viernes, 30 de octubre de 2015

Encuentro con los fans del equipo de "Dragon Ball Z: La Resurrección de "F"", en el Salón del Manga


Con motivo del inminente estreno en cines españoles de la película Dragon Ball Z: La Resurrección de “F”, su director Tadayoshi Yamamuro y el productor de la misma Norihiro Hayashida, visitaron el Salón del Manga de Barcelona para promocionar la película. Uno de los actos promocionales más interesantes que tenían en la agenda fue uno que se hizo en la Sala de Actos 1 y que acogió a una multitudinaria presencia de público, un acto en que los fans asistentes pudieron aprovechar para preguntarles todo tipo de cosas sobre el mundo de Dragon Ball. Cabe decir que, personalmente, no me gustó el formato de la conferencia, ya que según qué tipo de preguntas de respuesta obvia que hacía el público, solo sirven para que las agujas del reloj avancen y perdamos todos el tiempo sin acabar de exprimir más jugo a dichos invitados. Pero bien, al fin y al cabo el evento no era para prensa y sí para fans.

(2o por la izquierda: Tadayoshi Yamamuro // 3o por la izquierda: Norihiro Hayashida )

En la conferencia se les hicieron muchas preguntas, y la mayoría sirvieron para desvelar cosas interesantes, como por ejemplo que próximamente habrá una nueva serie de Dragon Ball, y también para conocer un poco más la figura de Akira Toriyama. A continuación destaco las respuestas más remarcables de la conferencia:


Yamamuro: “De joven practicaba las artes marciales. Me gustaba mucho dibujar manga, y fue precisamente mi maestro quien me animó a dar el salto y dedicarme al mundo del anime. Fue entonces cuando tuve mi primer contacto con la obra de Toriyama, colaborando con Dr. Slump”.

Yamamuro: “He de reconocer que La resurrección de “F” es la película de Dragon Ball con más escenas de acción de todas. Para dibujar esas escenas me ayudó mucho mi experiencia en las artes marciales”.

Yamamuro: “He participado en todos los procesos creativos de Dragon Ball a lo largo de mi carrera, pero lo mejor es ser director. Hay más responsabilidad, y controlo el proyecto de principio a fin. Además, considero que un director tiene que conocer bien todas las partes de una producción, y eso me gusta”.

Yamamuro: “El capítulo que más me gusta de toda la saga de Dragon Ball es precisamente Dragon Ball Z: La Resurrección de “F”, porqué es la que más me ha costado”.

Yamamuro: “Freezer es mi personaje favorito”.

Hayashida: “Dragon Ball Super tendrá continuidad, y en esa continuidad se detallará más la historia de la Battle of Gods y la de Resurrection of “F”” .

Hayashida: “Si Dragon Ball Z Kai tuvo un parón de al menos 1 año entre la saga de Cell y Bu fue porqué había un contrato de 2 años entre Toei Animation y Fuji TV, y justo después de la saga de Cell ese contrato se finalizó. Es por eso que cuando renovamos el acuerdo pudimos seguir con la saga de Bu”.



Sobre Akira Toriyama:

Hayashida: “Toriyama ha colaborado en el diseño de los personajes, algo que no suele pasar nunca en una película de anime”.

Yamamuro: “Conocí a Toriyama. Es una persona tímida, mide 1'75, es de constitución fuerte, y cuando hace conferencias (no suele hacer casi nunca) aparece vestido en chándal o tejanos. Es una persona muy informal para estas cosas, pero para el trabajo es muy estricto”.

Hayashida: “Añadiendo a lo que dice Tadayoshi, me dijeron los de Shueisha [editorial propietaria de los derechos de Dragon Ball] que Toriyama tiene una casa inmensa, pero que su estudio no mide más de 15 m2”.

Hayashida: “La idea de recuperar a Freezer fue de Toriyama. Se ve que asistió a un concierto de Rock en Japón, y el grupo que tocaba tenía una canción que se titulaba “F”, algo que le hizo gracia y le inspiró para recuperar a Freezer”.

Hayashida: “En La resurrección de “F”, Krillin es fan de “One Piece”. Eso no es un detalle impuesto por Toei Animation, sino que ya en el guión original de Akira Toriyama se indicaba que el móvil de Krillin tenía que sonarle la música de “One Piece””.

Hayashida: “No se ha modificado nada del guión original de Toriyama. Eso sí, en las escenas de lucha había escrito en el guión “ánimos al equipo de Toei Animation””.



"Dragon Ball Super" tendrá una continuación


Noticia bomba la que se ha podido escuchar hoy, 30 de Octubre del 2015, en el Salón del Manga de Barcelona. Según ha revelado Norihiro Hayashida (productor de Dragon Ball Z: La Resurrección de “F”) durante su comparecencia ante los fans, en un futuro habrá más material de Dragon Ball Z.

En palabras textuales de Hayashida “Dragon Ball Super tendrá continuidad, y en esa continuidad se detallará más la historia de la Battle of Gods y la de Resurrection of “F””. Y de momento esas misteriosas palabras son lo único que conocemos, y seguramente así seguiremos un buen tiempo, ya que Dragon Ball Super aún se está emitiendo en Fuji TV (Japón) y ni tan siquiera ha llegado a su ecuador. Por si fuera poco, Dragon Ball Z: La Resurrección de “F” aún no se ha estrenado en cines en algunos países, por lo que ahora a Hayashida lo que más le preocupa es la campaña promocional de la película y su recaudación económica.

Lo que sí es cierto y ya puedo confirmar, es que este nuevo material de Dragon Ball será un largometraje, si es que nos fiamos de las palabras que el propio Hayashida dijo en una entrevista realizada a los compañeros de Ramen para dos.

Así que paciencia. En caso que haya novedades informaré al respecto.



Testimonio de Sadae Kasaoka, superviviente de Hiroshima


Parte de la programación del XXI Salón del Manga de Barcelona se dedicó al peligro atómico. Además de las distintas exposiciones sobre la Bomba Atómica que se podían ir visitando a lo largo de los 4 días del evento, en la Sala de Actos 2 del Salón se realizaron algunas conferencias relacionadas también sobre este tipo de armamento tan altamente destructivo y sus consecuencias nefastas. Una de las conferencias que se hicieron, seguramente la más interesante de todas, fue la que acogió a Sadae Kasaoka, una superviviente del desastre de Hiroshima. Su visita sirvió para que el público asistente al Salón pudiera escuchar su testimonio, su experiencia, y también sus pesadillas.


Fue duro, muy duro escuchar su relato. Actualmente en 2015 Sadae Kasaoka tiene 82 años, y tenía 12 cuando vivió de cerca la explosión, por lo que recuerda muy bien lo sucedido. Nunca habló de ello, igual como tantos otros por culpa del miedo que les provoca la idea de revivir aquella terrible experiencia y que nunca se borrará de su mente. Pero, para la señora Kasaoka, en el año 2000 todo cambió. Ese año, un colegio de primaria japonés le propuso hacer una conferencia a sus alumnos sobre sus recuerdos traumáticos, y dio un paso adelante y se decidió a hacerla. La experiencia le gustó tanto que hoy en día se dedica en cuerpo y alma a trasladar a las nuevas generaciones su relato.

