla en España lo antes posible.
Berserk es una interesante propuesta muy ambiciosa que ya se pudo ver en el pasado Festival de Sitges, aunque sin demasiado revuelo, y que contrariamente a lo que se piensa se trata de una trilogía que poco tiene que ver con la serie original al tener una historia completamente nueva.


-Madoka Magica: la segunda licencia es una licencia que ha cogido por sorpresa a mucha gente. Ésta es una serie que se dirige quizás a un público más adulto, incluso más concretamente al masculino, y que Selecta Visión tiene depositadas en ella muchas esperanzas para que triunfe en mercado igual como lo hizo el año pasado High School of the Dead. Y esas esperanzas vienen por los comentarios que la marca ha podido recoger en Internet de gente que está muy contenta con esta adquisición.
Ojito con Madoka Magica, ya que se trata de una edición muy limitada de apenas 500 unidades, y que solo se podrá adquirir en grandes superficies.
La serie está compuesta por 3 DVD, cada uno en edición coleccionista con suculentos extras, que por supuesto serán distintos a cada volumen.

-Blood C: Otra más. En 2001 el aficionado a la animación japonesa suspiró al descubrir una de las últimas obras maestras del género, con Blood: el último vampiro, una película de culto entre los aficionados. Selecta Visión siguió con Bloodlust repitiendo éxito, y ahora nos llega Blood C, una serie en que estudios como Clamp en el diseño de personajes están detrás. Además, Norma editorial editará el manga, así que son motivos suficientes por los cuales Selecta Visión ha querido editar en DVD/Blu Ray Blood C.
Se trata de una serie que, según comentan, empieza lenta pero va in-crescendo, hasta llegar a un final muy bien cerrado que se podrá descubrir –concretamente- en una película que se pudo ver en la Sección Oficial del último Festival de Sitges Blood C: The last dark –y que también se editará a mediados del 2013 en DVD/Blu Ray-. Éste es un filme visualmente muy potente pero que me decepcionó al estar a años luz de aquella primera película, al tener un tono más eléctrico y exagerado, y una animación menos definida, habitual del estudio Clamp.

-High School of the dead: La propuesta más curiosa de la charla, y es que ofrecer un DVD de un OVA de 20 minutos, como mínimo, es absurdo. Se ha justificado. Se ve que cuando Selecta Visión fue a negociar con la productora les dijeron que solo podían ofrecerles los 12 primeros episodios, ya que el número 13 –un OVA- aún no estaba listo. Los motivos? Un misterio, pero las exigencias de la productora era que editaran los 12 episodios y posteriormente ese OVA aparte, una gilipollez.
La solución por la que ha optado Selecta Visión es la de editar igualmente ese dichoso capítulo, pero a un módico precio de 5 euros –en vez de de 10-, ya que se ha apostado por no incluir los gastos de distribución, así que de ese modo, si alguien quiere adquirir este episodio especial deberá comprarlo en los Salones en que Selecta Visión tenga un stand, o directamente a la web.
Los que no tengan los 12 primeros capítulos de High School of the Dead, en diciembre, concretamente el día 11, saldrá a la venta un interesante pack con toda la serie, o sea, los 12 episodios + el OVA.


-Farscape: Concretamente la 4ª y última temporada de la serie, que actualmente se está emitiendo en televisión.
  
-La tumba de las luciérnagas: Creo que sobran halagos a lo que es posiblemente una de las películas más emotivas que tiene la animación japonesa. Un mega-clásico del Studio Ghibli que quien no haya llorado con ella es que no tiene corazón. Pues bien, por fin podremos disfrutarla en formato Blu Ray de cara al diciembre, mejorando así notablemente la calidad de imagen, con una nueva remasterización, restaurada y completamente limpia en el audio. Una edición que llegará como una novedad en Japón, ya que hace apenas unas semanas salió a la venta.


