sábado, 26 de octubre de 2013

Love Eternal - Brendan Muldowney, 2013



DIRECTOR: Brendan Muldowney
GUIÓN: Brendan Muldowney (Novela: Kei Oishi)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Irlanda
FOTOGRAFÍA: Tom Comerford
REPARTO: Robert de Hoog, Pollyanna McIntosh, Amanda Ryan
PRODUCTORA: Conor Barry

NOTA: 9














Tenemos que morir? Tenemos que vivir? Qué nos empuja a una cosa u otra? Cual es la razón por la que somos un ser vivo con la capacidad de raciocinio? Todo esto se pregunta Ian Harding solo iniciarse la película, una persona que siente que su existencia ha sido un error, que vive sin la capacidad de ser feliz, vacío, sin contacto con el mundo exterior más allá de su universo cybernético donde dice tener amistades que le contestan. Es alguien que se ha pasado los últimos 10 años prácticamente encerrado en su habitación, sin mirar la televisión ni leer periódicos, solamente se ha dedicado a estudiar los dibujos que él mismo dibujaba en la pared de su habitación, además de observar las estrellas con su telescopio y “coleccionar” amigos a través de las redes sociales. Una vida marcada por la muerte de su padre cuándo Ian tenía tan solo 6 años, que le llevaría a una crisis existencial y posteriormente al aislamiento social. Solamente su madre era el único contacto real con la humanidad, hasta que murió, y eso le comportó la soledad total. Ahora piensa en suicidarse, pero no, justo antes de hacerlo descubre un motivo para vivir: el amor a la muerte.

Basada en la novela Love with the dead del escritor japonés Kei Oishi, Love Eternal es un drama psicológico adaptado cinematográficamente por Brendan Muldowney, un viejo conocido de Sitges, ya que en 2004 ganó un premio en el Festival con un cortometraje llamado The Teen Steps. En el reparto podemos encontrar principalmente al nuevo icono femenino del género de terror Pollyanna McIntosh, la chica irlandesa que sorprendió a todo el mundo con su magnífica interpretación en The Woman (Lucky McKee, 2011), interpretando esta vez a Naomi, una chica que pierde a su marido e hijo en un accidente de coche. El papel de Ian lo interpreta un brillante Robert de Hoog, alguien a quien le recae todo el peso de la película apañándoselas de maravilla, y debo reconocer que me ha conmovido con su personaje deshumanizado.

La película es un clamo a la esperanza donde de bien seguro muchos de los espectadores que hayan sufrido alguna experiencia traumática, triste, y que les haya hecho incluso plantearse su motivo existencial, se sentirán identificados. Y eso no lo digo yo -por suerte-, lo han dicho y remarcado diferentes personas del público que se han animado a entablar unas preguntas con el equipo de la película en el coloquio que se ha realizado en la sala después de la proyección. Love Eternal es una película donde la muerte es lo que hace sentir vivo a Ian, cuando más cerca está de su fin más vivo se siente. De todos modos la historia pese a aparentar un planteamiento siniestro y pesimista, lo cierto es que la dirección de Brendan Muldowney consigue hacer elegante lo grotesco, es decir, de hacer bonito lo que en Nekromantik (Jörg Buttgereitt, 1990) nos hacía vomitar, ayudado por unas pinceladas de humor sutiles que tan y tan bien le van a Love Eternal. Pero lejos de tener una tono de comedia -incluso- romántica, el aire siniestro se respira constantemente al hablar la película de temas incómodos como la necrofilia y el suicido, pero la película coge un cambio radical cuando aparece Naomi, alguien que también desea quitarse la vida, pero que antes es capaz de demostrarle a Ian que pese al vacío existencial que tienen ambos para poder llorar primero hay que vivir, sentirse que aun pertenecen a este mundo. De ese modo la película hace un cambio de tono alejándose de lo siniestro hacia lo romántico, pero siempre planteando cuestiones existenciales.


Ian es alguien complejísimo, un poema. Se le podría considerar un serial-killer que no mata nunca, sino que ayuda a morir a aquellas personas que lo desean, y de ese modo es cuando él es capaz de sentirse bien, de sentirse “vivo”. Y es que la película trata sobre la soledad a la que nos lleva el mundo virtual en el que vivimos, y eso está muy bien representado por Brendan Muldowney con un sutil, negro e inteligente chiste al inicio de la película, cuando Ian aparece encerrado en su habitación y pasa de tener 3 amigos en Facebook a 5.000 en poco tiempo, aunque sigue sintiéndose la persona más sola del mundo y solo piensa en suicidarse. También hay que subrayar la música, un elemento fundamental en Love Eternal, la muleta que utiliza el director para transmitir las diferentes transiciones por las que pasan los diferentes personajes del reparto.

Love Eternal aprueba con nota. Una película sencilla pero redonda, donde quien más y quien menos se sentirá identificado con su idea sobre la vida y la muerte, que conseguirá conmover, hacer sentir cómodo al espectador, entretenerle, también divertir, y que muy muy lejos de ser un pastelón dramático a lo Isabel Coixet, Muldowney presenta una película independiente, reflexiva, cómoda de ver y emotiva, con uno de los serial killers más curiosos que se han visto en el cine pese a acercarse a la figura de Ed Gein. Que no os engañe el título.


LO MEJOR: La sutileza del director para tratar temas tan delicados como el suicidio, la soledad y la necrofilia. Pero en sí se trata de un conjunto de todo, como una buena escritura de guión, una simple y elegante dirección, y un humor negro que funciona de maravilla. Es sin duda una de las mejores del Sitges 2013.


LO PEOR: Que no se engañe nadie, no es una película de terror, ni posee momentos violentos o gore, nada de nada. Es un título reflexivo.

Trailer:


Foto de un servidor junto a Pollyanna McIntosh :P


miércoles, 23 de octubre de 2013

"Buenas", "Malas" y "Pasables": Ranking personal del Sitges 2013



Sitges 2013 nos ha dejado, pero nos ha dejado con una enorme cantidad de películas a reflexionar, y otras por descubrir. Pese a ello, de momento he visto 33 películas del certamen, y quizás puede ser interesante hacer un ranking de mejor a peor, cuanto más superior se encuentre un título de mayor calidad será, y cuanto más inferior pues peor. Obviamente es una opinión orientativa y sobretodo bajo mis gustos cinematográficos, algo que es por tanto muy personal y puede chocar con otras opiniones. En todo caso puede ser útil a todo curioso que no haya podido asistir al festival para así hacerse una idea general de mi opinión sobre las películas. También debo aclarar algo que pienso que es también obvio, no lo he visto todo, y por tanto si alguna película no sale a la lista es simplemente porqué no la he visto. Aquí el listado:








Buenas

-Coherence (James Ward Byrkit)
-Love Eternal (Brendan Muldowny)
-A Field in England (Ben Wheatley)
-Only God Forgives (Nicolas Winding Refn)
-Lesson of the Evil (Takashi Miike)
-Space Pirate: Captain Harlock (Shinji Aramaki)
-Upstream Color (Shane Carruth)
-The Call (Brad Anderson)
-The Sacrament (Ti West)



Pasables

-Grand Piano (Eugenio Mira)
-Afflicted (Cliff Prowse, Derek Lee)
-The World's End (Edgar Wright)
-Machete Kills (Robert Rodríguez)
-Mindscape (Jorge Dorado)
-Rigor Mortis (Juno Mak)
-Antisocial (Cody Calahan)
-All Cheerleaders Die (Lucky McKee, Chris Sivertson)
-Magic, Magic (Sebastián Silva)
-Wrong Cops (Quentin Dupieux)
-Kiss of the Damned (Xan Cassavetes)
-Haunter (Vincenzo Natali)
-Blind Detective (Johnnie To)
-Europa Report (Sebastian Cordero)
-Real (Kiyoshi Kurosawa)
-Hatchet 3 (BJ McDonnell)



