domingo, 26 de enero de 2014

Sinfonías urbanas: "Manhatta" y "El hombre de la cámara"




Reconozco que las sinfonías urbanas es un tipo de cine que “ni fu ni fa”, pero hoy es domingo y toca relajarse, recuperar fuerzas, y pensar en las cosas realizadas durante la semana, así que un par de sinfonías urbanas quizás pueden entrar bien.

¿Sinfonías urbanas? Se trata de un tipo de películas que pretenden registrar los movimientos frenéticos de las ciudades, con una clara voluntad de transmitir realismo de una manera curiosa, pero nunca pesimista. Para mí pesimista sería la mirada que han depositado algunos directores de la serie B como Lucio Fulci, John Carpenter, Mark L. Lester, Jim Van Bebb o Enzo Castellari entre tantos otros, en ciudades como Nueva York, Roma o Los Ángeles coincidiendo con el auge del punk en los 80, o en la misma Barcelona con el cine Kinki. Eso si, son películas que, como decía, interesan por ofrecer una mirada "real", y real implica no fijarse en aquellas imágenes "de postal" de las ciudades ni tampoco en la que te enseñaría cualquier agencia de viajes, sino la relación de la ciudad con la geografía, las inclemencias meteorológicas, la búsqueda de las partes bonitas entre la fealdad, la clase obrera, la industrialización, una ruptura entre la gente rica para fijarse en lo que es humilde, y por tanto intentar crear en el espectador una reflexión sobre la mirada que está haciendo el director al retratar aquella ciudad, sin narrador, ni opiniones, ni protagonistas, ni nada, sólo hablan en estas "sinfonías urbanas" las imágenes, y el espectador debe conseguir escucharlas.

También hay otra cosa a tener en cuenta: ninguna ciudad es igual. Ni tampoco ningún cineasta es igual. Berlin, Manhattan, París, Amsterdam, Moscú, Oporto,... comparten el hecho de que son ciudades de renombre turísticamente hablando, pero con mucha personalidad. Es por eso que difícilmente ningún director puede pretender impregnar una mirada idéntica en cada ciudad, ya que cada una desprende sus propios valores más allá de las creencias cinematográficas que tengan -obviamente ahora me fijo con Dziga Vertov y su mirada de Moscú-. Siguiendo con él podemos verle El Hombre de la cámara (Chelovek s kino-apparatom), una película dirigida en 1929 donde quiere ejemplificar la vitalidad de la sociedad soviética. Él decía que la cámara debía ser un ojo, una extensión del ojo humano, y así evitar que se modifiquen las imágenes para dar más veracidad a lo que el espectador ve. Por otro lado, también pretende mostrar cómo la ciudad "despierta" y reacciona contra los tsaristas. En cambio también podemos ver otro filme muy diferente, como es Manhatta (idem), del 1921, una película que tiene muy presente su condición de isla entre el agua y la industria, y con la transmisión de la idea de que la ciudad de Manhattan hay una vida "compleja". También se muestra cómo los puentes la hacen hermosa, con elementos que se mueven en referencia a su vitalidad -por no decir bullicio-, y en sí se trata de una ciudad muy industrializada al más puro estilo Tiempos modernos.


Os recomiendo una ojeada:


"MANHATTA" (1921):



"EL HOMBRE DE LA CÁMARA" (1929):




jueves, 23 de enero de 2014

"Phenomena Grindhouse" en Barcelona: El terror llama a su puerta + Re-Animator



Bravo al Phenomena, a Nacho Cerdá, a su madre y a quien haga falta, porqué para los amantes del cine más gamberro estamos de enhorabuena. Vuelve "Phenomena Grindhouse" con la que es sin duda su sesión más interesante hasta la fecha, con dos mega-clásicos del terror de serie B como son El terror llama a su puerta y la que es una de mis películas favoritas, Re-Animator. Os paso la nota de prensa y las fichas técnicas:



"NOCHE DE SANGRE, VÍSCERAS Y HUMOR EN PHENOMENA GRINDHOUSE

El sello más gamberro de Phenomena Experience presenta una sesión de terror ochentero con ‘Night of the Creeps’ y ‘Re-Animator’. El próximo 31 de enero, las babosas espaciales, los zombis y los experimentos de un científico loco se alían para invadir los Cinemes Girona de Barcelona con una sesión Phenomena Grindhouse que es puro desmadre. Dos serie B de terror ochentero que llegan dispuestas a hacernos reír mientras nos salpican las vísceras.

