lunes, 30 de septiembre de 2013

Europa Report - Sebastián Cordero, 2013



TÍTULO ORIGINAL: Europa Report (A.K.A. Europa One)
DIRECTOR: Sebastián Cordero
GUIÓN: Philip Gelatt
AÑO: 2013
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
MÚSICA: Bear McCreary
FOTOGRAFÍA: Enrique Chediak
REPARTO: Sharlto Copley, Michael Nyqvist, Daniel Wu, Anamaria Marinca, Christian Camargo
PRODUCTORA: Wayfare Entertainment / Misher Films

NOTA: 5


Las películas de metraje encontrado llevan siendo una propuesta cinematográfica con un potencial cada vez más reducido debido a su explotación y por tanto a la repetición de esquemas. Pero hay fórmulas aplicadas como las del metacine, homenajes al extinto VHS, más o menos acción, planos secuencia para lucirse técnicamente, cámaras de video-vigilancia, etc. que han intentado dar un punto de singularidad a las propuestas que representan. Europa Report es lo último en llegar en el género a la espera de poder ver The Sacrament de Ti West, y ante todo debo decir que la presente película sí ha conseguido su singularidad al alejarse de la cinematografía convencional para acercarse a la del documental.

Europa Report ha sido dirigida por el ecuatoriano Sebastián Cordero, y habla sobre lo grande que es el universo, de lo pequeños que somos, de sus peligros, de lo poco que sabemos sobre lo que hay fuera de nuestra amada Tierra. La misión se dirige hacia la cuarta luna del planeta Júpiter, una luna donde se cree que hay agua, y por tanto hay la posibilidad de encontrar vida microscópica. Para saberlo con certeza un equipo internacional de 6 astronautas es enviado a esa cuarta luna, en un viaje lleno de peligros.

La película, como es habitual en el género, no posee un alto presupuesto, pero sí un diseño de producción que resulta muy convincente, basado en una nave donde apenas conoceremos un par de espacios, y el escenario de luna de Júpiter donde aterrizarán los astronautas y que explorarán. Y es que Cordero se ha preocupado principalmente en presentar un diseño de producción lo más realista posible, tanto que incluso previamente a su rodaje presentó el proyecto de la película a la Nasa, para que todo fuera meticulosamente cuidado y realista, algo que Kubrick ya hizo con su 2001: Odisea en el espacio.

Lejos de tratarse de una space opera con pistolas de plasma y monstruos sobrenaturales, lo que el espectador verá es la grabación de las cámaras de vídeo de la nave y que sirven para contar la historia de su desafortunado viaje, poco más. Y por tanto, mientras que películas como Apollo 18 (Gonzalo López-Gallego, 2011) se centran mucho más en explorar el terror y adentrarse en lo desconocido, Europa Report es una película que deposita su fuerza en crear una atmósfera ficticia lo más realista posible, en que el suspense que puede aportar el género del found footage no se aleja demasiado del que pueden tener los documentales del canal Xplora. Es decir, el terror será un elemento muy puntual en la película, ya que Europa Report, al buscar la simulación de la realidad, si hay que prepararse durante un rato para preparar una acción (salir de la nave, reparación, etc.) el espectador deberá ser paciente y esperar a que se preparen los astronautas.

La idea de alejarse de la ciencia ficción para posicionarse (casi) en el falso documental no es mala, pero se nota que Sebastián Cordero no se siente demasiado seguro con el proyecto que tiene entre las manos. No es una película lineal porqué si lo fuera realmente el sueño sería instantáneo, y para ello el director, junto al guionista Philip Gelatt, han planificado una historia que va alternando paralelamente entrevistas donde se reconoce que algo no ha ido bien en la misión, y así ayudar a crear expectativas al espectador. Es decir, Europa Report posee un guión sin músculo, tacaño y previsible, y dramáticamente sin demasiado interés por culpa de un pobre trabajo de personajes, una de las consecuencias que tiene plantear la película hacia el género documental y tener un mayor interés en los tecnicismos que en narrativa, pese a algún que otro cliché femenino de “sentimental” que queda fatal. Me da la sensación que Cordero sabe que no tiene un guión con suficiente garra hasta la segunda mitad de la película, que atraiga al espectador, y eso jode uno de los puntos fuertes de la película: el viaje a ciegas que el espectador hará junto a los astronautas. Cordero quita magia a la película. Acaso se ven 2-3 segundos de la cuarta luna de Júpiter? Por allí va la cosa, pero tampoco es necesario más. Es el “avanzar a ciegas”, a lo oscuro, a lo desconocido, el saber que ni siquiera la propia nave puede ofrecer seguridad a los astronautas es lo que da fuerza a la película, y Europa Report, más allá que es tacaña en cuanto a mostrar escenas de “acción”, desperdicia lo bueno que tiene. De todos modos hay una sorpresita final quizás algo previsible.

Europa Report no es una película mala, pero es somnolienta. Eso si, Cordero ha conseguido plasmar de un modo creíble y elegante pese al escaso presupuesto, todos los clichés sobre el hombre en el universo y lo peligroso que puede ser aventurarse en él. Somos muy poca cosa en lo colosal y desconocido que es el universo, y por ello la película avanza al mismo ritmo que lo hacen los astronautas, así que paciencia, pero ojo, porqué lo hacen a ciegas.



LO MEJOR: Una película de metraje encontrado con buenas intenciones, donde los clichés sobre el hombre en el espacio exterior se representan de un modo riguroso.


LO PEOR: Que Cordero no sepa meter más carne al asador y así conseguir no aborrecer al espectador. Tampoco ayudan las entrevistas que se van intercalando, convirtiendo la película en algo previsible.

Trailer:


jueves, 26 de septiembre de 2013

Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses - Masahiro Hosoda, 2013





TÍTULO ORIGINAL: Doragon Bôru Zetto: Kami to Kami (Dragon Ball Z: Battle of Gods)
DIRECTOR: Masahiro Hosoda
GUIÓN: Yûsuke Watanabe (Cómic: Akira Toriyama)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: Japón
MÚSICA: Norihito Sumitomo
PRODUCTORA: Toei Animation

NOTA: 4










Recuerdo que era muy muy joven cuando ya tuve en mis manos mi primer cómic de Dragon Ball por allá en el año 1993. Desde entonces he de reconocer que no he parado de consumir productos de Dragon Ball además de los cómics, como la serie, cromos, videojuegos, libros y en sí todo lo que tuviera que ver con el mundo creado por Akira Toriyama. Ya son 26 años de Dragon Ball, y desde su inicio, gracias a convertirse en uno de los productos culturales más rentables de la historia, no se ha parado nunca de ofrecer nuevos productos a los fans para satisfacer sus ansias de querer ver cosas nuevas. Lo último en llegar ha sido la esperadísima Dragon Ball Z: Battle of Gods.