Malas

-The Green Inferno (Eli Roth)
-Retornados (Manuel Carballo)
-Insidious: Chapter 2 (James Wan)
-Battle of the Damned (Christopher Hatton)
-Dragon Ball Z: Battle of Gods (Masahiro Hosoda)
-Possession (Brillante Mendoza)
-The Jungle (Anndrew Traucki)
-Mala (Israel Adrián Caetano)



martes, 22 de octubre de 2013

The Green Inferno - Eli Roth, 2013


DIRECTOR: Eli Roth
GUIÓN: Guillermo Amoedo, Eli Roth
AÑO: 2013
DURACIÓN: 103 min.
PAÍS: Estados Unidos, Perú
FOTOGRAFÍA: Antonio Quercia
REPARTO: Lorenza Izzo, Ariel Levy, Sky Ferreira, Nicolás Martínez, Kirby Bliss Blanton, Aaron Burns
PRODUCTORA: Worldview Entertainment / Dragonfly Entertainment / Sobras.com Producciones

NOTA: 4










Quien más y quien menos, si es aficionada al género de terror, se habrá dado cuenta que los tiempos que vivimos hoy en día a causa de múltiples factores como la crisis, falta de ideas y también de riesgo por parte de productoras, han sido condicionantes para que el cine de terror viva actualmente en una situación de revivals en forma de reciclaje (o de “actualización” si se prefiere). Diferentes películas de todas las épocas han sido recuperadas y revisadas, pero hay un género maldito dentro del cine de terror: el mondo. El mondo es un género que se potenció en Italia y que tiene como título referente el clásico de Ruggero Deodato Holocausto Caníbal, un título lleno de polémica al hacer creer a los espectadores de aquel tiempo pretérito que lo que se veía en la película era real. Eran películas de tipo documental, donde tribus amazónicas atacaban exploradores y practicaban con ellos el canibalismo, además de poderse ver escenas de alta crueldad como matanzas reales de animales. El mondo desapareció a finales de los años 80, y hoy, el dudoso Eli Roth, lo ha querido recuperar de una puñetera vez con The Green Inferno.

Pero Eli Roth... menudo bluff se ha montado Sitges con The Green Inferno. Que si era la película más salvaje de los últimos años, que si la mejor del director,... bah, están tan manipuladas al opiniones y críticas de los periódicos, webs y blogs dedicados al cine que ya va siendo hora que se digan las cosas claramente: The Green Inferno es un bodrio, donde Eli Roth demuestra que no aprende la lección y sigue anclado en su canon de gore a doquier, carencia de historias sólidas, miles de incoherencias, personajes que son puros tópicos, excesos gratuitos, y en si es un tipo de cine donde hay una especial fijación por la forma todo olvidando el fondo.

La película nos cuenta como Justine (Lorenza Izzo, novia de Eli Roth) y sus compañeros de ONG llegan al Perú para intentar evitar la destrucción de una parte de la jungla. Hasta aquí son todo buenas intenciones, que acabarán cuando la tribu que se disponen a proteger decida que ellos serán su comida.

La película es una crítica al activismo político acomodado, que se limita a compartir informaciones o fotografías vía redes sociales sin tener una actividad física real. También hay tiempo para criticar a las ONGs, políticos, el capitalismo salvaje e incluso la ONU, que viven todos conjuntamente compartiendo intereses mutuos. Más allá de este trasfondo que ofrece The Green Inferno, que no está demasiado bien explicado y ofrece un tono ambiguo en este aspecto, tampoco acaba siendo creíble cuando el mismo equipo de la película liderado por Nicolás López (Productor) y Eli Roth (Director), dice entre sonrisas y medio enfarlopados que fueron a una comunidad indígena del Perú, y a cambio de construirles 4 casas ya les dejaron rodar la película todo aprovechándose de la buena fe inocente de los indígenas, incluso revelaron que el equipo técnico se follaba a las nativas. Bien, tampoco quiero alterarme por esa pandilla de energúmenos discotequeros, en todo caso el trasfondo de la película no es más que pura fachada.

Lo que diferencia The Green Inferno de todas aquellas -en gran medida- italianadas, es que la película de Eli Roth está planteada como producto mainstream, como película comercial y masiva. Por tanto, el nivel de violencia y sobretodo de gore es limitado, además que la película posee un tono mayoritariamente gamberro, suavizado por la comedia, y eso aún la convierte en mucho más light de lo que ya es en sí. Escenas como la de la masturbación, o la mariguana, demuestran que Eli Roth y compañía no han pretendido incomodar y sí divertir. ¿Divierte? Eso ya cada uno con su estilo de humor, pero al menos yo no es lo que busco en un mondo. Tampoco es que busque guiones sólidos en este tipo de cine, pero a veces la película roza lo absurdo, y aún más a medida que llegamos hacia el final con algunos diálogos de miedo que dan vergüenza ajena. Es que joder, si Eli Roth quiere revivir el mondo lo que debería haber hecho sería crear polémica, meterle cojones y matar animales -no hace falta que sea real-, que se amputen penes con machetes, que si hablan de la ablación de clítoris al principio de la película realmente veamos una ablación de clítoris a lo Anticristo de Lars Von Trier, y así un largo etc. que los más fanáticos del mondo podrán añadir.

No me ha gustado, no es lo que buscaba en The Green Inferno, pero es que tampoco me ha sorprendido viniendo de los creadores de la lamentable Aftershock (Nicolás López, 2012). Se trata de una película 100% Eli Roth, con sus excesos -menos de lo que nos han hecho creer-, tonterías de adolescentes iniciales, una idea de fondo muy mal representada, y una historia que no sabe avanzar más allá de repetir situaciones -el grupo de jóvenes está encerrado en una jaula y se los van comiendo uno a uno-. Una película donde todo es gratis, quizás entretenida para según quién, pero en todo caso que la gente se prepare porqué The Green Inferno iniciará una saga de películas, según reveló en Sitges Nicolás López.



LO MEJOR: La brutal muerte de Aaron Burns, sin duda lo más excesivo de la película y que a más de uno le hará tapar los ojos.


LO PEOR: El tono humorístico acaba dotando la película de un estilo gamberro que a según quién le podrá gustar, pero para aquellos que busquen violencia desmesurada lo que se van a encontrar es con una película bastante más suave de lo que creen. Este es el resultado de haberse planteado la película como producto mainstream en vez de hacerlo hacia aquel fan minoritario del género mondo.


domingo, 20 de octubre de 2013

Rigor Mortis (Geung Si) - Juno Mak, 2013



DIRECTOR: Juno Mak
GUIÓN: Jill Leung, Philip Yung
TÍTULO ORIGINAL: Geung Si (Rigor Mortis)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 101 min.
PAÍS: China
MÚSICA: Nate Connelly
FOTOGRAFÍA: Kai Ming Ng
REPARTO: Chin Siu-ho, Kara Hui, Richard Ng
PRODUCTORA: Kudos Films

NOTA: 6










Antes de que iniciara Rigor Mortis comentaba con un amigo las virtudes del cortometraje de Andy Muschietti Mamá (2008), y los defectos en su adaptación al largometraje. Las virtudes del primero residen en la falta información, del terror en estado puro, de la sensación de falta de control -y por tanto de comprensión- que mantiene el espectador alerta durante apenas 2 minutos, que es lo que dura. Ciertamente consiguió acojonar aquel dichoso corto, cosa que su adaptación al largo no lo hizo simplemente por tirar por la borda esas virtudes, justificándolo todo e incluso metiendo ese sello Guillermo del Toro que tan poco pegaba. Rigor Mortis es una película que va en la linea del corto de Muschietti, aunque por desgracia por culpa de lo incomprensible que resulta la película. Entre abucheos, insultos y silbidos ha acabado la proyección en el Auditori, parece ser que no ha gustado demasiado, pero tampoco está tan mal, vayamos por partes.

Como comentaba hace en algunas entradas, Rigor Mortis supone el debut en la dirección de Juno Mak en una película, aunque anteriormente ya trabajó como guionista y actor en diferentes películas, entre ellas la que de bien seguro recordará el aficionado habitual de Sitges Revenge: A Love Story (Wong Ching-po, 2010). Rigor Mortis, apadrinada en la producción por uno de los pesos pesados del género de terror en Japón como es Takashi Shimizu (La Maldición (2002), Marebito (2004)), supone el regreso a la cinematografía china de vampiros que se realizó en los años ochenta tras Mr. Vampire de Ricky Lau, una película que crearía escuela. Cabe decir que estos vampiros orientales no tienen nada que ver con los que conocemos en occidente, sino que se desplazan haciendo saltos y con los brazos hacia delante, además de tener una estética muy distinta, más fantasmal.