A continuación cuelgo íntegramente su relato:


A las 08:15 de la mañana del 6 de Agosto de 1945 lanzaron una bomba atómica a la ciudad de Hiroshima por primera vez en la historia de la humanidad. La bomba estalló en el aire a unos 600 metros de la superficie terrestre, justo encima de una clínica, y actualmente a unos 400 metros del monumento Memorial de la Paz de Hiroshima.

Tras la explosión se formó una gran masa de gases en el aire. Ese día había 350.000 personas en la ciudad de Hiroshima, y más de 150.000 personas murieron antes del mes de Diciembre del mismo año. Yo entonces vivía con mis padres, y también con mi abuela (tenía 90 años) y hermanos (2 hermanos mayores, 1 menor, y 3 hermanas mayores) en una casa situada a unos 3 km del epicentro de la explosión. Mis hermanas estaban ya casadas; mi hermano mayor era Infante de marina y había muerto en la guerra; mi otro hermano mayor estudiaba en la escuela náutica de Kobe; y mi hermano menor cursaba el 5o año de primaria y por ello vivía en un templo fuera de la ciudad.

Durante la Guerra el Gobierno estableció un régimen de racionamiento de productos y por eso siempre nos faltaba comida, por lo que teníamos que vivir en la pobreza. No teníamos suficiente para comer ni alimentarnos. Teníamos que cocinar el arroz con 10 veces más cantidad de agua. Siempre teníamos hambre, y por eso también buscábamos hierbas comestibles para alimentarnos, y recuerdo que por eso mismo era feliz cada vez que mi hermano mayor traía comida de la base, como plátano o latas en conserva. El combustible era escaso también, así que teníamos que subir a la montaña para recoger leña.

Cuando cayó la Bomba Atómica yo tenía 12 años y estudiaba el 1r año de secundaria, pero en realidad no daban clases ni teníamos vacaciones, sino que teníamos que trabajar todos los días. Las pocas veces que íbamos a la escuela era para aprender a combatir con una lanza de bambú, y por ese motivo apenas pudimos estudiar. El día anterior de la bomba estuve cerca del epicentro, trabajando en el barrio de Otemachi, un trabajo que consistía en crear cortafuegos para los posibles incendios que pudieran provocar los bombardeos. El 6 de Agosto, día de la explosión, no trabajé y me quedé en casa. Hacía muy buen tiempo, por lo que mis padres para ir a ayudar a unos amigos que vivían a 1 km del epicentro. Recuerdo que la noche anterior volaban aviones enemigos encima de Hiroshima, y sonaron las sirenas antiaéreas varias veces y teníamos mucho miedo. Pero, sobre las 07:30 de la mañana, se anunció el fin de la alarma y me quedé tranquila pensando “ya está, ya no vendrán más”. Entonces lavé los platos del desayuno, luego tiré el agua a la calle, y finalmente entré a casa de nuevo. Caminé dirección al este, hacia una ventana que tiene unos 2 metros y medio, y de repente me dí cuenta que la ventana se volvió completamente roja, de un color muy bonito, como si se añadiera el color naranja al alba matinal. Justo un momento después los cristales se rompieron junto con un fuerte ruido y vinieron contra mí, y un viento me empujó hacia atrás obligándome a agachar. Después del impacto del viento sentí una presión muy fuerte en el pecho y me desmayé. Al despertarme, toqué mi cabeza y noté algo mojado, eran las heridas provocadas por los cristales, pero igualmente no sentía ningún dolor, solo pensé que tenía que huir rápido de allí, y por eso fui a buscar a mi abuela y nos dirigimos al refugio del barrio, bajo tierra. En el refugio encontramos algunos vecinos, pero al igual que nosotras tampoco sabían que estaba pasando. Cuando salí del refugio me di cuenta que mi casa estaba inclinada, que las tejas habían caído, y que habían trozos de pared rota por todos lados. Sobre las 09:00 salió un vecino hacia el centro de Hiroshima a ver qué pasaba, y al volver, su cara estaba completamente rosa por las quemaduras. Nos dijo que tras la explosión de luz, casi toda la ciudad había desaparecido. Al oírle, algunos padres decidieron ir a buscar a sus hijos que trabajaban en la zona del epicentro. Yo estaba preocupada por mis padres, pero con mi abuela no pude hacer nada. Más tarde empezó a caer una extraña lluvia negra.


Poco a poco la gente empezaba a regresar a casa, todos ellos con quemaduras muy graves por el cuerpo, por lo que tenían que ir al colegio, el lugar donde se improvisó un hospital. Yo seguía muy preocupada por mis padres, y por eso mi tío quiso ir al hospital a ver si mis padres se encontraban allí, pero no pudo acercarse, ya que el puente que nos comunicaba con aquella zona estaba incendiado. Respecto mi hermano mayor, ese día justo volvía en tren de Kobe hacia casa, y en cuando llegó por la tarde nos fuimos a buscar a nuestros padres al hospital, justo en el momento que se consiguió apagar el fuego del puente. Cuando llegó la noche, unos parientes nos dijeron que nuestro padre lo habían llevado a casa. Fuimos a casa, y al llegar vimos a una persona estirada y quieta allí dentro, pero no sabíamos si estaba viva. Su rostro estaba muy hinchado, sus ojos casi se le salían, sus labios estaban secos y agrietados como una granada, además, no llevaba nada de ropa. Su cuerpo estaba completamente negro. Solamente pude saber que era mi padre porqué a la hora de la explosión estaba con mi madre, y mientra agonizaba me pidió que fuera a buscarla. Para intentar aliviar su dolor, al no tener medicinas, utilizábamos pepinos y patatas ralladas como cataplasmas. Su cuerpo estaba muy caliente y se le secaba muy rápido, pero no podíamos hacer nada más, ya que si tocábamos la piel se desplegaba la parte negra y aparecía la carne viva. Estaba totalmente quemado, y no solo la piel, sino dentro del cuerpo también. Mi padre me pidió agua, pero no se la quise dar porqué escuché que si una persona quemada bebía agua le provocaría la muerte, pero ahora me arrepiento. A mi padre le gustaba mucho la cerveza, pero no podíamos comprarla porqué se consideraba como un artículo de lujo, pero aún así, mi madre hacía intercambio de arroz de racionamiento a cambio de cervezas, y las escondía en el trastero. Yo, al sentir que mi padre se estaba muriendo, fui al trastero, saqué una cerveza, le quité la chapa, e intenté dársela, pero ya no tenía fuerzas y no estuve a tiempo. Hoy en día lamento mucho no haber podido darle ese último placer. Yo solo pude abanicarle para aliviar el calor que sufría y asustar a las moscas que se le acercaban, y es que allí donde habían las heridas más graves y olía más mal se concentraban las moscas, y las larvas entraban y salían a su antojo. Después de la explosión las larvas se alimentaban del cuerpo humano y crecían en ellos hasta convertirse en moscas. Esto también es la Guerra.