Primero llegarán los adolescentes de ‘Night of the Creeps’, también conocida como ‘El terror llama a su puerta’, una terrorífica comedia en la que los pobres protagonistas verán cómo unas babosas del espacio les complican la romántica cita que había preparado, convirtiendo a sus parejas en zombis a los que no apetece demasiado besar. Atención a los guiños a maestros del género como Roger Corman, John Carpenter y George A. Romero, o al cameo de Greg Nicotero, uno de los mejores expertos en efectos de maquillaje, entre otras sorpresas.

Los que hayan sobrevivido a esta pandilla, podrán verse las caras con el doctor Herbert West, que está dispuesto a conseguir cadáveres frescos con los que poder perfeccionar sus técnicas para resucitar a los muertos en ‘Re-Animator’. Un gore con momentos antológicos servido por el director Stuart Gordon y basado en una historia de H.P. Lovecraft. Sólo os diremos que durante el rodaje se usaron casi 95 litros de sangre falsa. ¿Quién se atreve?"


PHENOMENA GRINDHOUSE: NIGHT OF THE CREEPS + RE-ANIMATOR
Viernes 31 enero • Barcelona • Cinemes Girona • 21 h • V.O.S.E. • 35 mm.
Sesión sin numerar | Precio: 9 €




FICHA TÉCNICA



TÍTULO ORIGINAL: Night of the creeps
DIRECTOR: Fred Dekker
GUIÓN: Fred Dekker
PAÍS: Estados Unidos
AÑO: 1986
DURACIÓN: 88 min
GÉNERO: terror
PRODUCCIÓN: Bill Finnegan, Charles Gordon, Donna Smith
MÚSICA: Barry De Borzon
REPARTO: Jason Lively, Steve Marshall, Jill Whitlow, Tom Atkins, Wally Taylor, Bruce Solomon, Vic Polizos, Allan Kayser, June Harris, David Paymer, Dick Miller



ARGUMENTO:
Un peligroso organismo extraterrestre llega a la Tierra, se trata de unas babosas del espacio que se introducen por la boca, alojándose en el cerebro de la víctima y convirtiéndolos en auténticos zombies. Así, estas babosas alienígenas siembran el terror adolescente en esta producción de los ochenta que homenajea el cine de terror de serie B. Su leyenda reza: "La buena noticia es que tus citas están aquí... la mala es... que están muertas".










TÍTULO ORIGINAL: Re-Animator
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Stuart Gordon
GUIÓN: Dennis Paoli, William Norris, Stuart Gordon
AÑO: 1985
DURACIÓN: 86 min
GÉNERO: terror, gore, comedia
PRODUCCIÓN: Michael Avery, Charles Band, Bruce William Curtis, Bob Greenberg, Charles Donals, Brian Yuzna
MÚSICA: Richard Bang
REPARTO: Jeffrey Combs, Bruce Abbott, Barbara Crampton, David Gale, Robert Sampson,Gerry
Black



ARGUMENTO:
Herbert West estudia en Europa métodos regenerativos junto a un conocido científico, que muere en extrañas circunstancias. Herbert viaja a EEUU, donde se matricula en la Miskatonic University. Allí continúa con sus experimentos, que tienen la intención de alcanzar la fórmula que permita reanimar los muertos. Su compañero de piso Dan y la novia de éste, Megan, se verán envueltos en el macabro proyecto.




lunes, 20 de enero de 2014

De "Nosferatu" a "Begotten", pasando por Buñuel



Quisiera hablar del terror de los año 20, concretamente de Nosferatu y El gabinete del doctor Caligari, y acabar ligandolas con una película llamada Begotten (ídem, 1991), de principios de los 90.