Cuando se estrenó en Japón el 30 de marzo del 2013 se convirtió instantáneamente en un rotundo éxito de taquilla: más de un millón de espectadores y casi 19 millones de dólares en su segunda semana en cines. Solamente se proyectó en 328 salas, pero consiguió colocarse como la quinta película más taquillera de su semana de estreno a nivel mundial. No hay que olvidar 2 cosas: primero que Dragon Ball no proyectaba ninguna película en cines desde hacía 17 años, como fue con Dragon Ball: El camino hacia el más fuerte, hecha en 1996, y segundo que lo que realmente ha hecho entusiasmar al fan ha sido la participación de Akira Toriyama no solo en la creación del guión, sino también en la animación. Según sus palabras, nunca se había involucrado tanto en una producción de animación, y claro, la expectación que se ha creado ha ido creciendo como la espuma. Además el director de la película es Masahiro Hosoda, uno de los cuatro directores que tuvo la serie de animación, y por tanto, aparentemente, Battle of Gods debería ser un valor seguro.

La película se sitúa poco después que Bu muriese derrotado por la bola Genki de Goku en el planeta de los dioses, en esa década en blanco entre los capítulos 517 y 518 de la serie y el manga. La historia cuenta como Bills, el Dios de la destrucción, después de despertar de su letargo gracias a su fiel servidor Wiss, ve como Goku derrotó a Freezer siendo éste un Super Saiyan. Eso le hace recordar un sueño que tuvo sobre el “Super Saiyan Dios”, alguien que según el Pez oráculo puede igualarle en poder. Rápidamente Bills cree que Goku podría ser el Super Saiyan Dios y decide ir a buscarle para ver si lo es en realidad, hasta que le encuentra en el planeta de Kaio Sama del Norte, donde se estaba entrenando. Allí disputarán un combate con Goku convertido en Super Saiyan 3, pero no puede contra el Dios de la Destrucción y cae derrotado en dos golpes. Ante la decepción Bills decide ir a la Tierra a comprobar si alguno de los 4 Saiyans que quedan allí es el “Super Saiyan Dios”.


La película seguramente decepcionará todo aquel amante del Toriyama más serio y violento como el de la saga de Freezer o Célula, ya que más bien sigue la linea de los últimos especiales que ha ido sacando al mercado la franquicia como Plan para erradicar a los Saiyans (2010) o Episodio de Bardock (2011), con fuertes dosis de humor y planteamientos que rizan el rizo de una historia tan compleja y llena de incoherencias como la de Dragon Ball. Que nadie se espere con Battle of Gods una película dura en que veamos a nuestros héroes viviendo situaciones al límite, sangrando, destruyendo edificios a consecuencia de las peleas, o transformaciones que surjan a través de la rabia y el orgullo. No. Battle of Gods es una película que claramente usa un tono humorístico y que no tiene ningún tipo del maldad, incluso Bills, en el fondo, es alguien que no es malo, simplemente es el Dios de la Destrucción y al igual que hay dioses que crean planetas él los destruye. De hecho, Toriyama ya advirtió que Battle of Gods supondría un regreso a la atmósfera “familiar” original, añadiendo un poco de sabor moderno “a lo Dragon Ball Z” para que así padres e hijos puedan ir juntos al cine...¿?


¿Funciona? En absoluto. Si bien los aspectos técnicos actualizados han conseguido peleas muy espectaculares y un mayor realismo en la animación, lo que falla Battle of Gods es en algo tan simple como el “respeto”. ¿Respeto a qué? Respeto a la estética de unos personajes que han perdido realismo y detalle si comparamos con la serie, también respeto a lo que son, ya que hay escenas como lo de hacer bailar a Vegeta o de ver cantar a Piccolo en un karaoke resultan muy muy vergonzantes. O también el hecho de diseñar a un rival como Bills estéticamente tan feo; Pilaf y sus camaradas convertidos misteriosamente en niños pequeños; Krillin parece otro; Ten Shin Han parece que vaya disfrazado,... Muchos detalles que harán disgustar a los fans que desean ver una película que regrese a los tiempos de Bu, con batallas violentas y personajes llenos de orgullo, y lo que se encontrará es con una película donde predomina el humor y carece la emoción.

Tampoco me ha convencido una historia que piensa más en homenajear al mundo de Dragon Ball que ha explicar algo que interese. Películas como El ataque del Dragón (1995), que personalmente es la mejor película de la franquicia, con apenas 45 minutos cuenta una historia trabajada donde la épica tiene un papel muy fuerte. Más allá que Battle of Gods tenga un tono más humorístico, su historia se limita a la búsqueda del Super Saiyan Dios, una chorrada que Goku consigue fácilmente y que incluso no sirve para lo que debería... aquí lo dejo.

Me da la sensación que he criticado la película más como fan decepcionado que como espectador objetivo. Pero sea como sea la película es muy pobre, no tiene épica, no tiene emoción, la animación ha perdido detalle respeto a la serie, y la historia es una tontería. Tampoco me ha gustado el enfoque que se ha hacho hacia la sociedad occidental, con algunos gags de humor basados en la gastronomía japonesa que solo funcionarán fuera de Japón, como es lo del wasabi. Eso sí, con Battle of Gods Toriyama ha conseguido su particular homenaje a la serie, donde aparecen todos los personajes del manga aprovechando la celebración del 39 cumpleaños de Bulma, incluso hay un cameo para el Dr Slump y del Rey Vegeta... También tiene momentos muy divertidos como el desafío de Majin Bu a Bills por un plato de puding, que si funcionan es precisamente por saber explotar la naturaleza de determinados personajes sin hacer hipérboles. Bienvenida sea, pero no me ha gustado nada.






LO MEJOR: Un par de escenas: 1) el desafío por el plato de puding entre Bills y Majin Bu. 2) La explosión de rabia de Vegeta después de la agresión de Bills a Bulma.

LO PEOR: Todo lo demás. Se trata de un homenaje fallido donde lo peor es la deformación que sufren algunos personajes hacia el humor. Ésto es Dragon Ball Z, y aquí faltan peleas, violencia y emoción.