Mientras mi padre estaba en casa, recuerdo que una vez fui al huerto a buscar líquido para mi padre, y allí encontré unos tomates rojos, los recogí en una cesta, y cuando me incorporé vi unos fantasmas. Su forma eran como de unos hombres blancos que desfilaban por las calles hacia el hospital militar, callados y con los brazos a la altura del pecho en los que se les desplomaban una especie de trapos en los brazos. En realidad eran personas, víctimas de la explosión y con unas heridas horribles. Lo que parecían trapos era la piel colgada, y tenían el cuerpo blanco cubierto por la ceniza.

Mi padre murió 2 días después del ataque preocupado por su mujer y sus hijos pequeños. Como había tanta gente que moría no pudimos utilizar el crematorio así que tuvimos que incinerarlo en la playa. El fuego era lento y tardó como unas 10 horas en acabar, pero era algo que hacían muchas otras familias. Aún recuerdo el mal olor que hacía la playa. Muchas amigas mías murieron también, ya que trabajaban en el centro. Unas querían ser profesoras, otras madres, y todas juntas siempre disfrutábamos hablando de nuestros deseos y sueños, pero una bomba atómica nos quitó todo eso, y el futuro, junto con sus vidas.

Justo cuando cayó la bomba había marea alta. Mucha gente entró al río en busca de agua y murió allí dentro, por lo que luego el río se llevó los cuerpos al mar. Los soldados recogían los cadáveres y se los llevaban a las afuera de Hiroshima, a Asaka. Ellos tuvieron que recoger muchos cadáveres, y como solo recibían órdenes no sabían tratarlos con respecto, por lo que entendí que la Guerra también cambió el buen corazón de la gente. Incluso los militares solo recogían los cuerpos que podían alcanzar, y en cambio dejaban abandonados los que les quedaban lejos del puerto. Insisto en que la Guerra nos cambió la buena voluntad.

Mi hermano nunca se desanimó y siempre iba a la zona del epicentro a buscar a mi madre, pero nunca la encontraba. Finalmente encontró su nombre en la lista de la escuela, concretamente en la lista de defunciones, indicando que había muerto el día 8 y que solo quedaban de ella algunos trozos de cabello y algún hueso, pero de todos modos nunca tuvimos la certeza de si realmente eran de ella o no. Hoy pienso que mi madre fue al río después de perder a mi padre e intentó volver hacia la zona donde se perdieron. Me duele cuando intento pensar en que mi madre quería volver a casa, sufriendo por las quemaduras, y preocupándose por nosotros.

Al año posterior a la explosión me salieron muchos granitos por el cuerpo. En mi brazo derecho tenía 3 agujeros grandes de los que no me paraba de salir pus. Normalmente cuando sale pus es señal que la herida ya está intentando curar, pero a mi simplemente me aparecieron 3 agujeros y que tardaron como medio año a curarse del todo. Y es que por aquel entonces nadie sabía que la bomba que había explotado era atómica, y por lo tanto la gente ignoraba el hecho de que había contaminación en el ambiente, solamente creíamos que era algún tipo de arma química. Después de cicatrizar los agujeros sufrí anemia durante bastante tiempo.

Después de perder a nuestros padres, mis hermanos y yo nos tuvimos que resignar a vivir una vida difícil. Lo peor de todo siempre fue volver a casa y no encontrar a mi madre recibiéndome con un cálido “hola”, y yo respondiéndole “qué tal madre?”, “cómo estás padre?”. Mi hermano mayor tuvo que dejar de estudiar y ponerse a trabajar. Mi hermana pequeña seguía a la escuela, y mi abuela nos cuidaba. Yo y mi hermano pequeño ayudábamos a mi abuela y hermana pequeña, recogiendo ostras en la playa para luego venderlas en las pescaderías, y así sobrevivimos aquellos primeros años.

Personalmente, pude terminar los estudios, pero sufrí muchas discriminaciones a la hora de buscar empleo y casarme. Muchos niños, al terminar la Guerra, volvieron a Hiroshima para encontrarse con sus padres, pero la realidad fue que aproximadamente unos 5.000 niños quedaron huérfanos, por lo que seguro, al igual que yo, no han tenido una vida fácil. Hoy cuando pienso en la Bomba Atómica se me caen las lágrimas, pero quiero vivir una vida larga en recuerdo de las víctimas, y dedicar mi tiempo a contar historias sobre ellos.

No necesitamos guerras, porqué las guerras traen infelicidad, y los que sufrirán más siempre son los más débiles, como los ancianos y los niños. La Bomba quemó Hiroshima en un instante, y se dijo que nunca más volvería a crecer la vegetación hasta al menos pasado 75 años, pero al poco tiempo de la explosión vimos que las plantas y las hierbas empezaban a brotar, algo que nos dio mucho ánimo. La naturaleza nos dio la fuerza, pudiendo así los supervivientes tener esperanza y seguir adelante, y fue de ese modo como la ciudad de Hiroshima tiró hacia adelante. Nuestra voz y fuerza son pequeñas pero entre todos podemos conseguir una voz más alta y una fuerza más grande.

El año posterior a la muerte de mi abuela me casé con un hombre que también era un superviviente de la bomba nuclear, y al igual que mi hermano, él también buscaba desesperadamente a sus padres en la ciudad, por lo que estuvo expuesto a una cantidad muy elevada de radiación. Cuando cumplió 33 años cogió cáncer de médula espinal y murió dos años después, con 35. Nuestros hijos tenían 5 y 2 años, y pudieron tener una nueva vida, una nueva vida que no podrían haber conseguido sin todas aquellas personas que nos ayudaron, y que hoy sigo sin olvidar.

Insisto, no necesitamos guerras, no deseo que nadie tenga una experiencia tan dura, con tanto sufrimiento y tristeza como nosotros. Me gustaría que el mundo estuviera en paz sin armas nucleares. ¿Entendéis mis deseos? Y otra pregunta, ¿Habéis oído hablar de Sadako Sasaki? Ella tenía 2 años cuando cayó la Bomba Atómica y al cabo de 10 años murió a causa de la radiación. Después de su muerte, sus compañeros de clase empezaron a recaudar fondos para construir un monumento de los niños y dedicado a la paz. Ese monumento finalmente se construyó, y no fue solo por las donaciones de los compañeros de Sadako, sino también por las de los adultos, y en general de todos los habitantes de Hiroshima., Es por ello, por la solidaridad entre unos y otros, que pudimos recaudar fondos para hacerlo posible. La llama de la paz está en el Memorial de la Paz, y se conservará hasta que desaparezcan las armas nucleares. Yo deseo desde el fondo de mi corazón la llegada de ese día.


Muchas gracias.”



Encuentro con los fans de Yokuse Asama, productor de "Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario"



Uno de los platos fuertes de la primera jornada del Salón del Manga, fue la conferencia ante el público de Yokuse Asama, un popular productor japonés partícipe en numerosas producciones de anime para la empresa Toei Animation (Saint Seiya, Dragon Ball, Capitán Harlock, Dr. Slump,...). Su visita se debe al reciente lanzamiento en DVD y Blu-Ray -entre otros packs para coleccionistas- por parte de la editorial Selecta Visión de la película Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario (Saint Seiya: Legent of Sanctuary, 2014), una obra que quiso homenajear el 25 aniversario del manga/anime de Masami Kurumada. La película pudo verse en el pasado Sitges 2014 y no pasó desapercibida por los fans del manga original de Masami Kurumada, sobretodo por el hecho que la imagen del filme se alejaba de la animación convencional para aventurarse al mundo del CGI.