Que es el miedo? Hay psicólogos que dicen que el miedo comienza a aparecer al ser humano sobre los 8 meses de vida, cuando el bebé se da cuenta de que realmente ya no está dentro del vientre de la madre, que ya no es todo tan idílico, apareciendo así el sentimiento de fragilidad, que ya no somos tan invencibles como creíamos. Por lo tanto, es el miedo lo que nos hace sentir vivos. A partir de ahí empezamos a desarrollar este nuevo sentimiento y nos acabamos dando cuenta de que existe la posibilidad de perder todo lo que queremos, como los padres o la misma vida. Por lo tanto el miedo interior acaba condicionando nuestros actos para encontrar el máximo de estabilidad posible, pero en el fondo es el miedo colectivo el que mueve el mundo. Y el cine es también todo un mundo, un mundo que representa imágenes que no quisiéramos imaginar, o si, dependiendo del género supongo, pero en todo caso parte de la magia del cine esstá en que éste es capaz de superar las fronteras de la realidad y mostrar un mundo que, en ocasiones, puede llegar a ser escalofriante y penetrar en el peor de nuestras pesadillas. Es por este motivo que el cine de terror ha calado tan fuerte en los periodos post bélicos, como si fuera un anexo de los periodos de crisis. Por ejemplo, títulos como El Golem (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920), El gabinete del Dr. Caligari o Nosferatu, no es nada gratuito que las tres sean surgidas de Alemania, justo después de la 1ª Guerra Mundial, creando lo que se conoce como “Expresionismo alemán”. O también los monstruos de la Universal durante los años 30 en los EEUU, una época post crack del 29. O los Godzilla, Mothra, Gamera y compañía en Japón tras las bombas de Hiroshima y Nagasaki -el género nipón del kaiju eiga- , unas películas que en los EEUU también se hicieron -pero a su manera artística y queriendo reflejar amenaza soviética- siempre situadas durante el contexto de Guerra Fría, como lo fueron, por ejemplo, La mosca (The Fly, 1958), La humanidad en peligro (Them!, 1954), o sobre todo La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1958). También se hicieron al post-Vietnam, con grandes películas como Crimen en la noche (Dead of Night, 1972), por ejemplo, o incluso en España, en las postrimerías del franquismo con todo fantaterror español encabezado por Paul Naschy. Un cine que pretendía hacernos enfrentar a nuestras pesadillas atávicas producidas por culpa de un mundo caótico, desastroso y apocalíptico, relacionando todas estas imágenes fantásticas -pero tan reales como fuera posible- para así excitar nuestra adrenalina.

Sin embargo más allá de que muchas veces el cine de terror surgiera como "reacción", si se quiere considerar así, principalmente el que he querido ha sido representar lo que es irrepresentable, entrar en la oscuridad, explorar límites, provocar, y sobre todo penetrar en territorios donde nunca quisiéramos hacerlo. Uno de los primeros ejemplos en el cine de terror más primitivo fue El gabinete del doctor Caligari, una película muda dirigida por Robert Wiene en 1919 y que representaba una sutil crítica a la situación política en Alemania durante la 1 ª Guerra Mundial. La gente de aquellos tiempos pretéritos tenía la sensación de que habían sido controlados por el Estado, como si se trataran de sonámbulos que fueron enviados a una guerra a matar bajo la voluntad de unos políticos. En la película conoceremos a Cesare, un personaje poseído, un asesino que mata cada vez que Caligari se lo pide. Esto es nada menos que una metáfora de la sociedad dormida, y es que, al situarse la película en 1922, se hace inevitable contextualizar el filme y concretamente relacionar sus personajes con la realidad de aquellos tiempos. Por lo tanto, la obra de Robert Wiene es una alegoría al control y dominación del Estado en la sociedad, donde el doctor Caligari sería una metáfora del Estado y Cesare la sociedad "dormida". Sin embargo quisiera destacar que el productor de la película añadió un comienzo y un final que alteraron el contenido, ya que en el epílogo se ve como si lo que se ha visto durante los 60 minutos de metraje se tratara del pensamiento de un loco, de un sueño. Como curiosidad, o no, a principios de los años 20 Hitler ya estaba metido en política.