Trailer:



miércoles, 25 de septiembre de 2013

Magic, Magic - Sebastián Silva, 2013



DIRECTOR: Sebastián Silva
GUIÓN: Sebastián Silva
MÚSICA: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
AÑO: 2013
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Chile
FOTOGRAFÍA: Christopher Doyle
REPARTO: Juno Temple, Michael Cera, Emily Browning, Catalina Sandino Moreno, Agustín Silva
PRODUCTORA: Braven Films / Killer Films / Rip Cord Productions

NOTA: 6








Reconozco que de vez en cuando me gusta aventurarme en propuestas cinematográficas más complejas, intelectualmente maduras, de esas en que la linealidad en el guión no existe y sí un conjunto de elementos que acaban configurando un todo. Es el caso de uno de los títulos que se podrán ver en Sitges este año, concretamente en la Sección Oficial a Competición como es Magic, Magic, una película que llega des de la exótica Chile y que ya se pudo ver en el pasado Festival de Cannes y Sundance.

Dirigida y escrita por Sebastián Silva la película cuenta como Alicia (Juno Temple) llega a América del Sur para pasar las vacaciones con su prima Sarah (Emily Browning) además de su novio y sus amigos. Pero antes de encontrarse donde habían quedado, Alicia llama a Sarah para contarle que se ha quedado atascada en una isla remota frente a Chile, con sus tres amigos, incluyendo a Brink, un estudiante de intercambio estadounidense con una vena sádica. Desconcertada, asustada y sin poder dormir, la realidad de Alicia se convierte en una pesadilla de la que no puede despertar.

Magic, Magic es una película extraña situada en un mundo donde el espectador nunca sabrá exactamente qué está pasando, y en medio de ese escenario cargado de situaciones inquietantes y desconcertantes se encuentra Alicia, la única que las puede ver. Pero lo que de verdad es interesante de la película es la pérdida de la capacidad mental de la protagonista sin ningún motivo aparente, tal como ocurre en películas como El Exorcista (William Friedkin, 1973) con Regan, o Anticristo (Lars Von Trier, 2009), películas en que lo verdaderamente aterrador es convivir con esas personas por culpa de su maldición, esquizofrenia, paranoia o lo que sea. Por tanto, ¿qué es lo que produce esas visiones que solo Alicia puede ver? Es precisamente la falta de información lo que crea esa sensación inquietante en Magic, Magic, por dejar al espectador desconcertado. Posiblemente otras películas más comerciales tendrían tendencia a acabar explicando los sucesos extraños que ocurren, pero es esa “zona gris” donde se mantiene el espectador durante toda la película su mayor virtud. Y todo empieza de un modo muy simple, al inicio de la película, cuando Alicia está en la ducha y se mira a sí misma en el espejo de un modo extraño, dando la sensación que algo está fuera de lugar, así, sin más explicación posterior.


En el reparto, además de las dos chicas mencionadas, se incluye el nombre más internacional de él como es Michael Cera, el inmortal Scott Pilgrim. Pero eso no ha servido para que Sony, que posee los derechos de distribución, la haya lanzado a la distribución en cines sino que la ha relegado al mercado del DVD en su país Chile. No es que sea una mala película, pero no es exactamente lo que uno espera encontrarse cuando ve el trailer. Magic, Magic es un thriller psicológico con muy buenas interpretaciones como la de Juno Temple, en que el espectador podrá ver ritos indígenas perturbadores, extraños comportamientos de animales o inquietantes trances hipnóticos donde Alicia no es consciente de sus locuras, unos elementos que sumados a la falta de información realmente pueden inquietar. En todo caso no estamos hablando de una película de terror. Lo que sí es cierto es que se trata de una película accesible por ofrecer un guión fácil de seguir, pero no por ello comprensible, cuidado, ya que más concretamente Magic, Magic es una película de sensaciones que quizás no funcionará a todos los públicos pero que en ningún momento aburrirá. Se deja ver e invita a reflexionar sobre ella.



LO MEJOR: La sensación de estar viendo diferentes situaciones sin saber exactamente por qué están ocurriendo, invitando a la reflexión.


LO PEOR: Puede molestar a algún espectador que no se resuelvan algunas preguntas.

Trailer:

lunes, 23 de septiembre de 2013

La violencia del sexo - Meir Zarchi, 1978




DIRECTOR: Meir Zarchi
GUIÓN: Meir Zarchi
TÍTULO ORIGINAL: I Spit on Your Grave (AKA Day of the Woman)
AÑO: 1978
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Estados Unidos
FOTOGRAFÍA: Yuri Haviv
REPARTO: Camille Keaton, Eron Tabor, Richard Pace, Anthony Nichols, Gunter Kleemann
PRODUCTORA: Cinemagic Pictures

NOTA: 8









Durante la era Nixon en los Estados Unidos, la reaccionaria clase media impulsó a los políticos a aprobar la Ley del Talión, movida por la rabia y el miedo de la sociedad post-Vietnam. Rabia y miedo fomentado por algunos políticos derechistas, familias cristianas ultraconservadoras y lobbys carcas, ayudaron a que se creara una ley que decía que “No se violará el derecho del pueblo a poseer y portar armas”. De aquí el éxito de algunas películas que se realizaron a posteriori como El Justiciero de la ciudad (Michael Winner, 1974), Angel de Venganza (Abel Ferrara, 1981), o la presente La violencia del sexo dirigida por el americano Meir Zarchi en 1978, un tipo de películas que mezclan violencia, violaciones y venganzas.

Concretamente a La violencia del sexo deberíamos incluirla en el famoso subgénero del Rape & Revenge, un tipo de cine donde los monstruos no son sobrenaturales, sino humanos que descargan su atroz violencia contra otros seres humanos, normalmente a mujeres. Un cine basado en venganzas y castraciones donde la mujer es la máxima protagonista al sufrir un ataque a su feminidad por parte de un grupo de individuos masculinos -o incluso femeninos en algunas películas concretas- que pertenecen a pueblos del interior, o más concretamente de “gente paleta”. La presente película sigue éste canon violento hasta tal punto que su director Meir Zarchi ofrece una brutal violación de más de 30 minutos, y que le supuso la prohibición de la película en algunos países como Irlanda, Noruega, Islandia, Alemania occidental o incluso 20 años en Inglaterra.

La violencia del sexo trata acerca de una joven escritora, Jennifer, que pasa sus vacaciones en una casa alquilada, en un escondido pueblo americano para aislarse y escribir su nueva novela. No pasan dos días y unos hombres del pequeño pueblo la persiguen, violan y humillan repetidas veces. Uno de ellos tiene que ir a matarla, pero no lo hace y es entonces, mientras todos pensaban que estaba muerta, cuando ella vuelve para realizar su violenta venganza.