Prefiero no entrar a valorar si el resultado global de Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario es bueno o malo, creo que ahora no toca. Más bien lo que me ocupa es recapitular todo lo que Yokuse Asama comentó respecto la producción de la película, en cómo se inició el proyecto, la relación de Toei Animation con el autor del manga Masami Kurumada, el estilo artístico de la película, e incluso el futuro próximo -y lejano- de Toei Animation respecto a Saint Seiya. Fueron unos 60 minutos de charla muy amena y rica en contenido y anécdotas, pero por desgracia la presencia del público no acompañó como debería haberlo hecho ante la presencia de uno de los pesos pesados de la industria del anime japonés, y esto es algo que la organización del Salón tendrá que reflexionar el “por qué”. En todo caso, para todos los que no pudieron asistir, el resultado fue el siguiente:


Soy feliz estando aquí presentando la película, porqué Toei Animation está contenta con el público español por su recepción de la obra”, dijo Yokuse Asama al iniciar la conferencia. Seguidamente los miembros de la editorial Selecta Visión aprovecharon la ocasión para presentar las novedades de “Los Caballeros del Zodíaco” para el presente Salón del Manga, y que no son pocas precisamente.

Una vez se presentaron los distintos formatos domésticos de la obra, trailer de la peli, y los ponentes de la conferencia, Asama fue al grano y comentó uno de los retos más importantes que ha tenido la producción de la película, como es el hecho de tener que adaptar los 73 capítulos del anime original en los 95 minutos que dura la película. Reconoció que no fue fácil, él es un gran amante del manga/anime original y se le hizo complicado conseguir un guión que explicara coherentemente los sucesos más relevantes de la serie en tan poco tiempo, pero cree que lo han conseguido. Dijo que Tomohiro Suzuki, guionista de la película, hizo un buen trabajo.

Seguidamente Asama, que es un gran amante del manga y anime, aprovechó para explicar como se aficionó a la obra de Kurumada. Dijo “Cuando la obra se publicaba en la revista Shonen Jump, concretamente la saga de las 12 Casas, fue cuando me aficioné al manga. Recuerdo que en la escuela todos jugábamos a ser un caballero de la serie, y cada uno tenía que ser el correspondiente a su constelación. Yo soy Acuario, y claro, cuando apareció en el manga el caballero Acuario, fuy muy feliz [risas]. Pero hoy en día aún me hace más feliz poder intervenir en aquella historia, es como un sueño hecho realidad. Y sin duda, el caballero Acuario era y sigue siendo my favorito [más risas]”.

Algo que parece ser que no ha acabado de convencer mucho a los fans de Saint Seiya, es que Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario utilice ese nuevo diseño de la imagen a base de CGI, un estilo artístico que ya se ha podido ver en recientes obras de la misma casa como fue Space Pirate: Captain Harlock. Algunso fans dicen que el resultado estético de la película se asemeja más a aquellas adaptaciónes al cine del videojuego “Final Fantasy” que a la esencia de Saint Seiya. Yokuse Asama comentó que “el uso del CGI no es una novedad en Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario, ya que en anteriores producciones de la saga ya se utilizó sutilmente esta técnica en algunos detalles. En todo caso, en esta ocasión, es cierto que su uso ha sido completo, y para nosotros toda una aventura. [...] A la hora de trabajar en la pre-producción comparamos mucho nuestra película con la de Shinji Aramaki (Space Pirate: Captain Harlock), y creamos centenares de diseños de personajes, estando años trabajando, hasta que nos decidimos. Nosotros, junto con el director de la película Keiichi Sato, queríamos plasmar con el CGI el máximo detalle de la serie televisiva respecto a los cabellos, ataques, expresiones, etc., pero nos dimos cuenta que era imposible. [...] Y sí, en el equipo técnico de la película hay gente que trabajó para las películas de Final Fantasy”.


También Yokuse Asama explicó los motivos por los que Shigayasu Yamauchi, director de anteriores películas de la saga, no ha dirigido esta vez Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario. Asama lo tuvo claro: “Keiichi Sato era la primera opción para dirigir la película. Como productor no tengo que escoger a un director por si anteriormente ha dirigido obras relacionadas con una misma firma, sino más bien tengo que escoger a la persona más indicada para el tipo de producción que sea. Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario no es una película de animación cualquiera, se ha realizado con CGI, por lo que Kaiichi Sato fue el escogido para dirigirla”.

Ya acabando, Yokuse Asama habló sobre la relación que tiene Masami Kurumada con Toei Animation, y más concretamente con su relación con la presente película. Contó que Kurumada siempre ha sido una persona muy cercana a Toei, y ahora nada ha cambiado. En Toei le quieren mucho, y en especial hay una muy buena relación con Kozo Morishita, el que hoy es vicepresidente de Toei Animation. Dijo Asama que “Hay una gran amistad entre Kurumada y Morishita. De hecho, cada año van 4 o 5 veces a tomar sake juntos. Fue precisamente en una de esas quedadas que me invitaron, y así, hablando entre amigos, es como se empezó a idear la película”. De ese modo, Asama deja claro que Kurumada ha dado siempre el visto bueno a las adaptaciones de Toei, y no ha sido menos en esta nueva -y polémica- aventura en CGI.

Por último, y reafirmando ese buenrollismo con Masami Kurumada, Yukuse Asama habló del futuro de Saint Seiya: “Actualmente hay bastantes proyectos de Saint Seiya en proceso, pero no puedo dar detalles de ninguno. Eso sí, prometo que en los próximos 3-5-10 años habrá más material de Saint Seiya”.



martes, 27 de octubre de 2015

Toc Toc (Knock Knock) - Eli Roth, 2015




TÍTULO ORIGINAL: Knock Knock
AÑO: 2015
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Eli Roth
GUIÓN: Eli Roth, Nicolás López, Guillermo Amoedo
MÚSICA: Manu Riveiro
FOTOGRAFÍA: Antonio Quercia
REPARTO: Keanu Reeves, Ana de Armas, Lorenza Izzo, Aaron Burns, Ignacia Allamand,Colleen Camp
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Chile; Dragonfly Entertainment / Sobras International Pictures



NOTA: 3







(Tot Toc)
-¿Quien es?
-Somos dos chicas que íbamos a una fiesta, pero la lluvia nos impide avanzar hacia nuestro destino. Vamos muy mojadas, podemos entrar a su casa y secarnos? También podemos usar el Facebook para comunicarnos con una amiga y avisarla?
-Por supuesto, entrad, conectaros a Internet, y de mientras voy llamando a un taxi.
-¡Gracias Señor! ¿Y ya de paso nos podemos quitar la ropa para secarnos mejor?
-¡Claro! Tengo una mujer y dos hijos, pero no pasa nada. Soy de piedra, no me inmuto! 
-¿Y si se la chupamos? 
-Uffff, adelante, sudad de taxis.