Pero la película de terror que de verdad acojonó -y sigue acojonante a un servidor- es Nosferatu, la adaptación pirata de la obra de Bram Stoker "Drácula", ya que los productores no poseían los derechos literarios y es por esto que se hicieron una serie de cambios, como son los nombres artísticos. En cuanto al resto Nosferatu es una película en la que, en efecto, su trama es prácticamente idéntica a la de Drácula pero cambiando la Inglaterra victoriana por la ciudad de Viborg. Pero lo que más me interesa de la película no es su historia precisamente, ya que si este fuera el punto fuerte de la película habría envejecido igual como lo han hecho El gabinete del doctor Caligari, El Golem, Garras Humanas (The Unknown, 1927) y demás películas de terror de los años 20, y por tanto lo que me gustaría subrallar es su estética, su "forma " por delante del "fondo" a explicar, gracias a un Murnau más acertado que nunca al convertirse -posiblemente sin llegar a darse cuenta nunca- Nosferatu en una especie de pesadilla surreal por encima de una historia de vampiros. Y el éxito se encuentra en 2 aspectos:

1. El actor Max Schreck que daría vida a la conde Orlock, el "Nosferatu", un actor totalmente único y lo más peculiar que se ha visto nunca en el cine, ya que su aspecto junto con las historias siniestras que se cuentan sobre él hace que el actor haya quedado como el eterno Nosferatu. Sin ir más lejos los extras de la edición 2 DVDs de Nosferatu en España, explican la inquietud que despertaba al equipo técnico de la película la presencia de Schreck, alguien muy agudo, solitario y callado, e incluso se ha llegado a decir que realmente realizaba en la vida real prácticas vampíricas... aunque se ha desmentido. Pero, la leyenda ha sido tan grande que Willem Dafoe se puso en su piel en La sombra del vampiro (Shadow of the Vampire, 2000), una película que explicaría el rodaje del Nosferatu de Muranu y que muestra a una Max Schreck que es realmente un vampiro. Por lo tanto este conde Orlock traspasó las fronteras de la película para tratarse de un icono folclórico al género y en sí del séptimo arte, con sus orejas puntiagudas como un murciélago, pero también con unas curiosas dientes de ratón, cejas peludas y espesas, junto con unos dedos larguísimos y unas uñas al más puro estilo Ze Do Caixao, además de un cuerpo esquelético. Una persona que no parece pertenecer a este mundo.

2. La puesta en escena de Murnau. Sencillamente brillante para tratarse de una película inquietante desde el primer minuto, aportándole a la novela de Bram Stoker un terror poético, además de un puñado de imágenes inolvidables: la llegada del barco al puerto, que anuncia que el mal se aproxima silenciosamente, también los movimientos de Orlock por la ciudad o su mirada perdida dentro de su ataúd supuestamente mientras duerme, los ratones que aparecen de la nada, los extras vestidos de negro y desplazándose como si se trataran de fantasmas... y todo ello mezclado con niebla y oscuridad, también la presencia del viento, y siempre en espacios naturales exteriores, una práctica poco habitual en el cine de “expresionismo alemán” habituado a rodar películas en platós llenos de decorados, dando así importancia Nosferatu a la naturaleza muerta del entorno que rodea al conde Orlock, con viento constante, la presencia mística del mar, etc. Además de una fotografía envejecida de los años 20, llena de grano, pocos fotogramas por segundo, algunas imperfecciones, etc., y que acaban puliendo una película que, hoy, ha abandonado a Stoker para convertirse en una obra que pone por delante una estética por encima de una historia.


Por lo tanto, Nosferatu se ha convertido en una especie de poema metafísico y un canto a la naturaleza humana -y sobrehumana-. Ya no importa qué explica Murnau, sólo importa cómo lo dice, y la manera como lo dice resulta inquietante. De igual manera me gustaría ligar Nosferatu con Un Perro Andaluz (A Chien Andalou, 1929), un cortometraje que sentaría las bases del surrealismo cinematográfico junto con la posterior La Edad de Oro (El âge de oro, 1930), también en parte gracias a la corriente vanguardista del cubismo que se comenzó a desarrollar a mediados de los años 20. Se trata de una serie de filmes que considero adelantados a su tiempo donde podemos ver escenas de violencia, de gore, desnudos, apología al sexo y a la sodomización de la mujer (foto inferior), cadáveres de curas, etc., unas escenas que personalmente me sorprenden mucho por la época en que están rodadas al mismo tiempo que recuerdo el gran escándalo que supuso para el público ver el "streeptesse" de Rita Hayworth en Gilda (ídem, 1946), donde sólo muestra un brazo... ojo!, o la ostia que le clava posteriormente Glenn Ford, unas escenas que se quedan cortas al lado de las que Buñuel y Dalí ya habían hecho unos 15 años antes. Por lo tanto, aquel cine avanzado que daría pie al surrealismo aportó una estética muy particular, normalmente fantástica y onírica, con un humor desaprensivo y cruel, también erotismo, o la deliberada confusión de tiempo y espacio .