Se trata de una película realmente violenta, incluso para según quién puede ser muy desagradable. Es una epopeya llena de sexo sucio y forzado de difícil digestión, en que cabe decir que Zarchi impregna a los paletos violadores de un mensaje fascistoide contra el movimiento hippie de la época que buscaba aires de libertad y progreso. Creo que sería un error no contemplar al personaje femenino de Jennifer desde la postura libertaria que tenían ciertos jóvenes de la época que seguían la moda contracultural del movimiento hippie, en la que el sexo libre era habitual, también la desnudez, el LSD y el cannabis o el uso del bikini, ya que atentaban contra el modelo de familia tradicional católica. Por tanto, Jennifer viene de la gran ciudad a un pueblo que se cree modélico por tener establecidas costumbres tradicionales, y el simple hecho de usar bikini, enseñar la pierna de rodilla para abajo, vivir sola sin novio y tener “muchos novios” -en palabras suyas-, son la excusa para atacar y violar a una “ramera”, ya que se sale de las normas socialmente marcadas e impuestas.

En cuanto a la película es una curiosidad muy violenta pero que en el fondo no es más que un exploit entre tantos otros de La última casa a la izquierda (Wes Craven, 1972), y que pertenece a toda aquella estirpe de cintas que arrasaron en los 70-80. Y como todas ellas sigue los tres actos habituales del género, como son la presentación de la chica protagonista, luego su salvaje violación a cargo de un grupo de hombres liderados por un cabecilla, y luego una venganza a cargo de la chica. Pero la película no es más que una oda a las fantasías producidas por el voyeurismo masculino, la de la excitación pasajera y a la voluntad latente de salirse del molde y romper su moralismo tradicional. También a las fantasías de la mujer ante la represión que ésta ha vivido tradicionalmente, y en sí toda la película no es más que las fantasías de unos y otros. Más allá de ello se puede ver entre lineas el poder que tiene la postura tradicional y de derechas en la sociedad de la época ante los grupos progresistas. Por tanto, si por algo me gustaría revivir en éste blog La violencia del sexo es porqué la considero una película menos superficial de lo que aparenta, llena de detalles sutiles fácilmente perceptibles, por todo lo que ha sufrido frente a la censura, y por una más que decente dirección a cargo de Meir Zarchi. Concretamente la escena de la violación, además de ser bruta y desgarradora, resulta muy efectivo el planteamiento del director de acercarla hacia el cinema verité, ya que con una carencia absoluta de música y efectos sonoros la famosa violación gana realismo y consigue dejar a cualquiera sin aliento.


Tampoco engañaré a nadie, es muy modesta, pero también es cierto que tuvo muchas dificultades tal como apuntaba para su distribución en diferentes países, además de devastadoras críticas y rechazo total a un filme tan polémico por su contenido tanto visual como político. En todo caso hoy en día podemos disfrutar la versión sin censura de La violencia del sexo con sus 101 minutos de duración, y así no olvidar jamás escenas tan memorables como la de la castración, tan desagradable para los hombres como pornográfica para los grupos radicales feministas.




LO MEJOR:  Que no se trata de un Rape & revenge convencional, sino de una película con un trasfondo político que le sienta muy bien hoy en día. También rescato la escena de la castración, tan bellamente rodada como despiadada.

LO PEOR: El final sabe a poco.

Trailer:

sábado, 21 de septiembre de 2013

Puppet Master: Axis of Evil - David DeCoteau, 2010




TÍTULO ORIGINAL: Puppet Master: Axis of Evil
AÑO: 2010
DURACIÓN: 83 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David DeCoteau
GUIÓN: August White
MÚSICA: Richard Band
FOTOGRAFÍA: Terrance Reicher
REPARTO: Levi Fiehler, Jenna Gallaher, Taylor M. Graham, Tom Sandoval, Jerry Hoffman,Mike Brooks, Ada Chao, Aaron Riber, Erica Shaffer, Zhang Xiangfu, Gu Yingfeng
PRODUCTORA: Ace Studios / Full Moon Entertainment

NOTA: 5






Puppet Master 10: Axis of Evil. ¿¿10 ya?? O 9 según como se mire, si queremos incluir aquel producto televisivo desastroso llamado Puppet Master vs Demonic Toys (Ted Niccolaou, 2005). La gallina de los huevos de oro de Charles Band sigue sacando huevos pero por desgracia cada vez de peor calidad. Eso si, parece ser que el fundador de la mítica Empire Pictures sigue más vivo que nunca con su Full Moon Features. Hay quien la considera como su etapa de bronce tras el éxito que obtuvo Empire con sus Re-Animator (Stuart Gordon, 1985), Re-Sonator (Stuart Gordon, 1986), Trancers (Charles Band, 1985) y demás, siendo éstas las reinas de los videoclubes de la época y auténticos megaclásicos de la serie B actual. Luego vino la Full Moon, etapa de plata, tras el derrumbamiento económico de Empire Pictures en 1989, una continuación que seguiría el legado de la Empire pero bajo la protección de la Paramount. Finalmente llegó por allá al 2005 Full Moon Features con la intención de hacer películas en 35mm y con mayor presupuesto, pero la realidad es que si la productora sigue adelante es básicamente por los miles de fans que tiene detrás, Internet, el 3-D, concursos para participar de extra en las películas, merchandising, y secuelas sin sentido, pero siempre bien acogidas por los fans.

Puppet Master 10: Axis of Evil es otro de esos títulos prescindibles y en sí un claro ejemplo de lo penoso que resulta ver hoy en día a la figura de Charles Band, pese a mi máximo respeto y admiración por haber sabido adaptarse a los tiempos que vive y nunca fracasar (unos 30 años en activo), igual que Roger Corman (unos 60? uff...). La presente película empieza donde la 1a, pero sigue a la 3a, por tanto es una especie de precuela-continuación donde se explica como sigue la trama tras el suicidio de Andre Toulon en el Hotel Bodega Bay en plena 2a Guerra Mundial, tal como vimos en el prólogo de la primera película. Por tanto, tras el suicidio de Toulon, Danny encuentra su cadáver y el legado que ha dejado oculto en una pared: sus marionetas. Y resumido rápido digamos que usará las marionetas para encontrar venganza contra los nazis que provocaron la muerte de Toulon y de su hermano.