-Akira: Otra??? Pues si, otra edición más de Akira. Parece mentira la cantidad de veces que ha salido a la venta –hasta 4 veces-, con imperceptibles aportaciones en los extras, o simplemente cambiando la carátula. Esta vez no se seguirá la terrible tendencia, ya que como novedad principal la edición apostará por el combo Blu Ray/DVD, además de un libreto de 32 páginas exactamente igual que el que se incluye en las ediciones japonesas, pero con los textos traducidos. Además, una sutil caja de cartón roja da un toque elegante a esta edición coleccionista.
Akira es la película más vendida de la marca. De las 4 ediciones que Selecta Visión tiene a sus espaldas en DVD siempre se han agotado las existencias, por tanto, es una película que debe estar en el mercado porqué se vende. Incluso el Blu Ray, que salió a la venta el año pasado está siendo el más vendido de la marca actualmente. Larga vida a Akira!


-Ace Attorney: La última gran película de Takashi Miike hasta la fecha, el videojuego hecho realidad, animación de carne y huesos, y hacer divertida una película de juicios, eso es Ace Attorney. Pues si, la película que conquistó los corazones a tantísimos espectadores en la pasada edición de Sitges llega en DVD/Blu Ray, y un poco de casualidad. Me explico: según cuentan su adquisición fue algo de casualidad, ya que quien ofreció Ace Attorney son NTV, los mismos de Evangelion. Todo empezó en el pasado Festival de Berlín cuando Selecta Visión preguntó a los de NTV por Evangelion 3.0 y ante la negativa se encontraron con Ace Attorney, una película que se convirtió en una adquisición muy rápida.
Este lunes (5 de noviembre) finalizará el doblaje, y saldrá en alquiler en noviembre. Para diciembre está previsto que salga a la venta. Saldrá en Blu Ray y también en un combo Bluy Ray/DVD.

 
-A letter to Momo: la joya que se pudo ver en Sitges será otra de las novedades que ofrecerá Selecta Visión de cara al primer tercio del año que viene. Una película dirigida por Hiroyuki Okiura, director de la excelente Jin-Roh, que se ve que ha tardado hasta 7 años en hacer esta segunda película. El motivo justifica tanta paciencia, y es que A letter to Momo es una película dibujada a mano, sin técnicas digitales, y claro, el curro es enorme.
Una película tipo Studio Ghibli, con la habitual sensibilidad, el mismo trato a la cultura japonesa, la mitología, la entrada de seres de otro mundo al nuestro, pero que nada tiene que envidiar al prestigioso estudio del gatito. El problema es que la cantidad de anime que se hace en Japón es enorme, lo que a nosotros nos llega solo una pequeña porción que nos hace quizás no ser objetivos con el actual mercado japonés, una pena.
La edición será la misma que la italiana y dispondrá de todos los extras que hay en la edición japonesa.



Respeto a Evangelion 3.0, que se que muchos estamos ansiosos por saber alguna novedad, siento decir que no se ha revelado nada que no sepamos ya. Para los más despistados la película ya está hecha, solo falta que se estrene en Japón, algo prácticamente inminente, y hasta que no lo haga el resto del mundo no podrá negociar para adquirir los derechos de la película. Vaya, que habrá que esperar un poco, pero el túnel parece ser que tiene salida y parece ser que cada vez estamos más cerca de ella. Para el 2013 de bien seguro tendremos alguna noticia.


jueves, 1 de noviembre de 2012

World Record Guinness de gente disfrazada de Dragon Ball en Barcelona

Ferran Ballesta


Si, la especial presente edición del Salón del Manga de Barcelona ha conseguido lo que nadie antes había logrado, que es batir el World Record Guinness de gente reunida disfrazada de personajes de la serie manga Dragon Ball. Un récord que se ha conseguido al reunir hasta 307 personas, posiblemente algo menos de lo esperado pero no por ello despreciable. Vayamos por partes.