Soy consciente de que ligar las películas de Buñuel con Nosferatu hará que más de un crítico o aficionado se estire de los pelos, pero se me hace inevitable por el tono onírico que acaba cogiendo Nosferatu vista hoy en día, sin olvidar que tanto una película como la otra utilizan la asociación de ideas para transmitir sus mensajes. Pienso que, por un lado, Nosferatu se puede considerar expresionista en cuanto al cuidado de los juego de luces y sombras -que a veces es realmente escaso-. Por otro lado el director toma del surrealismo todo el tema del "amor fou", el amor capaz de superar barreras físicas y temporales en busca de un ser querido. Pero también en cuanto a la metodología a transmitir el terror, como fue el hecho de distanciarse del cine expresionista de escenarios interiores pintados y teatrales como los de El gabinete del doctor Caligari, para plantear una película que aplicaría a la composición de los planos una serie de cuadros de unos pintores determinados del romanticismo, como por ejemplo los de Caspar David Friedrich o de Kersting, quele permitieron hacer visible lo que era invisible, es decir, imponer inconscientemente al espectador la presencia de las fuerzas oscuras de la naturaleza. Concretamente los cuadros de Kersting que, curiosamente, siempre son imágenes interiores con un personaje leyendo o cosiendo, muestra un acto cotidiano que se acaba transformando en algo inquietante sin que sepamos por qué. Por lo tanto se trata de la obra de un loco obsesivo que quiere mostrar una realidad que no podemos ver, como si hubiera algo invisible, y curiosamente Muranu aplica a Nosferatu este ambiente de claustrofobia y dominio del espacio -incluso imitando al inicio de la película un plano que bien podría ser un cuadro de Kersting-. Esto permite al director construir una tétrica película de terror, donde lo que produce más tensión es precisamente esta sensación de vacío y el presentimiento que hay en el ambiente algo invisible, como una fuerza a la atmósfera, desarrollando así una película donde el mal se respira en el ambiente, como por ejemplo con el viento agitando los árboles, una playa a ratos excesivamente tranquila o un barco navegando, por encima incluso del propio vampiro. Por lo tanto Murnau se distanció de todo el cine expresionista anterior para crear un filme en el que los recursos dramáticos están tomados de la pintura, creando así presagios y sentimientos poco definibles en el espectador, ya que los recibe de un modo inconsciente. Y, además, por primera vez el género de terror toma una forma diferente: aires excesivos en la composición de los planos para así potenciar sentimientos de indefensión, también de soledad del protagonista, y en general un aire muy siniestro gracias a la puesta en escena. Es decir, Murnau transmite el terror con la telepatía -el personaje Ellen presiente la llegada del conde con el estallido de olas, viento, crujidos de mástiles,...-, también con el sonambulismo, etc., A resumidas cuentas Murnau iniciaría en el cine la asociación de ideas, los presentimientos, como es el hecho de asociar a Nosferatu con el viento y con las olas. Entonces, todo este clima termina haciendo visible unas fuerzas invisibles y oscuras transmitidas por la naturaleza, pero producidas por el conde Orlock .