Es una película muy simple, dirigida por el mítico David DeCoteau, alguien que seguro que todo aficionado al género recuerda por tener una filmografía de unas 80-90 películas de serie B y Z de las cuales apenas se pueden rescatar 2 o 3, entre ellas la que es sin duda la mejor de la saga, como es Puppet Master 3: La venganza de Toulon. Ésta vez, rodada en China en apenas 12 días, los efectos especiales que deben dar vida a las marionetas se limitan al prehistórico -pero entrañable y necesario- stop motion, y a la imaginación más creativa, tal como se rodaron las películas de serie B más cutres de los 80. Un ejemplo de ello sería el constante uso de grandes cantidades de humo para tapar las limitaciones escenográficas, incluso en interiores...¿? O incluso también usar brazos humanos para substituir en algunos planos detalle la animación de las marionetas...¿? Pero es quizás ésta sensación de falta de medios lo que hace ver con otros ojos la película, los de la nostalgia y humildad, aunque lo cierto es que ya nos hemos hecho adultos y la magia ya no existe en las nuevas producciones de la Full Moon Features. Puppet Master 10: Axis of Evil resulta cutre y no funciona.

En todo caso se trata de una buena curiosidad que profundiza en los orígenes de las marionetas y en lo que pasó después del prólogo de la primera película tras la muerte de Toulon. En ella quizás las marionetas no tienen una especial participación, seguramente por las limitaciones presupuestarias, pero en todo caso resulta una película que entretiene y se deja ver. Como novedad de las marionetas el espectador conocerá a “Ninja”, que nace con el alma del difunto hermano de Danny a manos de los nazis. Su final es abierto completamente, y será necesario ver la secuela para saber como finaliza todo.


LO MEJOR: Que la historia se plantee como continuación a la muerte de Toulon, un bache que tenía la historia tras la mejor entrega de la saga como fue la tercera. Además de la nostalgia que sentirá el espectador al reencontrarse con las marionetas de Charles Band.

LO PEOR: Poca participación de las marionetas.



Trailer:


viernes, 20 de septiembre de 2013

Visita al rodaje de "Asmodexia" (Marc Carreté, 2013)

Ferran Ballesta



Parece ser que el cine de género sigue vivo y coleando en España pese a los momentos de crisis. Aunque sería injusto no centrar las miradas hacia el territorio catalán, donde un buen puñado de nuevas productoras como Filmax, Rodar y Rodar, Roxbury o Nostromo Pictures apuestan orgullosamente por el género de terror tal y como podremos ver en la presente edición del Festival de Sitges, con películas tan esperadas como “Grand Piano”, “Los Inocentes”, “Enemy”, “Hooked Up” o “Retornados”. Por suerte, a partir de ahora deberemos incluir una más a la lista como es MS Entretainment, acabada de nacer en Barcelona de la mano del empresario Emili Pons, y que pretende producir cine de terror de bajo presupuesto para el mercado estatal e internacional.

Su primera película es “Asmodexia”, que seguro que a más de uno le sonará por haber visto recientemente en ésta misma web unas imágenes promocionales realmente brutales. Y ésto y mucho más es lo que se está cociendo ahora mismo en el Parc de l'Audiovisual de Catalunya (Terrassa), en el mismo lugar donde recientemente visitamos el rodaje de “REC 4: Apocalipsis”. Ahora le ha tocado a “Asmodexia”, y tuvimos el placer de hacerles una visita y conversar con Marc Carreté, el joven director catalán que debuta al largometraje tras haber realizado anteriormente dos cortometrajes proyectados en Sitges como son “Mal cuerpo” (2011) y “Castidermia” (2012). Cabe decir que no fue posible conversar con Emili Pons, el propietario de MS Entretainment, pero nos aseguraron que durante el Festival de Sitges le tendremos allí y podremos conversar con él para así conocer más de cerca a ésta nueva productora enfocada al cine de terror de bajo presupuesto.

Asmodexia” narra en clave de puro cine de horror 5 días en la vida de Eloy, un veterano evangelista, y Alba, su nieta adolescente, quienes practican exorcismos en el área de Barcelona. La película cuenta en su reparto con la joven promesa Clàudia Pons (“Elisa K”), Lluís Marco (“Petit Indi”, “La voz dormida”) e Irene Montalà (“La mujer del anarquista”, “El barco”) como protagonistas, así como con Marta Belmonte, Pepo Blasco, Sílvia Sabaté y Marina Duran en papeles principales, y la colaboración especial de Mireia Ros.

Antes de contactar con la película, a la prensa se nos hizo una visita guiada por el Parc de l'Audiovisual de Catalunya. Antiguamente fue un hospital que albergaba a pacientes con enfermedades respiratorias, tales como tuberculosis, fibrosis o cáncer de pulmón, hasta que en el año 1997 cerró sus puertas y quedó abandonado. Debido a la estética lúgubre del recinto, junto con la visita de algunos curiosos, se crearon ciertas leyendas urbanas de espíritus y cosas paranormales, hasta que en el año 2004 la Generalitat de Catalunya lo reformó y creó un complejo audiovisual con 4 platós cinematográficos donde se han rodado infinidad de películas y programas de televisión. Cabe decir que el hospital es enorme, y pese a que hay una parte que no se puede acceder debido a lo ruinosas que están las instalaciones, hay otras que sí debido a que se han reformado, y es allí donde pudimos acceder y ver cómo se estaba rodando una escena de “Asmodexia”. Poca cosa vimos, apenas una conversa entre actores, y que Marc Carreté explicó posteriormente que se trataba de una escena del final de la película, pero que obviamente no quiso revelar nada de lo que sucedía. Luego hicimos un photocall improvisado, y nos fuimos a esperar en los bonitos jardines del recinto para las entrevistas. Ésto nos dijo Marc Carreté:


Para ver la entrevista clica aquí.


Unas imágenes y el teaser trailer:
















miércoles, 18 de septiembre de 2013

Dead Wendy - Dídac López, 2013 (mediometraje)



DIRECTOR: Dídac López
GUIÓN: Dídac López
DURACIÓN: 41 min.
PAÍS: Catalunya, España
AÑO: 2013
SONIDO: Pau Josa
MONTAJE: Edgar Toldrà, Pau Josa y Dídac López
PÓSTER: Jordi Beltrán
CÁMARA y FX DIGITALES: Edgar Toldrà
REPARTO: Angel Algar, Salvador Català, Henrietta Meyer, Saúl Tortosa, Carles A. Toldrà, Juan Cabrera, Marc Godall, Jaume Albert, Andrea Barrancua, Rober García, Joan Rebollo y Maite Heras.
PRODUCTORA: Gomet Produccions, Un puñado de colegas

NOTA: 8






Érase una vez Peter vivía en el país de Nunca Jamás con los niños perdidos, el hada Campanilla y sus amigos Wendy, John y Michael. Vivieron felices hasta que se hicieron adultos, pero lejos de sufrir el síndrome de Peter Pan empezaron a aprender palabrotas, a zorrear, y a ser los mayores hijos de puta del barrio. Pero un día Wendy murió por culpa de alguien con un garfio en la mano, y Peter, desesperado, buscará venganza contra él y sus despiadados gorilas.