Juno Mak consigue con Rigor Mortis una película estéticamente angustiosa y oscura, también con un tono serio, creadora de una sensación pesadillezca magnífica cargada de momentos difícilmente comprensibles pero rodados con estilo y nervio. Acojona? No, no lo pretende Juno Mak a pesar de tener unos fantasmas “made in Kaidan” estéticamente muy muy siniestros, un malo malísimo igual o peor, y un escenario perfecto para asustar. Quizás el mayor error de Juno Mak es enfocar la película hacia la acción y la fantasía, con peleas que parecen haber sido extraídas de Matrix en vez de aprovechar bien todo ese arsenal pesadillezco que el director tiene entre las manos y hacer una película de terror de verdad. Y como comentaba, son escenas prácticamente incomprensibles para el espectador -a ver, si, Rigor Mortis cuenta los delirios pesadillezcos de alguien que está viviendo ese estado físico-, pero me da igual el argumento ya que visualmente Rigor Mortis es una pasada y la justificación, al igual que le pasa a Mamá (cortometraje), no le ayudaría en nada. Lo que si puedo avisar es que pese a las influencias del género kaidan, ésta vez el dramatismo transversal es prácticamente nulo.



No está tan mal Rigor Mortis. Aún recuerdo lo que me dijo una vez una profesora que tuve: “El cine no hay que valorarlo en si es una buena película o no, eso no es importante, lo que es importante de verdad es lo que te transmite, lo que sientes al verla”. Tenía toda la razón, Rigor Mortis es un espectáculo visual totalmente disfrutable, aunque es una pena no haber sido enfocada hacia el género de terror, podría haber sido épico.




LO MEJOR: La estética. Un diseño de producción que pese a inundar los escenarios de FX digitales la verdad es que resultan muy convincentes, y es que visualmente Rigor Mortis es una pasada!


LO PEOR: No haber sido enfocada al género de terror. También quiero remarcar que es una película “muy china”, y ciertos elementos del folklore chino el espectador oriental no entenderá.

Trailer:

jueves, 17 de octubre de 2013

Space Pirate: Captain Harlock - Shinji Aramaki, 2013



DIRECTOR: Shinji Aramaki
GUIÓN: Harutoshi Fukui, Kiyoto Takeuchi (Cómic: Leiji Matsumoto)
TÍTULO ORIGINAL: lUchû Kaizoku Kyaputen Hârokku (Space Pirate Captain Harlock)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: Japón
MÚSICA: Tetsuya Takahashi
FOTOGRAFÍA: Kengo Takeuchi
REPARTO: Animation
PRODUCTORA: Toei Animation / Toei Video Co., Ltd

NOTA: 8








Los aficionados al Capitán Harlock están de suerte: Toei Animation no solo ha revivido al Capitán pirata de la mítica nave Arcadia, sino que ha logrado lo que es más difícil: no decepcionar al fan. Si, amigo y amiga que creciste viendo las aventuras espaciales creadas por Leiji Matsumoto en 1977, porqué estás de suerte con este reboot llamado Space Pirate: Captain Harlock. Hasta 33 años han pasado ya desde que la mítica nave Arcadia dejó de surcar el espacio con su bandera pirata, y ahora los buenos de Toei Animation han lanzado la casa por la ventana con un proyecto de 30 millones de dólares de presupuesto -la más grande inversión del estudio- para revivir a Harlock y compañía utilizando las más avanzadas técnicas de animación basadas en la captura de movimiento humano, y con el 3D, para así acentuar aun más un título que incluso no ha dejado indiferente a Jame Cameron.

Y 5 años de producción ha costado realizar Space Pirate: Captain Harlock, poca broma. Un proyecto dirigido al fan, a todo aquel que se hizo adulto viendo las aventuras de Harlock, Tadasi, Miime, Yattaran y Kei lanzándose a la aventura de salvar la Tierra de la invasión de las Amazonas. El responsable de la película es Shinji Aramaki, muy conocido en su país por haber realizado anteriormente películas de animación de gran éxito como en su día lo fueron Appleseed: The Begginning, por ejemplo. Y Aramaki no es tonto, ya que sabe perfectamente que el nostálgico seguidor de Harlock se ha hecho mayor, y por eso mismo ha planteado una película que sirve como homenaje para recordar viejas proezas de la serie televisiva pero con un tono más adulto y oscuro del que se puede ver en la serie de animación, mucho más apropiado hoy en día para todo aquel fan. Y esto, lejos de quedar -podríamos decir- “raro”, teniendo en cuenta que crecimos con una serie destinada a un target más juvenil, la verdad es que Space Pirate: Captain Harlock destella nostalgia y emoción, dos sentimientos que no son más que el resultado del buen hacer de Aramaki. Eso si, la historia, pese a no dejar de ser un reboot, no resultará nada fácil de seguir a los iniciados con las aventuras de Harlock y compañía, ya que el guión escrito por Harutoshi Fukui (novela Gundam Unicorn), no pierde el tiempo en explicar ciertas cosas o a presentar personajes, ya que da por hecho que el espectador es consciente de esa “información base”.

En cuanto a lo visual sobran palabras, es mejor ver. Como comentaba, en la película prima el espectáculo, utilizando las más avanzadas técnicas de animación CG, y esto, más allá del uso del 3D para potenciar la profundidad del espacio y así ganar en espectáculo, serían las principales novedades respeto a la animación tradicional japonesa de la época. Eso si, quizás es posible que a algunas personas les sorprenda en negativo, pero lo cierto es que el diseño de los personajes, nave, etc. resulta muy muy fiel al original, manteniéndose aquellos cuerpecillos largos y delgados, además de dar la oportunidad de dotar la película de esa fotografía oscura, fría y realista, además que el uso del CG permite el desarrollo de espectaculares escenas de acción que con la animación tradicional no se podría. Todo esto a cargo de otro de los pesos pesados de la industria de animación japonesa como es Yutaka Minowa (Ninja Scroll), diseñador de Madhouse. No estamos ante otra Final Fantasy, Space Pirate: Captain Harlock pese a tratarse de un blockbuster el tiempo la convertirá en un título que no desaparecerá, y eso es algo que James Cameron ya ha empezado a insinuar tal como comentaba.


Es decir, una película que se ha preocupado de que ningún fan quede decepcionado, manteniendo la esencia de las aventuras de este pirata del espacio en un tono más adulto y oscuro donde prima el espectáculo. Me atrevería a decir que es incluso una de las películas del año.




LO MEJOR: Que se trate de una película dirigida a todo aquel que creció con Harlock y compañía, con respeto, y con un trabajo de animación E-P-E-C-T-A-C-U-L-A-R.


LO PEOR: No todo el mundo será capaz de seguir ciertas informaciones de la película, ya que no se trata de una película para “iniciados”.

Trailer:

miércoles, 16 de octubre de 2013

Coherence - James Ward Byrkit, 2013



DIRECTOR: James Ward Byrkit
GUIÓN: James Ward Byrkit, Alex Manugian
AÑO: 2013 
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Estados Unidos
MÚSICA: Kristin Øhrn Dyrud
FOTOGRAFÍA: Nic Sadler, Arlene Muller
REPARTO: Nicholas Brendon, Maury Sterling, Emily Baldoni, Lorene Scafaria, Hugo Armstrong,Lauren Maher, Elizabeth Gracen
PRODUCTORA: Bellanova Films / Ugly Duckling Films

NOTA: 10









Es posible que los cometas puedan alterar nuestra percepción de la realidad? La coherencia de las cosas? Es curioso pero el mundo del tarot y la astrología siempre ha defendido la posibilidad que todos estos asteroides y estrellas que inundan el espacio exterior tengan una influencia en nosotros, que afecten al carácter, humor, o incluso las fecundaciones de las personas. La verdad es que siempre me ha parecido un poco engañabobos todo esto, pero quien sabe, la coherencia del las cosas no deja de ser física, y al igual que hay coherencia también puede haber decoherencia... Y eso que carajo es? Pues Coherence es una película que va de “decoherencia cuántica”, según dice su director James Ward Byrkit. Pero quien va a saber que es eso? De hecho es algo irrelevante para entender la película, pero para los estudiantes de física, Coherence nace tras un estudio al trabajo de Stephen Hawkins y su gato de Schrödinger. Para el resto, da igual, Coherence es un inteligentísimo puzzle donde nada parece lo que es.