No querría decir que Nosferatu se trata de una película surrealista simplemente por su aspecto, ni mucho menos, no lo es, pero pienso que pudo sentar unas bases para que Buñuel y Dalí, junto con la corriente cubista de los años 20, acabara creando el género. O quién sabe si los más de 90 años transcurridos desde entonces me han hecho ver la película desde otro ojos, posiblemente con la mirada que reclamó Buñuel en la famosa escena que rasga el ojo con una navaja a Un perro andaluz (foto derecha). Como comentaba al inicio de este artículo Begotten es una película que me marcó bastante el día que la vi. La película recrea el origen -o regeneración- del universo, el génesis bíblico, pero desde un punto de vista gore, y donde podemos ver, por ejemplo, el nacimiento de la madre naturaleza directamente de los tripas de Dios rasgándose la barriga con una hoja de afeitar. Para mí se trata de una obra muy particular, única e inclasificable, también seguramente irrepetible que bebe de todo lo que he querido subrayar de la obra de Murnau pero, obviamente, con otro planteamiento narrativo y sobre todo en un contexto muy diferente del entonces. Fue dirigida por E. Elias Merhige en 1991, un director que posteriormente dirigiría La sombra del vampiro, la película que explicaría el rodaje del Nosferatu de Murnau -un hecho nada gratuito en él-. Para mí, se hace evidente que Merhige es un fanático de la obra maestra de Murnau y que ve con mis ojos la película, ya que a Begotten podremos encontrar la estética oscura de Nosferatu, la fotografía degradada y con desaparición de fotogramas que tenía, la presencia maléfica de la naturaleza, también la distorsión del espacio/tiempo, y en sí una película que ha recogido todo lo que ha hecho que Nosferatu haya conseguido quedarse como una película inmortal, actual, y siempre gracias a esta visión más propia de una pesadilla -por tanto de “forma” que de “fondo”- narrativa, es decir, que ya nadie la relaciona con Bram Stoker. Una forma insana de transmitir horror, totalmente climática, al tiempo que se mezclan imágenes grotescas, pero siempre lejos de ese terror fácil tan habitual en el cine comercial a base de subidas de volumen o simplemente de la tensión y el suspense... en Begotten todo funciona diferente, mucho más expresivo, también con un uso de la iluminación muy trabajado pero que junto con la fotografía tan y tan contrastada acaba cogiendo mucha más personalidad y se aleja de aquel “expresionismo alemán” de los años 20, donde posiblemente la Vampyr de Dreyer es la gran obra maestra en este aspecto técnico. Para mí Begotten se trata del mejor homenaje posible al género de terror del expresionismo alemán, hecho por un director que se ha confesado -en los extras del DVD La sombra del vampiro- como fanático de ese cine pretérito, pero aplicando su obsesión personal por el ocultismo, el pensamiento mágico pagano, el misticismo y las creencias paranormales. Todo un personaje.



miércoles, 1 de enero de 2014

Lo mejor del 2013


El 2013 termina y lo mejor que puedo hacer desde Lazonamuerta es recopilar los títulos que más me han gustado, tanto del género de terror como del cine en general. Debo decir que, ante todo, me he ceñido más a la calidad de la película que al entretenimiento en sí, aunque es cierto que he querido buscar una compensación entre ambos aspectos. De ese modo, películas como Los juegos del hambre: En llamas, La maldición de Chucky, Machete Kills! o The Wind Rises, entre muchas otras, que las he disfrutado como un niño, he preferido no incluirlas en el listado debido a querer compensarlo con otras películas lejanas a mis gustos pero que considero de alta calidad, como por ejemplo la impecable Antes del anochecer o la sorprendente La vida de Adèle. Tampoco he querido olvidar el género de animación y he incluido un título muy criticado pero que considero una absoluta obra maestra, incluso por encima de lo nuevo de Miyazaki y del coreano Yeun Sang-ho, como es Evangelion 3.0: You Can (not) Redo.
Bueno, no quiero ni siquiera comentar las películas del listado..., solamente puedo recomendaros que las veáis sin ver trailers, y a ser posible sin leer la sinopsis, y de ese modo os aseguro que descubriréis películas increíbles, porqué la verdad es que este 2013 el cine se ha portado bien. Quizás no puedo decir lo mismo del cine de terror, pero en todo caso, de esas 5 películas que he escogido, especialmente las 3 primeras, son rotundas obras maestras que me quedarán gravadas para siempre en la memoria, así que solo puedo decirle a la industria del cine una cosa: Gracias por este 2013.
Último apunte. Las películas del listado son películas presentadas oficialmente al 2013, es decir, que no me he fijado en la fecha de distribución en España. Por ejemplo, no hablo de la excelente Tu eres el siguiente (Adam Wingard), que se estrenó en nuestras salas en verano, ya que se trata de un título del 2011. 