Más o menos esto es lo que ocurre en los primeros 30 minutos de Knock Knock (“Toc Toc” en su título español), la nueva película del inepto de Eli Roth (director de Hostel y The Green Inferno) y producida por el aún más inepto Nicolás López, así como también producida por ese talentoso director que vive en la sombra y que se llama Guillermo Amoedo, alguien que ya sorprendió anteriormente al público de Sitges con su opera prima The Stranger.

Knock Knock es una Home Invasion en toda regla, pero lo que sorprende de ella es que las invasoras sean mujeres (Ana de Armas y Lorenza Izzo) y la víctima un hombre (Keanu Reeves). Precisamente esta inversión de sexos a lo que suele ser habitual en los robos con violencia en hogares, es lo que empuja a presumir de un exceso de confianza al protagonista masculino de la película, algo que él mismo insinúa al inicio de la película con un comentario que dirige a las chicas y que ya daba en qué pensar “en el peor de los casos, si la cosa se pusiera fea, creo que podría con vosotras”, decía el muy chulo -y tonto- de Reeves. Una vez Reeves se suelta y se las folla apasionadamente en la ducha de su casa, al día siguiente ambas chicas aún siguen en la casa, y advierten a Reeves de algo que le cambiará radicalmente la cara de felicidad post-polvo. ¿Qué quieren exactamente esas dos chicas? Pues poco a poco en Knock Knock todo se irá complicando a base de torturas, vejaciones, violaciones (las mujeres al hombre, sí) y alguna muerte por en medio, ofreciendo así la película un interesante catálogo de situaciones de esas que atrapan al espectador por la alta intensidad de las imágenes.


Eso sí, Eli Roth con Knock Knock ha conseguido su peor película con diferencia. Si bien la idea está bien, aunque lejos de ser original, -de hecho la película se trata de un remake encubierto del un título español de 1980 titulado Viciosas al desnudo- su problema es que tiene un guión entre manos con las ideas demasiado dispersas, dudando constantemente en si hacer una película sobre dos mujeres psicópatas que torturan por placer a un hombre, o bien hacer una película sobre dos justicieras anti-hombres infieles -o anti-pedófilos incluso-. El resultado final no tienen ningún sentido, se cogen ideas de ambas posibilidades y ninguna de las dos acaba por ser mínimamente creíble, ya que actuar de un modo u otro implicaría utilizar un modus operandi distinto. Por ejemplo, hay un momento en la película en que intentan disimular un asesinato a base de enviar unos sms entre dos móviles para incriminar así a una tercera persona, pero mientras lo hacen, al mismo tiempo las dos chicas destrozan la casa, dejan sus huellas dactilares por todos lados -e incluso en el propio móvil que utilizan para los sms-, y por si fuera poco también se delatan a ellas mismas colgando en Internet un vídeo en el que aparecen haciendo....bueno, no haré spoilers. En todo caso, lo mejor que uno puede hacer es no tomarse en serio la historia de Knock Knock, porqué no tienen ningún sentido, mire por donde se mire. 

Tampoco las torturas y vejaciones son demasiado espectaculares, e incluso apenas hay sangre. Se nota que Roth ha trabajado con un presupuesto mucho menor de lo que está acostumbrado, aunque bien, parece no haber ahorrado nada para contratar a todo un Keanu Reeves para hacer de protagonista. Precisamente él, junto con el doblete de zorras hijas de perra formado por unas espectaculares Ana de Armas y Lorenza Izzo hacen un triplete buenísimo, que es sin duda de lo mejor de la película. Y para espectacular también los primeros 30 minutos de metraje, que consiguen desarrollar un clima de una carga sexual brutal a la vez que de una tensión constante con la idea de que en cualquier momento puede estallar la situación en cualquier cosa. Eso, para mí, sin duda ha sido lo mejor de la película, algo que habla por si solo en una obra en que deberían priorizarse los juegos del gato y el ratón, el cazador cazado, torturas molonas, y en sí una especie de Funny Games con su guión sólido y con sus tics de género; pero no, Knock Knock es una imbecilidad incoherente que está más obsesionada en lograr transmitir una leve crítica social a los usuarios facebook-adictos (una idea que Roth trabaja poco y muy mal), haciendo así de Knock Knock una película con las ideas demasiado dispersas.


No me viene de gusto ni alargarme. Knock Knock no tiene ningún sentido. Al menos me quedo con esos primeros 30 minutos dignos del mejor thriller erótico de esos que fueron tan populares a finales de los años 80 y principios de los 90, además de un “like” final que arrancará aplausos a cualquiera. Para todo lo demás, Mastercard.



TRAILER:



miércoles, 21 de octubre de 2015

La Bruja (The Witch) - Robert Eggers, 2015



DIRECTOR: Robert Eggers
GUIÓN: Robert Eggers
AÑO: 2015
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS:  Estados Unidos
MÚSICA: Mark Korven
FOTOGRAFÍA: Jarin Blaschke
REPARTO: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson,Ellie Grainger, Julian Richings
PRODUCTORA: Coproducción USA-Canadá-Reino Unido; A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures


NOTA: 10






Los rumores se han despejado y se ha mostrado la evidencia: The Witch es probablemente la mejor película de terror del año. Las críticas positivas que arrastraba de anteriores festivales como Sundance (premio a mejor director) y Toronto no eran un mero bluf comercial o ni siquiera un acto de pedantería fílmica, más bien al contrario, y es que quien se anime a ver The Witch notará con cierta facilidad ya desde su inicio que se enfrenta ante algo distinto, trabajado, y en sí de una categoría superior a la que el género de terror parece haberse acomodado últimamente con películas viscerales, masivas y accesibles. The Witch se aleja de todo ello para retroceder en el tiempo y recuperar la fórmula del viejo horror más sugerente que visual, expresivo y sintomático, cuidando hasta el más mínimo detalle.


Y en efecto, The Witch pide paciencia al espectador. Que nadie espere sangre (que la hay), brujas malvadas practicando aquelarres (que las hay), sustos de postproducción (alguno hay), ni nada explícito y visceral. La historia, situada en los Estados Unidos de 1630 (conocida en aquellos tiempos como Nueva Inglaterra), cuenta como una familia evangelista es expulsada de una comunidad a vagar por el bosque en busca de su suerte. Su nueva vida la desarrollarán en una vieja chabola junto con una granero, animales, y un pequeño huerto que debería servirles para recolectar comida y así conseguir sobrevivir de la hambruna en la que viven. Dicha familia, compuesta por un padre, madre, dos gemelos pequeños (niño y niña), una hija mayor, un hijo adolescente, y un bebé recién nacido, contemplan la religión católica como algo imprescindible en sus vidas, rozando el fanatismo incluso, y ruegan a Dios diariamente que les ayude a sobrevivir con el poco dinero que tienen, y, además, que la bruja que habita en el bosque les deje vivir en paz... La película significa la opera prima del director Robert Eggers.