Todo empieza durante una cena, donde un grupo de 8 personas (4 parejas) se encuentran en la mesa charlando y comentando el hecho que en esa misma noche está pasando muy cerca de la Tierra un famoso cometa. Una de las chicas comenta que, en 1923, ese mismo cometa pasó por la Tierra originando un curioso suceso en Finlandia, donde los habitantes de un pueblo quedaron completamente desorientados, hasta el punto que una mujer llamó a la policía alertando de que el hombre que estaba en su casa no era su marido, ya que esa misma noche “le había matado”. No era posible, pero ella insistió a la policía. Hoy, este grupo de jóvenes verán como su tranquila y agradable cena se complicará con distintos sucesos extraños.

Coherence es el debut en la dirección de James Ward Byrkit, una película a caballo entre la ciencia-ficción y el terror donde se demuestra como una buena idea puede llegar a ser más emocionante que los efectos especiales. Así de simple, Coherence puede presumir de 2 cosas: 1) de ser la película más humilde de la presente edición del Festival de Sitges, y 2) de ser el claro ejemplo de que lo más importante en una película es tener una historia bien escrita y con fuerza. Por tanto, que nadie se espere con Coherence una película con efectos especiales, ruidos del otro mundo, ultracuerpos y demás elementos del universo syfy, pero si un puzzle a base de diálogos en que desde el minuto uno el espectador deberá concentrarse para así ir poco a poco enganchando sus piezas. De ese modo se irán revelando detalles que al unirlos al final de la película el espectador descubrirá un final sorpresa muy bien resuelto .


Byrkit ha dirigido, y escrito junto a Alex Manugian, una película donde predomina la improvisación en los diálogos tal como han comentado en distintas ocasiones, además los actores actuaban a ciegas sin saber exactamente que ocurriría. Esto ha hecho que los impulsos naturales de los actores en determinadas escenas de sustos, momentos de ira, tensión, etc, fueran impulsos naturales, y eso al mismo tiempo ha conducido la película hacia una estética naturalista. Dicho de otro modo, la espontaneidad ha conseguido la frescura suficiente para que el espectador se sienta cómodo viendo Coherence, y de ese modo ayudarlo a engancharse a una historia compleja pero que atrapa, y de que manera! Quien entre en la película no conseguirá escapar hasta que acabe, lo aseguro.

Coherence es hasta ahora “la película” del festival, así de claro, que el público ha acogido perfectamente y la crítica comparte opiniones muy positivas. Y realmente Coherence es una historia con mucha fuerza, inteligente, coherente, que consigue atrapar y entretener, pero también inquietar, y en sí se trata de la prueba más evidente que una buena historia es lo más importante en una película. Y todo nació tras un experimento cinematográfico entre amigos donde se quería explicar la débil linea que separa la coherencia de la incoherencia, y que acabó siendo un rodaje cinematográfico durante unas escasas 5 noches en la casa del mismo director. 5 noches solo...



LO MEJOR: El guión atrapa de tal manera que el espectador no se desenganchará hasta el desenlace. Coherence es la prueba más evidente de que una buena historia engancha más que cualquier espectáculo visual.


LO PEOR: Nada.

Trailer:

martes, 15 de octubre de 2013

Antisocial - Cody Calahan, 2013



DIRECTOR: Cody Calahan
GUIÓN: Chad Archibald, Cody Calahan
AÑO: 2013
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Canadá
FOTOGRAFÍA: Jeff Maher
REPARTO: Michelle Mylett, Cody Thompson, Adam Christie
PRODUCTORA: Breakthrough Entertainment

NOTA: 6











Recientemente pude leer una entrevista que le hizo el periódico del Festival a Eugenio mira (Grand Piano), y éste comentaba que bajo su punto de vista nadie ha hecho todavía una gran película donde se aproveche al máximo las posibilidades cinematográficas de los aparatos de nuevas tecnologías. Pues bien, sí que es cierto que en Grand Piano Eugenio Mira ha conseguido utilizar estos elementos y ofrecer un dinamismo narrativo novedoso para el desarrollo de la película. Pero ojo, que no se meta ninguna medalla aún, porqué no solo su película lo hace, otras como Love Eternal y sobretodo la presente Antisocial también lo hacen, aunque a ser sinceros Pinhead ya se animó a utilizar los ordenadores e Internet para desplazarse hace años con su nefasta Hellraiser 8: Hellworld (2005) -una curiosidad para el sector más friki-.

Dirigida por el debutante Cody Calahan, el director canadiense presenta una película crítica sobre las redes sociales aprovechando una improvisada situación de emergencia apocalíptica. Todo empieza en una fiesta privada de fin de año cargada de alcohol y sexo, hasta que un individuo se cuela en la casa y ataca a uno de ellos. Esa persona muestra signos de incapacidad de raciocinio, nerviosismo y agresividad, algo que el grupo de jóvenes no acaba de entender, pero lo que no saben es que ese ataque será el inicio de lo que pasará a ser una lucha por la supervivencia. El motivo es un virus de rapidísima propagación que se está esparciendo por todo el planeta, y que convierte a las personas en seres agresivos y sin razón. Los cinco amigos deciden plantar cara a la situación y lucharán por sobrevivir encerrándose en la casa y no dejando entrar a nadie, ya que la calle está llena de infectados sedientos de carne humana. Su única esperanza son sus smatphones y ordenadores portátiles, que les sirven -gracias a Internet- para estar informados de lo que está pasando, y además poder comunicarse con sus amigos gracias a una famosa red social llamada Redroom -una especie de facebook-, donde las amistades pueden depositar noticias y seguir al instante las actualizaciones de los demás. Eso les hace mantener la esperanza para así quizás encontrar una solución al problema, pero, y si ese fuera el problema precisamente?

¿Y si un virus se transmitiera por las redes sociales? Eso es lo que ocurre en Antisocial, donde infectarse es cosa de un clic o de responder a una llamada anónima. Y es que Calahan es consciente que las redes sociales nos han cambiado notablemente, igual que lo supo George Romero con el capitalismo y concretamente el consumismo de la sociedad media en su Zombi (1978). Antisocial plantea una película de terror metafórica donde se retrata como el uso de redes sociales se ha convertido en un substitutivo, en muchos casos, de las relaciones interpersonales.


Todo esto, dirigido de un modo convencional y plano, el debut de Cody Calahan queda aprobado al haber dibujado una película correcta pero no brillante, donde el mensaje quizás reluce demasiado y el refrito de tópicos es constante. Tampoco acaba de cuajar la falta de recursos del director, que más allá de haber planteado una película 1.000 veces vista a base de cocinar “viejas emociones” del género, en algunos momentos quizás abusa demasiado de la misma fórmula, concretamente en los momentos pesadillezcos, que deberían ser los más terroríficos del filme y acaban siendo redundantes y sin interés.

Antisocial es una película que no pretende inventar nada, tampoco sorprender, solamente quiere divertir al espectador con una película de terror con un mensaje adaptado a los tiempos de hoy, y que pese a tratarse de un refrito la verdad es que Antisocial es una película bien resuelta, con una calidad técnica que sobresale de la media, además de tener una ejecución y ritmo vertiginoso. En todo caso, los amantes del gore y la violencia estarán de suerte, y en parte gracias a una actriz también debutante llamada Michelle Mylett, que sin duda coge el relevo en cuanto a espíritu de supervivencia a Erin (Sharni Vinson), la chica que tanto entusiasmó al público y crítica con la divertidísima You're Next.



LO MEJOR: Su entretenimiento, ya que esos tópicos reutilizados, al fin y al cabo, son los que tan buenos momentos nos ha hecho pasar, y es por eso que Antisocial de bien seguro convencerá al aficionado al género

LO PEOR: Ya la hemos visto, y quizás necesitaría algo más de mala leche.