Que esta edición del Salón está marcada por Dragon Ball es una obviedad, y es que cumplir 20 años del aterrizaje de la serie más mágica que ha vivido -y vive- nuestra gente no es algo que se pueda ignorar, ni de lejos. Ya son hasta dos generaciones los que han crecido viendo las aventuras de Goku y sus amigos, padres que han hecho descubrir a sus hijos toda esa fantasía de las bolas de dragón, de sus valores, de su magia, de todo aquello que marcó a toda una generación justo hace 20 años gracias a Planeta DeAgostini con su publicación en cómic. Y hoy debemos darle las gracias a TV3, ya que gracias a ella todos los jóvenes -y no tan jóvenes- podemos seguir disfrutando de la serie anime en televisión, consiguiendo recoger a diario unas excelentes cotas de share en horario de Prime Time, entre un 3-4% en Catalunya, demostrando así que Dragon Ball sigue vivo y coleando en nuestras vidas pese a cumplir ya 20 años. Y entre los muchos actos que podremos disfrutar en el Salón con este fantástico homenaje, había uno de muy importante que nos podría lanzar en la actualidad a nivel mundial, que era conseguir batir el WRG de gente reunida disfrazada de personajes de Dragon Ball, algo que nos merecemos por nuestra fidelidad a la obra de Toriyama. La marca a superar estaba establecida en Madrid, que si no tengo mal entendido el año pasado consiguió reunir hasta 250 personas, aunque lo cierto es que algunos “narutos” -por decir algún ejemplo- se colaron a la suma.

Personalmente me esperaba más afluencia de disfrazados, no lo negaré. Eran las 12:00 de la mañana, 1h antes del momento en que los señores del WRG empezarían a contar al personal, y la gente disfrazada estaba lejos de ser la marabunta de aficionados a la obra de Toriyama que quizás imaginaba, pese a que poco a poco iba llegando gente disfrazada. Los había de todo tipo, des de personas más jóvenes -y cuando digo “jóvenes” me refiero a niños de apenas 2-3 años- hasta padres de familia con alguna que otra cana. Incluso de variedad de personajes! Madre mía la cantidad de personajes que han desfilado, des de los populares Goku, Krillin y compañía hasta otros más secundarios como Pan, Videl, Nappa o Lunch, unos disfraces más trabajados que otros pero de bien seguro todos compartiendo la misma pasión.

Mientras todo ese abundante repertorio de personajes esperaba el momento clave, los dobladores de Bola de Drac Marc Zanni y Joan Sanz (Goku y Vegeta), animaban a los disfrazados y a los curiosos espectadores des de un escenario, ofreciendo algunos gags de la serie, como los ya habituales en nuestra lengua catalana insultos de Vegeta (“Baliga-Balaga”, “ets un nyicris!”, o “els estobem y llestos”), o las ya tradicionales coreografías del Kame-Hame-Ha, Final Flag y demás ataques de los personajes de la serie, que hacían interactuar y divertir a la vez al público mientras esperaban a que llegara la hora clave.



Y llegaron las esperadas 13:00 horas, el momento en que los señores del Guinness empezarían a contar a la gente. Seamos sinceros, había menos disfrazados de lo que se esperaba, y esa era una idea que se podía palpar en el ambiente, notándose cierta inquietud por parte de los curiosos por si se conseguiría finalmente batir el récord o no. Como digo, los nervios corrían cada vez que algún despistado llegaba muy justo y no sabía por donde tenía que ir, y la gente, muy amablemente, les orientaban cómo tenían que agruparse al resto, junto a avisos de que espabilaran. Fueron unos 10 minutos de espera y de cierto nerviosismo, el silencio cada vez más tomaba protagonismo, hasta que se supo la noticia: se ha conseguido batir el récord con 307 personas disfrazadas! Una cifra que en el fondo no es nada despreciable.

Pese a notarse cierta decepción entre los asistentes sin duda la alegría estalló, daba igual la cantidad de gente, aquello era una fiesta, era toda una declaración de amor por parte de aficionados y sobretodo de los disfrazados, que vieron como nuestra ciudad, una vez más, estaría dentro de ese famoso libro de los récords mundiales. Y lo mejor de todo, con un récord que une hasta dos generaciones de aficionados a lo que es, sin duda, la serie de nuestras vidas. Hasta siempre Bola de Drac!