Dicha historia parte de distintas leyendas folclóricas de lo que en aquella época aún no eran los Estados Unidos, sino pequeñas colonias de comunidades cristiano-católicas (es decir, de los rechazados de aquella Inglaterra anglicana), gente profundamente tradicional y supersticiosa, pobre también, así como aferrada por encima de todo a la fe. The Witch, en cuanto a esto, logra magistralmente representar el modelo de vida de aquellas colonias inglesas, así como también el argot utilizado por sus ciudadanos, algo que para todo aquél que domine el inglés rápidamente se dará cuenta que el léxico y el acento fonético no es contemporáneo. Además de eso, para configurar la historia, Eggers ha bebido de las leyendas que escribieron aquellas civilizaciones, que explicaban sus miedos más atávicos ante la naturaleza salvaje y en sí de todo aquello que desconocían.

Partiendo de esta base casi hiperrealista, The Witch dibuja una historia, como comentaba, nada visceral y sí muy expresiva. El bosque, la lluvia o también el viento, son elementos salvajes que hablan en la película como leit motiv del horror, de la incertidumbre, y en sí de la sospecha que todos esos elementos forman parte de un corpus de mal mayor, de una supuesta bruja siniestra que habita en el bosque. Lo cierto es que, y aquí está gran parte del éxito de The Witch, el espectador realmente no sabrá nunca si existe esa bruja, si realmente es ella que les hace la vida imposible, de si realmente se puede reencarnar, de si fue ella quien hizo desaparecer el bebé, y en sí de si realmente las fuerzas diabólicas harán la vida imposible a la familia de plebeyos. Ante esa duda, junto con la profunda fe a Dios y el temor a pecar, el miedo, y la sensación de amenaza, crean la desconfianza entre el grupo familiar, así como la demencia y la posesión de la irracionalidad, atribuyendo cada acto inexplicable a la brujería.


En cuanto a la fotografía de la película ésta es sublime, ya que sabe aproximarse en cada escena a las sensaciones más profundas de los protagonistas, utilizando en muchos tramos de la obra planos generales y duraderos, que junto con los elementos expresivos que utiliza reflejan muy bien la soledad junto con el siniestro. Además, viene reforzada por un uso del color muy pálido, que junto con una constante niebla y sensación de humedad que recarga la atmósfera, llega a agobiar incluso, y de ese modo se intensifica también la sensación de permanente intranquilidad y de amenaza. Además, Eggers está de lujo dirigiendo, milimetrando cada plano con tal de explotar la máxima expresividad, y no me tiempla el pulso si digo que The Witch es una de las películas con una de las atmósferas más recargadas y angustiosas que he visto jamás.

Seguramente muchos coincidirán que el principal -y seguramente único- punto débil de la película se encuentra en el tramo medio de la obra, que a mi modo de ver es algo dilatado y poco generoso a mostrar escenas con más verticalidad. Eso sí, no creo que Eggers fuera de todo mal encaminado, su resultado es muy compensado pese a que el metraje total sea algo excesivo, ya que sabe no caer en la trampa de la carne, o de introducir más escenas con la presencia de la bruja -que apenas aparece en momentos muy puntuales-, y en cambio él insiste a reforzar las relaciones y deterioramiento humano, a estirar el hilo de sus miedos y desesperación por encima de lo grotesco. Y es que The Witch es una película sobre la fe, y en como ésta puede dominarnos en mayor o menos medida según nuestra desesperación; aunque, que nadie piense lo contrario, porqué la presencia de la bruja existe y acojona como pocas veces se ha visto en otras películas del estilo.



TRAILER:


domingo, 18 de octubre de 2015

Green Room - Jeremy Saulnier, 2015



DIRECTOR: Jeremy Saulnier
GUIÓN: Jeremy Saulnier
AÑO: 2015
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Estados Unidos
FOTOGRAFÍA: Sean Porter
REPARTO: Patrick Stewart, Anton Yelchin, Imogen Poots, Alia Shawkat, Mark Webber, Taylor Tunes, Joe Cole, Brent Werzner, October Moore, Cody Burns, Mason Knight
PRODUCTORA: Broad Green Pictures / Film Science


NOTA: 8






Sin aliento dejará a cualquiera Green Room. Ella es una de las gratas sorpresas del ya extinto Sitges 2015, una película dirigida por un director llevado al cielo por todo el mundo tras realizar aquella joya titulada Blue Ruin, uno llamado Jeremy Saulnier. Y de colores sigue la cosa en Green Room, pero, vayamos por partes: ¿qué significa exactamente "green room"? Este concepto se refiere a aquella habitación en que los grupos de música reponen antes de un concierto, y que es precisamente el lugar donde sucederá gran parte de la acción de la película. En ella todo estallará cuando un grupo de música punk llamado Ain't Nice -que tocaba en un local neo-nazi-, acaba descubriendo por error el asesinato de una chica en la "green room" del local del concierto. A partir de allí, la situación se irá complicando por momentos.

(los Ain't Nice)

En Green Room destaca el alto calibre de las imágenes, sobretodo por la angustia que produce el hecho de explotar el 80% de la película dentro de un espacio cerrado sin ventanas, y con apenas 1 salida al exterior. En esa room, la “green” por así decirlo, es el lugar donde quedan encerrados los punks intentando refugiarse de la amenaza exterior que hay fuera de la habitación, una amenaza en forma de skinheads armados hasta los dientes con machetes, pistolas, cuchillos, y todo tipo de armas. Ante esta situación muchos identificarán Green Room como una obra muy influenciada por el Asalto a la comisaría del distrito 13 de John Carpenter, y van en lo cierto, porqué éste es un claro ejemplo de thriller de supervivencia con unos personajes luchando por sobrevivir desde un espacio cerrado. Y en efecto así es, porqué pese a quedar encerrados en esa habitación, los punks poco a poco verán como la situación se irá complicando y rápidamente las muertes no tardarán en llegar.

Lo que más me ha gustado de la película es que se trata de un divertimento propio de serie B que además de poder presumir de un brutal trabajo estético y mostrar algunas de las imágenes más contundentes del Festival, sabe trabajar muy bien a sus personajes, algo difícil de encontrar en este tipo de películas de consumo rápido. Green Room consigue no caer en el error de plantear personajes típicos de la serie B, completamente estereotipados y heroicos, sino más bien trabaja sus personajes de un modo más vertical, profundizando en sus matices, es decir, mostrando como van evolucionando tras las distintas situaciones que van viviendo, y de ese modo hacerles relucir mejor su humanidad o por el contrario, su irracionalidad. Y es que ni los buenos son tan buenos, ni los malos son tan malos, e incluso un simple y violento pitbul desgarrador de cuellos llega a sorprender en el tramo final de la película.

En cuanto al reparto me quedo con dos personajes. Por un lado destaca Darcy (Patrick Stuart), el mandamás de la banda neo-nazi y a la vez el principal villano de la película, pero por desgracia, un actor de su categoría parece bien perdido en Green Room, ofreciendo un personaje sin apenas carisma ni protagonismo. Mucho más convincente está una skingirl llamada Amber (Imogen Poots), una chica que ve presenciar en directo el asesinato de su amiga y que se unirá al grupo de punks en su superviviencia. La verdad es que la actriz Imogen Poots no destaca en Green Room por ser una actriz de grandes recursos artísticos, pero su interpretación es muy digna de ser recordada como chica dura y peleona, una femme fatale en toda regla que regalará al espectador alguna que otra escena de las que cuestan de olvidar, como la del cuter.