Trailer:

domingo, 13 de octubre de 2013

La jungla (The jungle) - Andrew Traucki, 2013



DIRECTOR: Andrew Traucki
GUIÓN: Andrew Traucki
TÍTULO ORIGINAL: The Jungle
AÑO:2013
DURACIÓN: 84 min.
PAÍS: Australia
REPARTO: Rupert Reid, Agoes Widjaya Soedjarwo, Michelle Santos, Igusti Budianthika
PRODUCTORA: Mysterious Light

NOTA: 2











En una lejana y espesa jungla de Indonesia, hay una leyenda que dice que habita en ella un demonio que mata a las personas para luego comérselas. Pero Larry y su hermano Ben son un par de biólogos curiosos que deciden aventurarse a aquella jungla para descubrir la verdad, a hacer lo imposible para descifrar la lógica de esa superstición arcaica. Y así, se dirigen a la dichosa jungla acompañados por un par de nativos conocedores de la zona, en busca del leopardo de Java, una especie muy difícil de encontrar. Para ello van equipados con cámaras con visión nocturna, prismáticos, armas somníferas, tienda de campaña y mucha ilusión, pero lo que no saben es que se aburrirían muuucho mucho mucho....

“Truñacooooooo!!!” Este fue el grito de un espectador tras finalizar The Jungle, y que dio paso a una larga y sórdida silbada abucheando semejante bodrio australiano. Como indico, desde Australia llega The Jungle, una monster movie sin monstruo, donde el terror se transmite con alguna rama que se agita, la descubierta de un excremento de dimensiones desproporcionadas, algún animal muerto, y de vez en cuando ruidos que lejos de inquietar acaban por dejar sordo al espectador. Y si todo esto lo pasamos por el filtro rancio del found footage es que estamos delante de uno de los títulos más tacaños, repetitivos y aburridos que he visto jamás en Sitges.

Eso si, personalmente sabía donde me metía. Os suena el australiano Andrew Traucki? No? Y si os pregunto por Black Water (2007) y The Reef? Aahhh... ya vais ligando cabos verdad? En caso contrario para los más despistados, esas películas de terror australiano se pasaron por Sitges hace unos años consiguiendo dejar su huella entre los espectadores por los ejercicios de tacañería que supusieron ambas. Nunca olvidaré aquellos gritos en la sala de “que los maten ya!!”, que a la vez ayudaban a hacer divertida la película por todos los comentarios en voz alta donde “todo valía”, con tal de abuchearla. Eso si, curiosamente ambas llegaron a España tanto en DVD como en televisión, concretamente Black Water, que se ha emitido en La Sexta 3 en horario de tarde.

En cuanto a la película no vale la pena alargarse demasiado. Solo decir que Traucki sigue la linea de sus anteriores trabajos pero con la novedad del found footage, y que pese a tratarse de una monster movie el monstruo solo podrá ser visto en los últimos 20 segundos de película (sic). Así que, espectador o espectadora, si la película dura 84 minutos pues ya sabes la paciencia que debes tener. Eso si, la aparición me ha acojonado, lo confieso.



LO MEJOR: Indudablemente la aparición del monstruo.


LO PEOR: Todo lo demás. Que Traucki haya hecho un notable retroceso en su corta carrera con una película donde no ocurre prácticamente nada, totalmente soporífera, y en sí uno de los ejercicios cinematográficos más sosos que se habrán visto jamás en Sitges. “Que lo maten ya joder!!”.

Trailer:


jueves, 10 de octubre de 2013

Daisuke Nishio visitará el XIX Salón del Manga



Posteriormente a la clausura del Festival de Sitges ya iré repasando todo el programa de la presente edición del Salón del Manga, pero en todo caso quiero informar que este año también podremos disfrutar de un programa cargado de actividades relacionadas con Dragon Ball. Vayamos por partes.

Por un lado debo advertir que el programa a medida que se acerca la fecha de inicio del Salón se va ampliando, y por tanto es posible que en los próximos días pueda surgir alguna novedad al respeto. Posiblemente vaya ligado con Marc Zanni y Joan Sanz, los dobladores de Goku y Vegeta en la serie Dragon Ball Z para TV3, más que nada porqué hace días Marc Zanni avisó en su blog que se está preparando algo relacionado con ellos, pero no quiso dar detalles. En todo caso, la web de www.ficomic.com informa de un par de novedades sobre el universo de Dragon Ball: un invitado y una exposición.


Daisuke Nishio (Hiroshima, Japón. 1959) - Invitado



Daisuke Nishio se unió a Toei Doga (actualmente Toei Animation) como animador en 1981. Después de trabajar en varias series de televisión, fue ascendido a asistente de director en el anime de Dr. Slump en 1982. Debutó como director en la serie de Dragon Ball en 1986 e hizo lo propio en el cine ese mismo año con Dragon Ball: La Leyenda de Shenron. Nishio también dirigió la serie de Dragon Ball Z, y trabajó en varias de las películas basadas en los personajes de Akira Toriyama como Dragon Ball: La princesa durmiente del castillo del demonio (1988), Aventura mística (1988), Garlick Junior inmortal (1989), El más fuerte del mundo (1989), La super batalla (1990) o Los tres grandes Supersaiyans (1992) de Dragon Ball Z, entre otras. También ha colaborado en series de animación como 3x3 Ojos, One Piece, Crying Freeman o el mencionado Dr. Slump. El último trabajo en el que le hemos podido ver dirigiendo ha sido el cortometraje animado Odd One Out de Halo Legends (2010), basado en la popular franquicia de propiedad de Microsoft. Daisuke Nishio viene al Salón del Manga de Barcelona, gracias a la colaboración de Selecta Vision, a presentar la nueva edición restaurada y remasterizada del anime de Dragon Ball Z.

Atentos a su visita. Hace años nos visitó Shigeyasu Yamauchi, otro de los pesos pesados del anime de Dragon Ball Z y responsable también de diferentes OVAs como el excelente Estalla el duelo (1993), Plan para destruir a todos los Saiyans (1993) y Fusión (1995), entre otras. Ahora nos visita el que, posiblemente, sea el más grande responsable de la serie de animación Dragon Ball desde su inicio a finales de los años 80, por tanto, todo aquel que se considere fan de la más importante serie de animación que ha existido jamás, que no dude en visitar el Salón este año porqué lo que se avecina con la presencia de Daisuke Nishio dudo que se repite jamás.

Ya solo falta que Toriyama deje de ser un sociópata y se deje ver algún año, porqué ya solo faltará él.



“Dragon Ball Exhibition” - Exposición

Dragon Ball de Akira Toriyama supuso una revolución en la historia de la pequeña pantalla. Gracias a ello, la serie basada en el manga se convirtió en un fenómeno en nuestro país y abrió las puertas al interés por el cómic y anime japonés que no deja de aumentar. Ahora, el Salón del Manga presentará una exposición repleta de material inédito y exclusivo. Con la exposición “Dragon Ball Exhibition” el visitante será testimonio del despliegue del universo de Son Goku, Vegeta, Son Gohan, Trunks y compañía en el XIX Salón del Manga de Barcelona. Una exposición que se realiza con la colaboración y el apoyo de Selecta Visión y Toei Animation, gracias a los cuales se repasarán algunas de las escenas más emblemáticas del anime de Dragon Ball Z.

Directamente desde Japón llegarán 24 reproducciones de los “settei” de Dragon Ball Z. Los “settei” son diseños de personajes dirigidos a los equipos de producción, destinados a un uso interno. Pocas veces se muestran públicamente. Es el material de trabajo del equipo de la serie, películas u OVA de animación. Como si fuese una aproximación 3D, en estos diseños se muestran los personajes desde distintos ángulos, con todo detalle de los elementos y objetos que conforman su identidad, así como un amplio catálogo de sus expresiones faciales. Incluso se ven los complementos que se ocultan bajo el cabello o la ropa. Los 'settei' suponen una nueva aproximación a los míticos protagonistas de la serie, con un elevado nivel de detallismo gráfico que descubrirá curiosidades insólitas.


La exposición recordará el argumento de Dragon Ball Z y enseñará una amplia galería de sus personajes. Las diferentes sagas de Dragon Ball Z se repasarán a través de fotogramas originales. Además de los “settei” de la serie también se exhibirán reproducciones de los nuevos diseños realizados para la guía de estilo de Dragon Ball Z. Se trata de los diseños realizados a lo largo de este año y de 2012 con nuevas ilustraciones sobre las mejores escenas de combate de la serie.