Dead Wendy se titula el presente mediometrage escrito y dirigido por Dídac López, responsable anteriormente de diferentes cortos como el excelente Agorafobia (2009), y que supone el primer proyecto de una nueva productora llamada Gomet Produccions (coproducción junto a Un puñado de colegas), que además de Dead Wendy también han producido el último videoclip de la banda musical catalana Lax'n'busto. Como apuntaba, se trata de un mediometraje de unos 40 minutos de duración, posiblemente el mayor handicap del proyecto en cuanto a la distribución, al ser difícil de incluirlo en festivales dedicados al cortometraje o al largometraje ya que se trata de una duración ambigua y atípica. Y es triste, porqué Dead Wendy es un corto divertidísimo que hace a trozos el cuento de Peter Pan de un modo brillante, como si fuera una especie de secuela en clave violenta y para adultos donde una venganza es el eje principal, algo que en el cine de altos presupuestos ya se puede ver en películas similares como Malice in Wonderland (Simon Fellows, 2009) -aunque ésta es un bodrio-.

Dídac López hace años que demuestra con sus cortometrajes amateurs que posee un talento especial para rodar, siempre con su sello personal a base de guiños a sus referentes cinematográficos que quedan encajados perfectamente a la narrativa, y que demuestra sentirse muy cómodo rodando. También en la escritura de sus guiones, normalmente influenciado por Tarantino, pero que como todo buen director sabe moverse en diferentes terrenos tal como se puede ver en sus diferentes cortometrajes.

Dead Wendy es un mediometraje que toca diferentes géneros, pero lo que predomina en él es sin duda la acción y la comedia. El espectador se encontrará con una venganza llena de guiños cinematográficos que fácilmente reconocerá -otros costarán más-, también violencia constante, gore tanto digital como casero, mucha mala leche, muchos disparos, insultos como idioma de comunicación, chistes malos, personajes pintorescos, y siempre con un tono friki la mar de divertido. Pero a eso hay que añadirle una sorpresa final que no desvelaré pero que puedo asegurar que dejará a cuadros a cualquiera. El resultado es muy presentable para ser una película de bajísimo presupuesto (300 euros) rodada entre amigos y en su población tarraconense de El Vendrell, y no solo eso, he de reconocer que lo he disfrutado como un niño -sobretodo en el segundo visionado-. ¿Por qué en el segundo? Para ver y disfrutar al máximo Dead Wendy recomiendo a todo espectador que tenga más o menos presente el cuento original de James Barrie y que preste una buena atención a los diálogos, ya que a ratos pueden ser algo desconcertantes pero en realidad no tienen desperdicio.

Ay! Si siguiera vivo James Barrie... Ay! Lo que opinarán la gente de la Real Academia Española de la lengua... Ay! Si Dídac López tuviera mayores presupuestos... Eso si, Agorafobia sigue siendo mi corto favorito, básicamente porqué se desmarca de sus influencias tarantinianas y ofrece algo muy diferente a lo habitual, y Dead Wendy sigue ligeramente la linea de las Perfect Day (2008) y secuelas pese a que supone un salto cualitativo a la carrera del director. En todo caso Dead Wendy es un corto muy recomendable que conseguirá sorprender y divertir a cualquiera, donde las limitaciones en cuanto a FX y actuaciones amateurs no importarán gracias a una solvente dirección que sabe tapar las imperfecciones y unas esmeradas actuaciones. Vale la pena de ver, y muchas felicidades a todo el equipo. Mucha suerte de ahora en adelante a la gente de Gomet Produccions!


LO MEJOR: Un guión trabajado con muy buenos diálogos que hace a trozos el cuento de Peter Pan.

LO PEOR: La falta de medios en ocasiones concretas hace relucir unos pobres FX.



TRAILER:


martes, 17 de septiembre de 2013

Espectacular programación de la Sección Oficial del Sitges 2013. Últimas novedades.


Aquí tenéis los títulos que quedaban para completar la sección oficial de la presente edición del Festival de Sitges. Un lujazo!! Necesitaba decirlo.


'The Green Inferno', 'Machete Kills' o 'Insidious : Chapter 2' estarán presentes en una edición que se cerrará con 'The Sacrament', la última película de Ti West.

Una ola de buen cine fantástico salpicado de sobresaltos y, como es imprescindible, una dosis generosa de hemoglobina, sacudirán la programación del Sitges - Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, que se celebra del 11 al 20 de octubre . La Sección Oficial Fantàstic se completa , además de los títulos ya anunciados , con algunas de las producciones más esperadas del año. The Green Inferno, de Eli Roth, rendirá homenaje a los clásicos de terror caníbal, All Cheerleaders Die dará la vuelta a las comedias juveniles con espíritu gore, y Afflicted propone una nueva aproximación al cine de vampiros. La sección oficial no dejará escapar la película con un el reparto más vistoso de Robert Rodríguez, Machete Kills, ni la ciencia ficción de la mano del inagotable Terry Gilliam en The Zero Theorem.

La sección Oficial Fantàstic contará con The Green Inferno, la última película del director Eli Roth , un habitual de Sitges que, después de las emociones fuertes de Hostel, nos traslada, en su nuevo filme en la Amazonia para descubrir una tribu olvidada que practica aterradores rituales caníbales. Un homenaje personal y ultragore del director a películas como Holocausto Caníbal, de Ruggero Deodato, o Caníbal feroz, de Umberto Lenzi, que permanecen en la memoria de los fans más radicales del género. Sin duda, un plato fuerte que ya ha impactado al público del reciente festival de Toronto .

Desde Toronto también llegan dos títulos que harán ruido en la presente edición del Festival, como All Cheerleaders Die, de Lucky McKee y Chris Sivertson, una comedia de horror juvenil llena de gore, eixalabrament e ideas transgresoras dentro del género, basada en un corto previo de la misma pareja de directores. Lucky McKee es un veterano del Festival, donde presentó con éxito sus obras previas May y The Woman. Afflicted también ha tenido una acogida extraordinaria en el festival canadiense, donde incluso algunos espectadores sufrieron convulsiones durante la proyección. La película de Derek Lee y Clif Prowse narra, en clave de diario videográfico, las peripecias de dos amigos de viaje por Europa , hasta que uno de ellos contrae una extraña enfermedad después de pasar la noche con una joven misteriosa. Afflicted es un paso más, inteligente y aterrador, el cine vampírico, con pinceladas de film de superhéroes y con un tono serio y oscuro.


Por otra parte, Sitges presentará también el último trabajo de los creadores de Amer, Bruno Forzani y Hélène Cattet, que lleva por título El étrange couleur des larmes de ton corps y que vuelve a ser un homenaje a la estética y al sonido del giallo italiano, configurando una sinfonía visual que merece la pena disfrutar.


Sitges 2013 también presentará en la sección oficial películas tan esperadas como Machete Kills, la última de Robert Rodríguez con reparto estelar (Danny Trejo, Sofia Vergara, Mel Gibson, Charlie Sheen, Antonio Banderas, Lady Gaga...) , así como el último gran éxito en las pantallas estadounidenses Insidious: Chapter 2, última del nuevo rey del terror James Wan, o la nueva incursión de Terry Gilliam en la ciencia ficción con The Zero Theorem.


También, como regalos especiales para los numerosos fans del cine de animación, más allá de la sección consagrada a este género, Sitges tendrá pases especiales de dos películas tan esperadas como Dragon Ball Z: Battle of the Gods, la nueva versión cinematográfica del mítico universo de Akira Toriyama, o la última de Hayao Miyazaki, The Wind Rises, aclamada en el último Festival de Venecia.

La clausura de Sitges 2013 será la última película de Ti West, The Sacrament, otro de los grandes éxitos de los festivales de Venecia y de Toronto. West, un descubrimiento de Sitges, donde había presentado trabajos anteriores como La casa del diablo o The Innkeepers, se consagra como uno de los grandes directores del género actual con esta historia que gira en torno a la investigación de dos periodistas sobre una siniestra secta mesiánica.


Todos estos filmes se suman a los títulos ya anunciados en los últimos meses en esta nueva edición del Festival, marcada por las nuevas manifestaciones del mal, como es el caso de Only God Forgiven, la nueva película de Nicolas Winding Refn, el último trabajo de Jim Jarmusch, Only Lovers Left Alive, un singular relato de amor eterno entre dos vampiros; comedia surrealista y extraña comedia de Roman Coppola A Glimpse Inside the Mind of Charles Swann III; The Congress, la espectacular adaptación de Stanislaw Lem dirigida por Ari Folman; Real, el retorno del director Kiyoshi Kurosawa en el cine fantástico, o La danza de la realidad, el nuevo trabajo del polifacético Alejandro Jodorowski, entre otras.


domingo, 15 de septiembre de 2013

Red Eye (El tren del Horror) - Kim Dong-bin, 2005

Ferran Ballesta




DIRECTOR: Kim Dong-bin
GUIÓN: Kim Dong-bin
TÍTULO ORIGINAL: Redeu-ai (Red Eye)
AÑO: 2005
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: Corea del Sur
FOTOGRAFÍA: Hee-Seong Byeon
REPARTO: Shin-yeong Jang, Ji-min Kwak, Dong-kyu Lee, Hye-na Kim, Eol Lee, Hyeon-suk Kim,Yeong-suk Jeong, Dae-yeon Lee, Won-sang Park, Il-guk Song
PRODUCTORA: Taechang Productions

NOTA: 4







Un tren nocturno con fantasmas a bordo haciendo la puñeta a los pasajeros y un póster estupendo, fueron los causantes que me hicieran picar la curiosidad de esta película coreana del 2005 que si no recuerdo mal llegó a editarse en DVD en nuestras tierras. Su director es Kim Dong-bin, quizás conocido porqué anteriormente realizó aquel refrito de la saga Ringu llamado The Ring virus (1999), un título personalmente bastante inferior a lo que la saga había ofrecido hasta entonces.

Red Eye es una película que al igual que su predecesora no deja de ser más de lo mismo del kaidan, con niñas melenudas hasta las rodillas que aparecen del lugar menos sospechado y todo su carrusel de tópicos habituales de éstas películas que nacieron tras la excelente Ringu (Hideo Nakata, 1998). Pero a diferencia de otros títulos del estilo, Red Eye posee una narrativa menos convencional al jugar con el espectador a lo que es realidad y lo que no lo es, gracias a un buen tratamiento del color en determinadas escenas que describe acontecimientos y sensaciones, además de cierto uso experimental con diferentes angulares de objetivos. Todo realizado de un modo elegante y con una factura técnica que si bien es de bajo presupuesto la verdad es que resulta solvente, demostrándose que Kim Dong-bin es alguien que sabe lo que hace.

La historia cuenta como varias personas viajan en un tren que resulta ser el último trayecto que realizará, de Seúl a Yesou. Algunos vagones del tren pertenecen al convoy que hace unos años sufrió un terrible accidente sin explicación aparente, en el que murieron cientos de personas. Curiosamente hoy es el aniversario de aquel trágico accidente. Tras una parada de 10 minutos, el tren arranca de nuevo, pero nada volverá a ser como antes: se desarrollan una serie de extraños sucesos...

En ella el espectador vivirá un terror más de la vieja escuela como son las repentinas apariciones/despariciones, luces que parpadean, sonidos espeluznantes y en sí todo ese look del J-Horror habitual, pero uno de los problemas de la película es que Kim Dong-bin usa repetidamente la misma fórmula por culpa de un guión carente de fuerza y que no sabe nunca hacia donde dirigirse, como si improvisara sobre la marcha. ¿Que acaba pasando? La película acaba entrando en una espiral de acontecimientos ininteligibles, abandonando el terror más estricto para potenciar lo que es habitual en muchas otras películas del estilo como es el dramatismo, pero ésta vez realizado de un modo tan gris que no se ve nada claro. Por tanto Red Eye posee un trasfondo dramático muy importante, tan importante que parece ser que asustar no era el principal objetivo, dando como resultado una película que acaba por enredarse de tal manera que acaba siendo incomprensible, y la verdad es que tampoco invita a descifrar sus enigmas.

Por tanto, poco a poco el espectador se irá distanciando de la película a causa de una trama que no avanza, no asusta demasiado, y cuando se decide a contar algo lo hace de un modo tan complicado que no merece la pena ni el esfuerzo. Floja, muy floja, y a ver que tal este año con la nueva película de Kim Dong-bin Two Moons, que se podrá ver en Sitges.