(Amber - Imogen Poots)


Así que nada, quien quiera ver una buena película de supervivencia, opresiva, llena de skinheads armados con machetes, mucha violencia y gore, además de una constante música punk-Oi! de fondo (y con un temazo que los que más se identifiquen con la escena seguro que reconocen), Green Room es la película perfecta. Entre mi top 5 del Sitges 2015.


jueves, 8 de octubre de 2015

Dragones orientales y dragones occidentales. Exposición en el Salón del Manga de Barcelona



El dragón Shenron y la leyenda de Sant Jordi. Oriente y Occidente. Dos formas de ver un mismo fenómeno mitológico: los dragones. El XXI Salón del Manga de Barcelona dedicará una amplia exposición centrada en los dragones más famosos de ambas culturas que han sido dibujados en mangas, cómics e ilustraciones. Dragones de papel: entre oriente y occidente es el nombre de la exposición que se encargará de mostrarnos las diferencias y coincidencias entre ambas culturas.

El dragón es una bestia mitológica que, curiosamente, se ha repetido en la cultura oriental y en la occidental, a pesar de haberse originado de forma independiente. De hecho, sus naturalezas no han podido ser más antagónicas, pero a lo largo del tiempo el dragón oriental se ha ido imbuyendo de características occidentales y viceversa.

El dragón oriental tiene un origen seguramente chino, y una naturaleza de animal más bien benevolente, representando la sabiduría, la benevolencia, la fuerza, así como la buena suerte. Son seres que casi siempre han ayudado al hombre. Por el contrario, el dragón occidental es principalmente un enemigo, el propio Satanás es descrito en la Biblia como el gran dragón.

El dragón oriental es un animal de agua, su medio natural, pero también es el portador de tormentas, vigilando los cielos y los ríos. En cambio, el dragón occidental es un animal de fuego, elemento que utiliza para sus maldades.

En esta exposición pretendemos enseñar las grandes diferencias que existen entre las nuestras culturas respecto a los dragones; de un ser que concede deseos como en Dragon Ball, a una leyenda donde la bestia secuestra princesas y tiene que aparecer Sant Jordi para darle muerte. Pero también hay semejanzas e intercambios, y cada vez se difuminan más las barreras que los separan.

(Dragón Shenron)

La muestra contará con la ilustración original de la portada de Danza de Dragones de Canción de Hielo y Fuego, diferentes páginas de cómics y mangas como Dragon Ball, Toriko, Inuyasha, Saint Seiya, Naruto, Magi o Bastard, que han mostrado los dragones en sus diferentes facetas, y donde podremos ver que, a menudo, las culturas se acaban mezclando.

La exposición Dragones de papel: entre oriente y occidente también relatará la especial relación existente en la cultura y mitología catalana con los dragones a través de la leyenda de Sant Jordi, además de una selección de fotografías que muestran dónde están presentes los dragones en la ciudad de Barcelona.



Mundo Caníbal (Ultimo mondo cannibale) - Ruggero Deodato, 1977



TÍTULO ORIGINAL: Ultimo mondo cannibale
AÑO: 1977
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Ruggero Deodato
GUIÓN: Tito Carpi (Historia: Renzo Genta, Gianfranco Clerici)
MÚSICA: Ubaldo Continiello
FOTOGRAFÍA: Marcello Masciocchi
REPARTO: Massimo Foschi, Me Me Lai, Ivan Rassimov, Sheik Razak Shikur, Judy Rosly,Suleiman, Shamsi
PRODUCTORA: Erre Cinematograsica S.r.l.


NOTA 7







Tres años antes que Ruggero Deodato cocinara su película más emblemática, Holocausto Caníbal, se vio envuelto de casualidad en una producción también perteneciente al subgénero mondo titulada Mundo Caníbal (Ultimo mondo cannibale, 1977). Dicha película, quizás menos popular que otras obras del subgénero pero no menos interesante, surgió precisamente tras el éxito del filme de culto de Umberto Lenzi rodado 5 años antes (1972) titulado El país del sexo salvaje (Il paese del sesso salvaggio, 1972), concibiéndose como una secuela directa. Por aquél entonces, Deodato, pese a haber dirigido ya otras obras, seguía siendo un novel en la industria a diferencia del largo recorrido que ya tenía Lenzi, por lo que hace sospechar que el hecho de que éste último no participara en la secuela pudiera ser por motivos económicos, pero quien sabe. En todo caso, Ruggero Deodato debutó con Mundo Caníbal en el cine de terror, con no menos fortuna que su predecesor.
La película sigue los esquemas habituales del mondo, tales como el hecho que un puñado de jóvenes se adentran en la selva amazónica (esta vez en la selva de Manila, pero eso es lo de menos), se pierden en ella, y una tribu de indígenas nativos les hará la vida imposible. En cuanto a esto, Mundo Caníbal no destaca por su originalidad. En todo caso sí es interesante de ver como Deodato aporta un estilo fresco a la dirección a través de algunos planos realmente bien trabajados, así como también concebir la selva y sus peligros naturales como un personaje más de la trama. La verdad es que se agradece el buen trabajo de fotografía empleado por MarceLlo Masciocchi, también en cuanto a rodaje de escenas con animales, que son abundantes y se nota que no han sido tomadas de un documental cualquiera, algo que aunque parezca mentira películas como La montaña del dios caníbal (La Montagna Del Dio Cannibale, 1978) sí hicieron sin ningún tipo de vergüenza.
La película está dividida en dos partes bastante diferenciadas. Una primera alberga la búsqueda de los protagonistas a su compañera, supuestamente perdida en la selva, hasta que uno de ellos (Massimo Foschi) acaba siendo capturado por la tribu de indígenas, siendo torturado, humillado, vejado, e incluso venerado por ser supuestamente la cena de la tribu. Una segunda parte, con más ritmo pero demasiado dilatada, consiste en la huida del protagonista junto con una mujer caníbal (Me Me Lai) que supuestamente retiene para que le guíe hasta donde se encuentra el avión con el que llegó a la selva. Sin duda esta última parte, basado en un tour de force la mar de entretenido, es la que explota todo el potencial gore de la película, a la vez que regala al espectador una bonita fotografía de parajes idílicos de la selva de Manila.


En cuanto a la contundencia de la película, Mundo Caníbal está perfectamente en la línea de otros filmes del mismo tipo. En ningún momento se preocupa por suavizar ciertas escenas, y momentos como el de las hormigas, o simplemente el “festín” de carne final, son un ejemplo de tener pocas manías. Tampoco las hay a la hora de mostrar las matanzas reales de animales que tan habituales eran en el mondo, esta vez tocándole pringar a un cocodrilo además de una anaconda y distintas aves.