Sin olvidar un photocall de cuatro metros que permitirá a los fans fotografiarse como si estuvieran en el mundo de Dragon Ball. Varios actores lucirán los disfraces oficiales de los personajes de Dragon Ball Z y se fotografiaran con el público, tanto en la zona de exposición como en el stand de Selecta Visión.





martes, 8 de octubre de 2013

"Rigor Mortis", póster y trailer



Desde Hong Kong llega Rigor Mortis, una película de terror dirigida por el debutante Juno Mak y que viene respaldada por Takashi Shimizu en la producción. Cabe decir que parte del equipo técnico y artístico repite trabajo tras el violentísimo thriller coreano Revenge: A love Story (2010) que se pudo ver hace 2 años en Sitges. En aquella ocasión Juno Mak era el guionista, además que interpretaba el papel de protagonista en la película acompañado de Chin Siu-ho, que también repite en Rigor Mortis, pero siguiendo como actor. Esta vez Juno Mak coge las riendas de un proyecto en que después de ver su trailer solo podemos A-L-U-C-I-N-A-R con el segurísimo baño de sangre, violencia y locura que se podrá ver.


La película cuenta como en los años ochenta, Chin Siu-ho era una estrella del cine de género en China. Hoy malvive como una vieja gloria, separado de su familia. Prácticamente arruinado, se dirige a un edificio abandonado para poner fin a su miseria, pero su plan se verá truncado por la irrupción de las fuerzas del mal.  

Trailer:


viernes, 4 de octubre de 2013

Lista de Invitados Sitges 2013


Lista de invitados:

-Elijah Wood (Grand Piano)
-Eugenio Mira (Grand Piano)
-AJ Bowen (The Sacrament)
-Eli Roth (The Green Inferno)
-Lorenza Izzo (The Green Inferno)
-Nicolás López (The Green Inferno, Mis peores amigos: Promedio rojo)
-Terry Gilliam (The Zero Theorem)
-Takashi Miike (Shield of Straw, Lesson of the evil)
-Alejandro Jodorowsky (La danza de la realidad)
-Frank Pavich (Jodorowsky’s Dune)
-Jorge Dorado (Mindscape)
-Taissa Farmiga (Mindscape)
-Mark Strong (Mindscape)
-Brendan Muldowney (Love Eternal)
-Pollyanna McIntosh (Love Eternal)
-Sharni Vinson (Patrick)
-Mark Hartley (Patrick)
-Charles Dance (Patrick, Juego de Tronos)
-Manuel Carballo (The Returned)
-Melina Matthews (The Returned)
-Clàudia Bassols (The Returned)
-Derek Lee (Afflicted)
-Cliff Prowse (Afflicted)
-Baya Rehaz (Afflicted)
-Xavier Marchad (Afflicted)
-Víctor García (Gallows Hill)
-Nathalia Ramos (Gallows Hill)
-Pablo Larcuen (Hooked Up)
-Jonah Ehrenreich (Hooked Up)
-Stephen Ohl (Hooked Up)
-Alex Van Warmerdam (Borgman)
-Annet Malherbe (Borgman)
-Bruno Forzani (L’étrange coleur des larmes de ton corps)
-Carlos Areces (Gente en Sitios)
-Enrique López Lavigne (Gente en Sitios)
-Juan Cavestany (Gente en Sitios)
-Simón Andreu (Premio Nosferatu)
-Aram Garriga (American Jesus)
-Benet Roman (American jesus)
-Pino Donaggio (Vestida para matar, Carrie, Aullidos, Patrick)


Rostros mundialmente conocidos, mitos del género, personajes de culto, profesionales de sólida trayectoria, además de una larga lista de talentos del país, pisarán la alfombra roja de Sitges 2013. El Festival, que celebra este año la 46ª edición entre el 11 y el 20 de octubre, acogerá nombres relevantes del mundo fantástico como Takashi Miike, Alejandro Jodorowsky, Terry Gilliam, Eli Roth o Jorge Dorado, mientras que el glamour lo traerán actores como Elijah Wood, Taissa Farmiga, Sharnei Vinson, Carlos Areces o Simón Andreu.

El joven actor Elijah Wood vuelve a Sitges a presentar la película que protagoniza y que inaugura el Festival, la esperada Grand Piano. Wood llegará acompañado del director del filme, el catalán Eugenio Mira y del actor Don McManus. Por otro lado, The Sacrament, la película que clausurará el Festival, contará con el actor AJ Bowen en la sala. The Green Inferno, la producción caníbal de la Sección Oficial, contará con la presencia del enérgico director Eli Roth y de la actriz Lorenza Izzo, además del productor Nicolás López, que también presenta en Sitges su alocada película como director, Mis peores amigos: Promedio rojo. También estará en el Festival el ácido Terry Gilliam, que se dio a conocer con la mítica compañía británica Monty Python y que presenta en el Festival su última obra cinematográfica en el registro de la ciencia-ficción: The Zero Theorem.

Takashi Miike, uno de los realizadores homenajeados en el Festival, estará también en Sitges, diez años después de su primera visita, para recoger su distinción y ofrecer un masterclass a sus adeptos. Se proyectarán las películas recientes Lesson of the Evil y Shield of Straw, además de anteriores largometrajes del autor como Audition.

Alejandro Jodorowsky, histórico en Sitges –en la primera edición de 1968 se proyectó su inquietante film Fando y Lis (1968)– presentará su última película La danza de la realidad, y además es protagonista del documental Jodorowsky’s Dune. Se trata de un trabajo sobre el proyecto fallido del polifacético realizador de rodar la adaptación al cine de la novela de ciencia ficción Frank Herbert Dune, una iniciativa que tenía que contar con las actuaciones de Orson Welles y de Salvador Dalí y con la música de la mítica banda Pink Floyd, todo esto antes de que Dune fuese realizada, finalmente, por David Lynch. El director de Jodorowsky’s Dune, Frank Pavich, también visitará Sitges.

Jorge Dorado presentará el estreno mundial de su película Mindscape, y lo hará acompañado de la esperada y jovencísima actriz Taissa Farmiga y del actor Mark Strong. Para la vitoreada Love Eternal estarán en Sitges el realizador Brendan Muldowney y la actriz Pollyanna McIntosh. También la apreciada actriz Sharni Vinson presentará Patrick junto a parte del equipo del film, como el director Mark Hartley y el actor Charles Dance, uno de los personajes de la serie Juego de Tronos.

La innovadora mirada a los zombies de The Returned llega a Sitges con su director, Manuel Carballo, que presentará la película acompañado de las actrices Melina Matthews y Clàudia Bassols. El inquietante Afflicted contará con la presencia de los dos realizadores y protagonistas de la cinta, Derek Lee y Cliff Prowse, además de la actriz Baya Rehaz y del productor Xavier Marchad. También estará con nosotros el equipo de Gallows Hill, destacando a su director Victor García y a la actriz Nathalia Ramos. Pablo Larcuen, director de Hooked Up, la película grabada íntegramente con un teléfono móvil, presentará su producción acompañado de los actores Jonah Ehrenreich y Stephen Ohl.

Alex Van Warmerdam, director de Borgman, también estará en la presentación de su filme junto a la actriz Annet Malherbe. Para la bellísima revisitación del género giallo que propone L’étrange coleur des larmes de ton corps, contaremos con la asistencia de uno de sus directores, Bruno Forzani.

Algunas de las caras más conocidas del Estado, como Carlos Areces y Enrique López Lavigne, parte del equipo de la sorprendente Gente en Sitios, de Juan Cavestany, estarán en Sitges los días del Festival, junto con el director. También, el emblemático Simón Andreu recogerá en persona el premio Nosferatu que le otorga Brigadoon. En el apartado nacional, los múltiples realizadores del slasher Los Inocentes presentarán la proyección de este largometraje. Finalmente, el equipo del documental American Jesus estará también en Sitges mostrando su trabajo, con el director Aram Garriga y el director de fotografía Benet Roman, entre otros.