TOP 10



TÍTULO ORIGINAL: La migliore offerta (The Best Offer)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 131 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Giuseppe Tornatore
GUIÓN: Giuseppe Tornatore
MÚSICA: Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA: Fabio Zamarion
REPARTO: Geoffrey Rush, Jim Sturgess, Sylvia Hoeks, Donald Sutherland, Philip Jackson,Dermot Crowley, Liya Kebede, Kiruna Stamell
PRODUCTORA: Paco Cinematografica / UniCredit










TÍTULO ORIGINAL: Only God Forgives
AÑO: 2013
DURACIÓN: 89min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Nicolas Winding Refn
GUIÓN: Nicolas Winding Refn
MÚSICA: Cliff Martinez
REPARTO: Ryan Gosling, Krstin Scott Thomas, Tom Burke, Yayaying
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Dinamarca; Gaumont / Wild Bunch / Film i Väst / Bold Films















TÍTULO ORIGINAL: Pacific Rim
AÑO: 2013
DURACIÓN: 131 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Guillermo del Toro
GUIÓN: Travis Beacham, Guillermo del Toro (Historia: Travis Beacham)
MÚSICA: Ramin Djawadi
FOTOGRAFIA: Guillermo Navarro
REPARTO: Charlie Hunnam, Idris Elba, Rinko Kikuchi, Charlie Day, Diego Klattenhoff, Burn Gorman, Max Martini, Robert Kazinsky, Clifton Collins Jr., Ron Perlman, Brad William Henke, Larry Joe Campbell, Mana Ashida, Santiago Segura, Joe Pingue
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Legendary Pictures








TÍTULO ORIGINAL: lLa vie d'Adèle - Chapitre 1 & 2 (Blue Is the Warmest Color)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 180 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Abdellatif Kechiche
GUIÓN: Abdellatif Kechiche, Ghalya Lacroix (Novela gráfica: Julie Maroh)
MÚSICA: Varios
REPARTO: Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche, Mona Walravens, Jeremie Laheurte, Alma Jodorowsky, Aurélien Recoing, Catherine Salée, Fanny Maurin,Benjamin Siksou, Sandor Funtek, Karim Saidi
PRODUCTORA: Wild Bunch / Quat'sous Films / France 2 Cinema / Scope Pictures / Vértigo Films / RTBF / Canal + / CNC









TÍTULO ORIGINAL: Before Midnight
AÑO: 2013
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Richard Linklater
GUIÓN: Richard Linklater, Julie Delpy, Ethan Hawke
MÚSICA: Graham Reynolds
FOTOGRAFÍA: Christos Voudouris
REPARTO: Julie Delpy, Ethan Hawke, Seamus Davey-Fitzpatrick, Jennifer Prior, Charlotte Prior,Xenia Kalogeropoulou, Walter Lassally, Ariane Labed, Yannis Papadopoulos, Athina Rachel Tsangari, Panos Koronis
PODUCTORA: Sony Pictures Classic / Castle Rock Entertainment









TÍTULO ORIGINAL: Love Eternal
AÑO: 2013
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Irlanda
DIRECTOR: Brendan Muldowney
GUIÓN: Brendan Muldowney (Novela: Kei Oishi)
FOTOGRAFÍA: Tom Comerford
REPARTO: Robert de Hoog, Pollyanna McIntosh, Amanda Ryan
PRODUCTORA: Conor Barry



CRÍTICA











DIRECTOR: Alfonso Cuarón
GUIÓN: Alfonso Cuarón, Jonás Cuarón
AÑO: 2013
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS:  Estados Unidos
MÚSICA: Steven Price
FOTOGRAFÍA: Emmanuel Lubezki
REPARTO: Sandra Bullock, George Clooney, Phaldut Sharma
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Esperanto Filmoj / Heyday Films
















TÍTULO ORIGINAL: Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo (Evangelion 3.0: Q Quickening) (Evangelion Shin Gekijouban Q) (Evangelion 3.33)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: Japón
DIRECCIÓN: Hideaki Anno
GUIÓN: Hideaki Anno
MÚSICA: Shiro Sagisu
FOTOGRAFÍA: Animation
REPARTO: Animation
PRODUCTORA: Studio Khara












TÍTULO ORIGINAL: A Field in England
AÑO: 2013
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Ben Wheatley
GUIÓN: Amy Jump, Ben Wheatley
MÚSICA: Jim Williams
FOTOGRAFÍA: Laurie Rose
REPARTO: Julian Barratt, Michael Smiley, Reece Shearsmith, Ryan Pope, Richard Glover,Peter Ferdinando
PRODUCTORA: Film4 / Rook Films





CRÍTICA









TÍTULO ORIGINAL: Aku no kyôten (Lesson of the Evil)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 129 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Takashi Miike
GUIÓN: Takashi Miike (Novela: Yûsuke Kishi)
MÚSICA: Kôji Endô
FOTOGRAFÍA: Nobuyasu Kita
REPARTO: Hideaki Itô, Takayuki Yamada, Shôta Sometani, Ruth Sundell, Fumi Nikaidô, Kento Hayashi, Howard Harris, Erina Mizuno, Rena Kanzaki, Yukino Kishii
PRODUCTORA: Bungeishunju / Dentsu / Nippon Shuppan Hanbai (Nippan) K.K.