Ya resumiendo, Mundo Caníbal es una película que pretende explicar al espectador cómo en un entorno natural -y por lo tanto salvaje-, solo impera el salvajismo. Es decir, adaptarse al entorno o morir, y es eso lo que el personaje interpretado por un brillante Massimo Foschi va experimentando a lo largo de la trama, como es su deshumanización, que cristaliza a partir del  momento que decide violar a una indígena. Los sentimientos, la tolerancia, el respeto,...todo se pierde cuando lo que de verdad importa es sobrevivir, comer y beber agua, llegando incluso a ser borrosa la línea que separa a los teóricamente buenos de los malos. Pero, digamos que, la cosa no va exactamente de buenos o malos, sino de fuertes y débiles, de comer o ser comido, y de aquí a que Deodato se obsesione en retratar la selva como un personaje más de la trama, ya que es claro instigador de la deshumanización de los personajes.
 El otro personaje destacable es Me Me Lai, la mítica actriz de origen brimano que participó en numerosas películas del subgénero mondo a lo largo de los 70, tales como la presente Mundo Caníbal y El país del sexo salvaje, además de participar también en 1980 de nuevo junto a Umberto Lenzi en la indigerible ¡Comidos Vivos! (Mangiati vivi!, 1980). Todas ellas luciendo sus pecho operados, y de ese modo demostrando ser la más creíble de las indígenas caníbales... je,je. Ahora en 2015, ya convertida como uno de los pocos iconos vivos que representan a este tipo de cine, se ha visto involucrada en un documental titulado Eaten Alive! The Rise and fall of the italian cannibal Film, un documental que pretenderá desvelar las claves del éxito del genero mondo en Italia así como su desaparición en los años 90, y que por si fuera poco visitará el Festival de Sitges a presentar la película.
(Me Me Lai)

¡Allí estaremos!

lunes, 5 de octubre de 2015

Defiende tu vida - Fight for your life, 1977



DIRECTOR: Robert A. Endelson
GUIÓN: Straw Weisman
AÑO: 1977
DURACIÓN: 82 min.
PAÍS: Estados Unidos
MÚSICA: Jeff Slevin
FOTOGRAFÍA: Lloyd Freidus
REPARTO: William Sanderson, Robert Judd, Catherine Peppers, Lela Small, Yvonne Ross,Reggie Rock Bythewood, Ramon Saunders,




NOTA: 7




 

A quien le diga que Defiende tu vida (Fight for your life, 1977) es una película para negros, seguro que me acusa de cualquier cosa poco halagadora. Pero así es, el cine Blaxploitation fue un cine muy popular a los años 70, un cine que buscó la manera de satisfacer a un target poco común en las salas de cine como era el afroamericano, habitualmente mostrado en el mundo del cine como sujeto discriminado dentro de una esfera social liderada por un hombre blanco. Digamos que, las Blaxploitations se trataban de una especie de rebeldía a la vez que reivindicación social y cultural, reflejando en sus historias los tópicos pero a la vez realidad social y existencial de aquellos ciudadanos afroamericanos que aún se consideraban como “de segunda” por aquellos tiempos. En ellas se explicaban historias situadas habitualmente en barrios pobres, llenas de familias humildes que pelean por sobrevivir en territorios controlados por las mafias, la delincuencia, la droga, y en sí todo aquello suele haber en los barrios marginados. Los géneros cinematográficos que acogían a estas películas los había de todo tipo, desde el cine de terror hasta la comedia.

Uno de los elementos más interesantes de las Blaxploitation eran las curiosas relaciones raciales entre los ciudadanos americanos, mostrándose a los negros bajo el sello “black power”, es decir, que los negros respondían al racismo blanco dando juego a los estereotipos habituales tanto de los ciudadanos blancos como de los negros, pero, y aquí está la gracia de este cine, representados de un modo heroico por parte de los negros y de inferioridad física-intelectual-sexual-etc. de los blancos. Por lo tanto, es un cine racista en toda regla, seguramente más vengativo que con mala fe, pero segregador al fin y al cabo. Así es Defiende tu vida, uno de los clásicos de las Blaxploitations de la época, y uno de los claros ejemplos de cine políticamente incorrecto.

La película es una Home Invasion en toda regla, dirigida por Robert A. Endelson en 1977 en lo que fue su opera prima (y única película de su carrera). Trata sobre unos delincuentes que escapan de la policía cuando éstos los trasladaban a otra cárcel de mayor seguridad, unos delincuentes que son un hombre blanco, un mexicano y un asiático –algo nada gratuito-. Por el camino, huyendo de la policía, los delincuentes se acabarán ocultando dentro de la casa de una humilde familia de raza negra compuesta por un pastor, su esposa, su hija, su hijo pequeño, y la abuela que se encuentra sentada en silla de ruedas.



Defiende tu vida se la puede relacionar con el cine Rape&Revenge, pero sin serlo exactamente pese a mostrarse una brutal violación en ella. Pero igualmente es un filme que muestra como tesis el mismo concepto que dicho subgénero, como es el del “ojo por ojo, diente por diente”, es decir, al derecho de vengarse al mismo precio de como se ha sido atacado, y en cuanto a ello la película es pura dinamita. Hoy en día aún sigue prohibida en distintos países, un detalle que evidencia que pese a los casi 40 años transcurridos ya desde su estreno en cines, su salud es envidiable en cuanto violencia, explicitud, y desvergoncería a la hora de mostrar una cantidad de detalles raciales continuos completamente sorprendentes e impensables de ver hoy en día, convirtiéndola así en un filme de culto para los más neófitos. 

Desde aquí animo a todos los que estén curados de espantos a que la vean. Es una película pequeña de bajo presupuesto, que considero que aún hoy se deja ver básicamente por ser un claro ejemplo de valentía y poco temor a la censura. Quien la vea por primera vez se encontrará ante un flujo continuo de vejaciones, palizas, amenazas, torturas psicológicas, violaciones, muertes, etc., que realizan los delincuentes a la pobre familia de negros, tales como se pueden ver en otras películas de la época como Trampa para un violador (Ruggero Deodato, 1980), pero a diferencia de ésta, existe -además de las referencias raciales- un interesante tramo final que invita a reflexionar sobre la justicia y el derecho a ajusticiar.


Por otro lado quisiera destacar que, al igual que la película de Ruggero Deodato, en Defiende tu vida también hay un carismático asesino, en este caso llamado Jessie Lee Kane (William Sanderson) que es un claro ejemplo de persona con complejo de inferioridad, pero que con la pistola en la mano es uno de los mayores hijos de puta que el cine nos ha regalado. Y sí, habéis leído bien, William Sanderson, más conocido por ser el creador de juguetes robots (J.F. Sebastian) en la película de culto Blade Runner (1982), también como Joe Monday en El último hombre (1996), o como Norman Blane en la serie The Twilight Zone (1988-89). Curiosamente Defiende tu vida fue su primera película, y pongo la mano al fuego que interpretando el papel más extremado de toda su carrera.



LO MEJOR: Su radicalidad tanto conceptual como gráfica, no hay vergüenza alguna a la hora de transmitir todo lo que se quiere transmitir. También me quedo con el final, por intentar alejarse un poco de los convencionalismos de este tipo de películas e invitar al espectador a reflexionar sobre lo que sucede en esos últimos 10 minutos de película.

LO PEOR: El esqueleto del guión es simple, por lo que probablemente el tramo medio de la película –basado en las simples y continuas vejaciones- pueda parecer aburrido por la repetición de esquemas.