La música tendrá una lugar especial en el Festival con la visita de Pino Donaggio, compositor de bandas sonoras de películas emblemáticas como Carrie, Aullidos o Vestida para matar, así como Patrick, una de las películas que se proyectarán este año en el Festival. Además de asistir a la presentación de Patrick, el compositor ofrecerá un encuentro abierto a todo el público para hablar de sus composiciones.


En la página web del Festival se puede encontrar el calendario y el listado de actividades que llevarán a cabo los invitados durante su estancia en Sitges 2013.


 (Pollyanna McIntosh)

 (Takashi Miike)

 (Elijah Wood)

 (Clàudia Bassols)

 (Terry Gilliam)





jueves, 3 de octubre de 2013

Presentación del libro "Psychobase 2" en Sitges



El viernes 11 de octubre Dolmen Editorial pone a la venta “Psychobase 2: +333 asesinos en serie”, la secuela de la primera “Psychobase”, agotada en tiendas, que completa la colección original de psychokillers cinematográficos con otras 333 biografías de personajes, sumando entre ambos libros un total de 666 asesinos en serie analizados.

Rubén Pajarón¸ coautor del primero junto a Emilio Martínez y Marta Muñoz, escribe este segundo volumen, con prólogo de Marcus Dunstan, en el que encontraréis detallada la vida (y muerte) de psychokillers de todas las generaciones y nacionalidades, desde las rarezas más desapercibidas (“Mardi Gras Massacre”, “Bloodbeat”, “Skullduggery”) a los slashers más actuales (“The Collector”, “Stitches”, “Inbred”). Cada biografía consta del título de la original y sus secuelas, año, director, fotografías de la película, bodycount, descripción minuciosa del personaje, armas utilizadas y forma de morir.

 “Psychobase 2” será presentado en el Festival de Sitges, el mismo día, durante la maratón nocturna “la nit + killer” que tendrá lugar en el Retiro, con las películas “100 Bloody Acres”, “An American Terror” y “Hatchet 3”, más el corto canadiense “Torturous”. Animamos a todos a ir a la maratón, ya que además de las películas, Dolmen sorteará 6 libros entre los asistentes.


miércoles, 2 de octubre de 2013

Las películas "tapadas" del Sitges 2013



Pienso que hay un puñado de títulos que no se está hablando prácticamente de ellos y estoy seguro que darán de qué hablar. También hay otros títulos marginados en la programación, concretamente en maratones nocturnas y horarios de tarde entre semana, y que por lo que significan tristemente lo más probable es que pasen desapercibidos por el público. Pues aquí 10 películas que si más no aparentan interesantes de ver más allá de las que todos conocemos, así que espero que no defrauden:


TÍTULO: A Field in England
DIRECTOR: Ben Wheatley
GUIÓN: Amy Jump, Ben Wheatley
AÑO: 2013
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Reino Unido
MÚSICA: Jim Williams
FOTOGRAFÍA: Laurie Rose
REPARTO: Julian Barratt, Michael Smiley, Reece Shearsmith, Ryan Pope, Richard Glover,Peter Ferdinando
PRODUCTORA: Film4 / Rook Films

SINOPSIS: Un grupo de desertores de la Guerra Civil inglesa se encuentra con un alquimista quien les propone encontrar un tesoro oculto en un campo inglés. El problema reside en que el tesoro puede no ser tal tesoro y las misteriosas energías que rodean la campiña comienzan a hacer mella en la moral y la cordura del grupo. (FILMAFFINITY)



Pista--> Tengo disponible en el blog la crítica de la película (puedes leerla clicando aquí). Ben Wheatley en estado puro, un tipo capaz de pasearse por los géneros brillantemente sin que se note, de crear preguntas al espectador, de jugar con sus respuestas, de fascinar, de incomodar, y de hacer reflexionar. Todo ello en A Field in England, su película más indie, pero personalmente de más calidad de su breve filmografía.

TRAILER:




TÍTULO: Antisocial
DIRECTOR: Cody Calahan
GUIÓN: Chad Archibald, Cody Calahan
AÑO: 2013
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Canadá
FOTOGRAFÍA: Jeff Maher
REPARTO: Michelle Mylett, Cody Thompson, Adam Christie
PRODUCTORA: Breakthrough Entertainment

SINOPSIS: Antisocial empieza en la nochevieja de un futuro no muy distante. Cinco amigos de la universidad se reúnen para celebrar el nuevo año. Sin que lo sepan, una epidemia ha estallado, causando brotes en todo el mundo. Sin ningún sitio al que ir, levantan barricadas y se encierran con sus teléfonos, portátiles y otros dispositivos electrónicos. Los usan para intentar averiguar las causas de esta infección. La información empieza a llegar en forma de videos a sus ordenadores, a la vez que el miedo se va convirtiendo en paranoia ¿Quién está a salvo? ¿En quién pueden confiar? La realidad se empieza a enturbiar cuando poco a poco descubren el virus que causa esta enfermedad… y no hay vuelta atrás. (Fuente: masalladeorion) (FILMAFFINITY)


Pista--> Hará aproximadamente un mes se distribuyó por los media el trailer y el póster de la película, y desde ese día muchos esperamos poder verla. Una película que trata sobre la aparición de una pandemia mundial donde la confianza será el eje central. Apunta a un caramelo para todo amante de películas extremas de calidad. Habrá que verla!

TRAILER:




TÍTULO ORIGINAL: Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo (Evangelion 3.0: Q Quickening) (Evangelion Shin Gekijouban Q)
DIRECTOR: Hideaki Anno
GUIÓN: Hideaki Anno
AÑO: 2012
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: Japón
MÚSICA: Shiro Sagisu
FOTOGRAFÍA: Animation
PRODUCTORA: Studio Khara

SINOPSIS: Tercera película dentro de la serie "Rebuild of Evangelion", centrada en servir como remake del anime Evangelion. (FILMAFFINITY)









Pista--> 3a parte de la saga que reescribió Hideaki Anno hace unos años. Le ha costado dos años de retraso que la presente película se estrenarse en cines y eso ha hecho que la espera haya sido dolorosa para los fans, pero en todo caso por fin la tenemos en Sitges preparada para mostrar sus sorpresas. Ahora empieza lo nuevo! Si las dos primeras se centraban más en revivir la serie, a partir de ésta 3a parte ya todo serán novedades... ufff ufff que ganas joder! Ojito, que solo la proyectarán en una maratón otaku para el día Viernes 18 de Octubre, a las 01:00, en el Retiro.

TRAILER: 





TÍTULO ORIGINAL: Jigoku de naze warui? (Why Don't You Play in Hell?)Año2013
DIRECTOR: Sion Sono
GUIÓN: Sion Sono
DURACIÓN: 126 min.
PAÍS: Japón
MÚSICA: Sion Sono
FOTOGRAFÍA: Hideo Yamamoto
REPARTO: Jun Kunimura, Shinichi Tsutsumi, Fumi Nikaido, Tomochika, Hiroki Hasegawa, Gen Hoshino, Tak Sakaguchi
PRODUCTORA: T-Joy / King Records

SINOPSIS: Ikegami (Shinichi Tsutsumi) es un gangster que guarda rencor hacia un viejo rival llamado Muto (Jun Kunimura), de cuya hija Himizu (Fumi Nikaido) siempre ha estado enamorado. Hirata, un director de cine (Hiroki Hasegawa), y un hombre llamado Kouji (Gen Hoshino), también se ven involucrados en este enredo. (FILMAFFINITY)




Pista--> Acaso nadie flipó con Suicide Club? O sobretodo con Love Exposure? O Cold Fish? O con... Si señoras y señores, Sion Sono de nuevo! Ya me imagino otra vez su habitual potaje a base de mezclar comedia, violencia, gore, sexo, perversiones y acción que tan bien le queda. Joder, este tipo lo tiene todo! Y así le va en Japón con sus problemas con la censura. Que nadie se pierda Why don't you play in Hell? porqué Sion Sono es garantía total.