CRÍTICA









TOP 5: TERROR



TÍTULO ORIGINAL:The Purge
AÑO: 2013
DURACIÓN: 86 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: James DeMonaco
GUIÓN: James DeMonacoMúsicaNathan Whitehead
FOTOGRAFÍA: Jacques Jouffret
REPARTO: Ethan Hawke, Lena Headey, Max Burkholder, Adelaide Kane, Rhys Wakefield,Edwin Hodge, Tony Oller, Tom Yi, Tyler Jaye, Alicia Vela-Bailey, John Weselcouch
PRODUCTORA: Universal Pictures / Blumhouse Productions / Platinum Dunes / Why Not Productions












TÍTULO ORIGINAL: The Conjuring (The Warren Files)
AÑO: 2013
DURACIÓN: 112 min.
PAÍS:  Estados Unidos
DIRECTOR: James Wan
GUIÓN: Chad Hayes, Carey HayesMúsicaJoseph BisharaFotografíaJohn R. Leonetti
REPARTO: Lili Taylor, Vera Farmiga, Patrick Wilson, Joey King, Ron Livingston, Mackenzie Foy,Shanley Caswell, Hayley McFarland, Sterling Jerins, Shannon Kook
PRODUCTORA: WB / New Line Cinema / Evergreen Media / The Safran Company











TÍTULO ORIGINAL: Coherence
AÑO: 2013
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: James Ward Byrkit
GUIÓN: James Ward Byrkit, Alex Manugian
MÚSICA: Kristin Øhrn Dyrud
FOTOGRAFÍA: Nic Sadler, Arlene Muller
REPARTO: Nicholas Brendon, Maury Sterling, Emily Baldoni, Lorene Scafaria, Hugo Armstrong,Lauren Maher, Elizabeth Gracen
PRODUCTORA: Bellanova Films / Ugly Duckling Films












TÍTULO ORIGINAL: The Sacrament
AÑO: 2013
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ti West
GUIÓN: Ti WestMúsicaTyler Bates
FOTOGRAFÍA: Eric Robbins
REPARTO: Amy Seimetz, Joe Swanberg, Kate Lyn Sheil, AJ Bowen, Kentucker Audley, Gene Jones
PRODUCTORA: Worldview Entertainment / Arcade Pictures













TÍTULO ORIGINAL: Afflicted
AÑO: 2013
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: Derek Lee, Clif Prowse
GUIÓN: Derek Lee, Clif Prowse
MÚSICA: Edo Van Breemen
FOTOGRAFÍA: Norm Li
REPARTO: Clif Prowse, Derek Lee, Edo Van Breemen, Zachary Gray, Baya Rehaz
PRODUCTORA: Automatik Entertainment / Téléfilm Canada / Oddfellows Entertainment















MENCIÓN ESPECIAL:

-Los juegos del Hambre: En llamas (Francis Lawrence)
-Trance (Danny Boyle)
-Guerra Mundial Z (Marc Forster)
-Nymphomaniac (Lars Von Trier)
-La grande Belleza (Paolo Sorrentino )
-The Fake (Yeun Sang-ho)
-The Wind Rises (Hayao Miyazaki)
-Abductee (Yûdai Yamaguchi)
-Wrong Cops (Quentin Dupieux)  CRÍTICA
-Machete Kills! (Robert Rodriguez)
-Stoker (Park Chan-wook)
-Bienvenidos al fin del mundo (Edgar Wright)
-Grand Piano (Eugenio Mira)
-La maldición de Chucky (Don Mancini)
-Los ultimos dias (Álex pastor, David Pastor)
-Rigor Mortis (Juno Mak)  CRÍTICA



Y mención especial también a lo más ridículo del año que, increíblemente, ha sido editado en DVD en España, incluso sus dos secuelas!!! Que mal está el mundo... pero reconozco que sus pósters son geniales: Rape Zombie (Naoyuki Tomomatsu,).