LO MEJOR: Un escenario que acojona como lo es un tren que se mezcla con el kaidan.

LO PEOR: La historia se va complicando de tal manera que al final se vuelve tan confusa que no viene de gusto ni descifrar sus enigmas.



Trailer:

sábado, 14 de septiembre de 2013

Un auténtico ataque zombi se acerca: ZOMBIAVENTURA

Ferran Ballesta


¿Las zombie walks empiezan a ser repetitivas?
¿El cine zombi ya no te ofrece nada nuevo?
¿Necesitas acción y no sabes cómo?
¿Te gustaría sentirte el protagonista de una película de zombis?

La noche del 2 al 3 de noviembre del 2013 los amantes del cine zombi deberían apuntar en sus agendas un evento llamado ZOMBIAVENTURA que se realizará en la localidad catalana de Aitona (a 25 km de Lleida), y que promete emociones fuertes a todo aquel que quiera vivir en en sus propias carnes el auténtico apocalipsis. La gente de Troyaventura han desarrollado un juego de aventuras con pistas intuitivas para 500 participantes, en que todos ellos se dividirán en 3 grupos distintos: supervivientes, zombis y militares. Los supervivientes serán los máximos protagonistas del evento, en que deberán escapar de los muertos vivientes que asolan el pueblo de Aitona y localizar cuales son los puntos de evacuación y a qué hora se llevarán a cabo. Y para que os hagáis la idea que no se trata de un divertimento sencillo y popular, las evacuaciones se realizarán con avionetas, helicóptero, globo aerostático o conboy militar, y de ese modo la gente de Troyaventura pretende conseguir el mayor realismo posible en una improvisada situación de emergencia zombi donde donde todos los participantes serán protagonistas. Por tanto, la localidad leridense de Aitona se transformará en un improvisado apocalipsis con el consentimiento del Ayuntamiento, donde los no muertos dominarán las calles.

Personalmente me parece una propuesta cojonuda y que nunca había visto, así que desde LAZONAMUERTA aplaudo la iniciativa. Aquí dejo el trailer del evento:




¿Te llama la idea? Visita la web clicando aquí.


jueves, 12 de septiembre de 2013

Battle of the Damned - Christopher Hatton, 2013



DIRECTOR: Christopher Hatton
GUIÓN: Christopher Hatton
AÑO: 2013
DURACIÓN: 84 min.
PAÍS: Singapur
MÚSICA: Joe Ng, Ting Si Hao
FOTOGRAFÍA: Roger Chingirian
REPARTO: Dolph Lundgren, Matt Doran, Esteban Cueto, David Field, Lydia Look, Jen Sung,Melanie Zanetti, Jeff Pruitt, Broadus Mattison, Kerry Wong, Oda Maria
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Singapur; Boku Films / Compound B

NOTA: 5







Dolph Lundgren + infectados + robots + cuarentena = Battle of the Damned. "Ohhh" dirán des del sector más friki del público, y “Ohhh” también decía yo antes de verla... Pues quizás yo formo parte de ese público que al saber que se rodaba la primera incursión en el género de terror de uno de los míticos actores del cine de acción las hormonas se me dispararon, y aunque no me saliera acné sí que reconozco que esperaba como un auténtico crío Battle of the Damned. Y ya la he visto, y ahora debo decir “ohh...”, menudo mierdón se ha escrito en el currículum Dolph Lundgren, aunque entre toda la basura que posee cabe decir que al menos ésta ha sido original y ha regalado al sector un título festivalero y sin pretensiones sin ir más allá de ser un dudoso divertimento.

La película, aunque el guión sea prácticamente inexistente, cuenta como en un futuro próximo el sudeste asiático se convierte en el refugio de las empresas de biotecnología que querían evadir las leyes, hasta que un virus se propagó por una zona urbana y la gente empezó a infectarse y a desarrollar una actitud rabiosa y agresiva. Esa zona urbana al ver la situación apocalíptica que se ha creado decide encerrar a toda la ciudad en una cuarentena, dejando encerrados a rabiosos y a los pocos supervivientes sanos que quedan, entre ellos un grupo de militares encabezados por Max Gatling (Lundgren) que tienen una misión concreta.

Dirigida por Christopher Hatton (Robotropolis), la película es una humilde propuesta que llega desde la exótica Singapur y que tal como decía no tiene ningún tipo de proposición más que el divertimento. No tiene más, Battle of the Damned apenas muestra unos cuantos infectados poniendo al límite a Lundgren, y que con una agilidad que ya no es la de Rocky 4 acaba con todos ellos sin despeinarse. Y por si fuera poco, Hatton, que también escribe el guión, decide ponérselo aún más difícil a nuestro héroe con un grupo de robots asesinos que nunca sabremos del todo si son aliados o no. Poco más tiene la película. Pero, necesita más? La respuesta es “no”. Me da igual que la película tenga unos baches argumentales colosales, que Lundgreen sea un actor muy limitado, que no sea novedosa o que no tenga demasiado gore para lo que debería tener. El problema de Battle of the Damned es que está hecha sin gracia, sin las pinceladas de humor negro que tan bien le van a éste tipo de películas para conseguir no tomarnoslas en serio, sin olvidar que se hecha en falta mucho más gamberrismo, y así conseguir deshacer ese tono constante tan serio que tan poco ayuda a digerir mejor una película mala. Podría ser una "buena mala" película, pero se queda en simplemente “mala”.



Lanzada directamente al mercado del DVD, en Battle of the Damned el espectador encontrará un título de serie B curioso -por la mezcla de robots y zombis- pero para nada novedoso. Es una película con sus defectos y sus factibles mejoras, pero al fin y al cabo cumple su principal propósito que es el de entretener con sus clichés, momentos de violencia y sus breves momentos gore, también de acción con puñetazos por aquí y patadas por allá, y siempre con un Lundgren más chulo que un 8 y que acapara el 90% de los planos. Pero al finalizar los créditos el espectador rápidamente se olvidará de la película para siempre. Cortita, directa al grano, entretenida, con buenos FX, y aunque se deje ver sin duda es una tremenda decepción.


LO MEJOR:  Dolph Lundgren sabe aportar carisma a la película y en sí dar motivos a los espectadores para verla. También merece ser rescatada la escena en que, esposado en una farola, Dolph combate a los infectados solo con sus patadas, algo que resulta épico.

LO PEOR: La historia no vale ni para limpiarse después de ir al baño, o sencillamente es que ni tan solo existe.