TRAILER:




TÍTULO ORIGINAL: Saibi (The Fake)
DIRECTOR: Yeun Sang-ho
GUIÓN: Yeun Sang-ho
AÑO: 2013
DURACIÓN: 101 min.
PAÍS: Corea del Sur
FOTOGRAFÍA: Animation
PRODUCTORA: STUDIO DADASHOW

SINOPSIS: En un pueblo que vive bajo la amenaza de una inundación, Choi intenta hacerse con las indemnizaciones de los habitantes gracias a la iglesia. El reverendo y un hombre que acaba de regresar al pueblo se cruzarán en su camino. (FILMAFFINITY)


Pista--> Y ésta que puñeta de peli es? Nadie habla de ella, ni tampoco se habló del anterior trabajo de su director llamado The King of Pigs, la que considero la mejor película de animación que se pudo ver el año pasado (puedes leer la crítica clicando aquí). The Fake es su nueva película, un título que promete seguir con su canon de animación adulta, realista, violenta y con crítica social.

TRAILER:




TÍTULO: Dark Touch
DIRECTORA: Marina de Van
GUIÓN: Marina de Van
AÑO: 2013
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Francia
MÚSICA: Christophe Chassol
FOTOGRAFÍA: John Conroy
REPARTO: Padraic Delaney, Robert Donnelly, Charlotte Flyvholm, Ella Hayes, Mark Huberman,Missy Keating, Katie Kirby, Art Parkinson, Anabel Sweeney, Olga Wehrly
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Irlanda-Suecia; Element Pictures / Ex Nihilo / Filmgate Films

SINOPSIS: La historia arranca una tarde en plena zona rural con una casa aislada que se anima de pronto como por medio de un acto de locura: los objetos y los muebles se desatan contra sus habitantes. Niamh, de 11 años de edad, es la única superviviente de la sangrienta masacre, obra del mobiliario, donde sus padres y su hermanito murieron. La policía sospecha de una banda de asesinos vándalos e ignora el testimonio de Niamh, que denuncia la rabia mortífera de los objetos y de los lugares. Recogen a la niña de manera provisional Nat y Lucas, amigos de sus padres, que se esfuerzan por apaciguar su traumatismo rodeándole de amor y brindándole una vida y una escolaridad normales con la ayuda de una asistente social. Pero Niamh no encuentra sosiego, sino todo lo contrario: a su alrededor los signos del peligro siguen manifestándose y en los lugares por los que pasa permanece una violencia disimulada, que no tardará en desencadenarse de nuevo y producir nuevas matanzas y nuevas víctimas. (FILMAFFINITY)


Pista--> Quizás no se trata de un título oculto en la programación por tratarse de una película posicionada en la sección oficial a competición, pero es que entre taaaanta película algunas quedan más olvidadas que otras. Dirigida por una mujer como es Marina de Van, vuelve el cine de terror francés más seco, el que nos gusta.

TRAILER:




TÍTULO ORIGINAL: Kaze tachinu (The Wind Rises)
DIRECTOR: Hayao Miyazaki
GUIÓN: Hayao Miyazaki (Cómic: Hayao Miyazaki. Novela: Tatsuo Hori)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Japón
MÚSICA: Joe Hisaishi
FOTOGRAFÍA: Animation
PRODUCTORA: Studio Ghibli

SINOPSIS: Jiro sueña con volar y diseñar hermosos aviones, inspirados por el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Corto de vista desde niño y por ello incapaz de volar, Jiro se une a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería en 1927. Su genio pronto es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos. La película relata su biografía y recrea sucesos históricos que marcaron su vida, como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la guerra. (FILMAFFINITY)


Pista--> Lo nuevo de Miyazaki no puede estar tan marginado en la programación! Que fallo Sitges! Posicionada en el último día del festival y por la noche, la despedida del cine de Hayao Miyazaki se representa con Wind Rises, lo que él considera su película más personal. El director de La princesa Mononoke, Nausicaa en el valle del viento y demás, merece que se le rete un magnífico aplauso en el lugar donde siempre ha manifestado que deben verse sus películas: en el cine.

TRAILER: 





TÍTULO ORIGINAL: Chimères
DIRECTOR: Olivier Beguin
GUIÓN: Colin Vettier, Olivier Beguin
AÑO: 2013
DURACIÓN: 80 min.
PAÍS: Suiza
FOTOGRAFÍA: Florian N. Gintenreiter
REPARTO: Jasna Kohoutova, Yannick Rosset, Catriona MacColl
PRODUCTORA: Olivier Beguin, Gwenn Deschenaux, Lluis Fe Perez

SINOPSIS: Estando de vacaciones en Rumania, Alexandre es atropellado por un coche. Para salvarlo, en el hospital le hacen una transfusión de sangre. De vuelta en su hogar, se siente cambiado, como si algo contaminado corriese por sus venas. Su novia Livia hará frente al extraño comportamiento de Alexandre, intentando salvar su relación, dando pie a una historia tan romántica como sangrienta. (FILMAFFINITY)


Pista--> Una película suiza que supone el debut al largometraje de Olivier Beguin, responsable de numerosos cortos. Reconozco que es una apuesta personal debido a que su trailer me ha causado muchas ganas de verla, pero es que las primeras críticas que circulan por Internet la dejan muy bien.

TRAILER:





TÍTULO: National Security
DIRECTOR: Chung Ji-young
GUIÓN: Lee Dae-il, Chung Sang-hyup, Kang Min-hee, Chung Ji-young
AÑO: 2012
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: Corea del Sur
FOTOGRAFÍA: Seo Min-soo
REPARTO: Park Won-sang, Lee Kyeong-yeong, Myung Kye-nam
PRODUCTORA: Kim Ji-yeon, Jeong Sang-min

SINOPSIS: Corea del Sur, 1985. Kim Jon-tae, un abogado comprometido con causas por la libertad, es arrestado para que confiese que trabaja a las ordenes del gobierno norcoreano. La resistencia a realizar esta falsa declaración llevará al hombre a vivir un calvario, pasando 22 días sometido a horribles torturas. Basada en una historia real, National Security enfrenta al pueblo coreano con uno de los episodios más siniestros de su historia reciente (FILMAFFINITY)


Pista--> Desde Corea llega éste thriller violento donde se explica uno de los sucesos más oscuros del país en 1985, donde un abogado comprometido con causas por la libertad fue retenido y torturado por la policía surcoreana durante 22 días, para que confesara su colaboración con los comunistas. Torturas varias darán vida a una película incómoda tanto para los coreanos como para los más sensibles.

TRAILER:




TÍTULO ORIGINAL: Blutgletscher (The Station) (Glazius)
DIRECTOR: Marvin Kren
GUIÓN: Marvin Kren, Benjamin Hessler
AÑO: 2013
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS:  Austria
MÚSICA: Stefan Will
FOTOGRAFÍA: Moritz Schultheiß
REPARTO: Gerhard Liebmann, Edita Malovcic, Hille Beseler, Peter Knaack, Felix Römer,Brigitte Kren, Wolfgang Pampel, Murathan Muslu, Adina Vetter, Michael Fuith
PRODUCTORA: Allegro Film

SINOPSIS: Janek es un técnico en una estación de observación del clima en lo alto de los Alpes. Es un lobo solitario, los científicos que regularmente pasan por allí y que comparten el amor por aquel lugar rocoso justo llegan a tolerarlo. Para empeorar aun las cosas, se acerca la visita del ministro de medio ambiente, que trae rivalidades diversas a la estación. Y de repente, todos los implicados se sienten agradecidos cuando su rutina diaria es interrumpida por un extraño descubrimiento. Un líquido rojo que sale de un glaciar cercano que se funde debido al cambio climático. Esta “sangre” del glaciar resulta ser un líquido muy especial, con unos efectos inimaginables en la fauna local. Janek no tardará en tener que defender la estación de una horda en aumento de monstruosidades biológicas. Los humanos se resguardan dentro del refugio junto al ministro. Dentro el grupo del ministro está Tanja, que es la única que conoce la razón del auto infligido aislamiento de Janek… (FILMAFFINITY)



Pista--> La frikada de calidad del Festival, seguro. Habéis visto el trailer? Pinta a un divertimento cojonudo!! Monstruos varios, escenario aislado como son las montañas, leyendas sobre Dioses egipcios, gamberrismo,... Quizás la The Cabin in the Woods del año, aunque seguramente habrá que salvar distancias. De momento las críticas la dejan por las nubes, pero habrá que estar seguros.

TRAILER: