martes, 14 de marzo de 2017

"Death Ward 13" tendrá al mítico guitarrista Doyle como villano



Es conocido por todos la vinculación que la banda musical Misfits ha tenido desde siempre con el cine de terror. Numerosas canciones de su repertorio hablan sobre películas clásicas del género, así como su propio logotipo de la calavera, que hace referencia al villano de la serie The Crimson Ghost de los años 40. Esta vinculación ha servido a la banda para participar también, esporádicamente, en algunas películas del género como Bruiser, e incluso que el mítico director George A. Romero les dirigiera su propio videoclip, con el tema Scream!. Pero, más allá de ésto, hay novedades al respecto.

Wolfang Doyle Von Frankenstein, conocido popularmente como Doyle, guitarrista de los mejores tiempos de la banda de horror punk Misfits y actualmente tocando en su propia banda musical, ha firmado un contrato para participar como villano en una película de terror, además de componer la música de la banda sonora. La película en cuestión es Death Ward 13, y parece ser que se inspira en un título de terror de 1973 titulado No miréis en el sótano (Don't Look in the Basement) además de una historia corta de Edgar Allan Poe titulada “The System of Doctor Tarr and Professor Fether” (1845). Actualmente la película se encuentra en fase de pre-producción por parte de la productora The Readmond Company, aunque de momento ya cuenta con un teaser poster y además se prevé estar finalizada este mismo año 2017. También está confirmado que el director de la película será Todd Nunes, un joven realizador americano que anteriormente hizo sus pinitos en el género con obras de poco relieve como All Through the House (2015).

Así que, fans de Doyle, preparaos para ver el físico imponente del guitarrista, junto a su Devilook, persiguiendo a sus víctimas. Recientemente Doyle dijo al respecto lo siguiente “Estoy deseando empezar mi carrera en el cine con un papel protagonista en Death Ward 13. Es hora de liberar a la bestia a la gran pantalla. Que empiece la muerte”. Por parte del director Todd Nunes, también dijo lo siguiente “Doyle encarnará a un asesino despiadado llamado The Duke -un psicópata y el personaje más retorcido de la película-. Soy un gran fan de Doyle y su música, y siempre pensé que él podría interpretar a un malvado villano de película de terror. Con su aspecto amenazante y su constitución masiva, este hombre asustará a la gentuza de todo el mundo. Preparaos para un paseo horrible!




FUENTE: The Sickest

lunes, 13 de marzo de 2017

Barcelona 92 - Ferran Ureña, 2015


DIRECTOR: Ferran Ureña
GUIÓN: Ferran Ureña
AÑO: 2015
PAÍS: Catalunya
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Maggie Genovese
REPARTO: José Luis Estudillo, Rafa Delacroix, Brian Gallardo, Jaume Najarro, Pep Gómez,Sonia Homar, Eric Zarauza, Clara Trevejo, Rocío Arbona, Mar Soler, Xavier Serrat,Claudia Martínez
PRODUCTORA: Vox Produccions


NOTA: 5









4 años de expectación al público son los que ha desatado un joven realizador barcelonés llamado Ferran Ureña con su ópera prima, titulada Barcelona 92. Esta es una película de ínfimo presupuesto que pretende dar vida a la situación de los barrios más marginales de la Barcelona post olímpica, que vivían completamente descuidados desde las instituciones y que vieron crecer en ellos a una juventud cada vez más atraída por la violencia.

Con presupuesto 0, y rodada en 4 largos años, Barcelona 92 es una película que navega entre el cinema verité, el documental, y el cine kinki, para elaborar una historia costumbrista sobre la vida de aquellos jóvenes violentos de principios de los años 90 que vivieron junto a sus hinchadas del Barça y del Español. Es, Barcelona 92, una película que no cuenta nada especialmente relevante, pero que en su discurso, explicado a través de 4 capítulos, se narran distintas situaciones protagonizadas por unos jóvenes con la intención de ofrecerle al espectador una serie de detalles propios de aquella etapa, casi a modo documental, detalles como la introducción de la pluralidad política en la grada azulgrana de Boixos Nois y sus consecuencias, la pasión por una escena musical en auge, las traiciones entre grupos ultras, las frecuentes peleas a determinados barrios, la estética propia de la época, o la conciencia de unos sujetos que viven un modelo de vida que nunca desearían para sus hijos, entre muchos otros detalles. Todo ello decorado con una estética escenográfica logradísima, cargada de artículos de prensa de la época, vestuario, banderas, e incluso escenografía de hace 25 años, que para tratarse de una película de presupuesto 0 demuestra haber tenido un brutal ejercicio neófito desde producción. El resultado en su conjunto demuestra que es una película con acabado profesional y con detalles plausibles, pero muy a mi pesar creo que Barcelona 92 no acaba de funcionar lo deseado, y el retrato costumbrista acaba rozando lo banal.


La idea y el trabajo de producción de la película insisto que me parece muy bueno, pero no lo es su ejecución. Ureña demuestra que se ha empapado de cinefilia y que sabe en todo momento lo que hace detrás de la cámara, dotando a las imágenes de un estilo documental a través de planos duraderos y estáticos que narran situaciones casuales que son más o menos inconexas entre ellas, pero que acaban siendo ordenadas a través de un montaje paralelo que teóricamente unifica el conjunto, motivo por el cual, inicialmente, da la sensación al espectador de un cierto “caos” narrativo. Estos fragmentos tienen como objetivo ofrecer al espectador un ejercicio de abstracción de detalles -digámosle “históricos”- propios del falso documental. De todos modos, Barcelona 92 no olvida su parte dramática y de ficción y aporta detalles que se agradecen y que algunos más cinéfilos detectarán, como es ese inicio y final con el programa de radio de “Radio Escaqueo”, propio de la película The Warriors (o de La Niebla de John Carpenter, es lo mismo), que mola y además aporta un toque intimista y underground a la propuesta -y sin olvidar también la escena de la paliza a un gitano propio de La naranja mecánica-. Simplemente, Ferran Ureña demuestra que con 4 duros se puede conseguir dar vida a una idea y tener un resultado completamente profesional. De este modo cinematográficamente profesional y atractivo, Barcelona 92 posee una historia explicada en callejones, por sus muchos implicados protagonistas, pero siempre sin pedantería ni discurso moral, con gente que tiene una cerveza a la mano y hace vida en la calle y que supuestamente vivió de frente la realidad que le envolvía, y ante esto, creo que la idea es cojonuda. Pero, de nada sirve cuando el conjunto de la narración no consigue sostener un ritmo que mantenga atento al espectador, una señal que algo falla, y en concreto pienso que hay 3 puntos clave que explican el desastre: Por un lado, a mi parecer, la película acumula un reparto de personajes excesivo que impide implicarnos en ninguno, y esto sin contar que algunos personajes aparecen y desaparecen de la historia sin apenas justificación. También hay a la película demasiadas escenas sin interés, con conversaciones entre personajes que no aportan esos detalles supuestamente documentales que deberían dar músculo al discurso de la película, además de otras que solo sirven para despistar al espectador de la trama principal. Y finalmente hay algunos personajes (como los de Brigadas Blanquiazules) quizás demasiado estereotipados, además de muchos otros carentes de cualquier carisma. Todo ello acaba haciendo daño a Barcelona 92, hace desconectar al público, y éste solo conecta con puntuales escenas de humor y con la pornografía, que no son más que esas escenas de peleas o macarrismo (o ese personaje al más puro estilo John Cobra de Brigadas), que precisamente deberían ser lo más secundario de la película.


Me duele decirlo, pero Barcelona 92 es una película fallida. Con sus luces, pero también sombras. Creo que lo más apropiado que podría hacer el director es intentar hacer un nuevo montaje e intentar dar un poco más de coherencia al hilo conductor de la trama principal, que trata sobre un apuñalamiento entre hinchadas y sus posteriores consecuencias, y así recortar distintas escenas poco sustanciosas para el conjunto del relato documental. Escenas como las de la rata no aportan absolutamente nada, más allá de la presencia femenina de Marina, una de las dos skingirls de la película (la xoni de Brigadas no cuenta). Además, con tal de reforzar ese trasfondo documental que posee (o quiere poseer) Barcelona 92, estaría bien aportar más imágenes de archivo que conecten con el relato de la película, tal y como ocurre al inicio y que tanto se agradece para situar al espectador. De este modo el público quizás conectaría más con la película, simplemente porqué ayudaría a su ejercicio por detectar esos detalles documentalisticos que posee el guión, y sería todo más cómodo, dinámico, enriquecedor y visualmente atractivo. Y no quisiera olvidarme también de la música, que pide un replanteamiento en la Banda Sonora, más que nada porqué escasea su presencia y cuando aparece da la sensación de algo forzada... algo falla.



En todo caso, Barcelona 92 tiene buenas intenciones y merece ser vista, ni que sea por aquellos seguidores de la escena ultra y skinhead catalana. Una película que habla sobre esa Barcelona underground, la que vivió descuidada en los barrios más empobrecidos dando aire a las tribus urbanas y a la violencia, y que se escenificó a través del fútbol. Es, Barceona 92, también, un ejercicio de recolecta impresionante de material de la época, al exponer todo tipo de vestuario de de hace 25 años, escenografía, pósters, banderas, recortes de prensa, etc., que demuestran una previa, profunda y correcta documentación (o no..., molaría abrir debate) de sus responsables. Y qué decir del maravilloso póster de la película... Es todo, al fin y al cabo, un discurso sobre las historias de ayer, hoy explicadas.



domingo, 12 de marzo de 2017

Shintaro Kago realiza retratos por encargo



Uno de los talentos en potencia que el manga más radical y underground del Japón actual, es sin duda Shintaro Kago. Nacido en 1969 puede presumir de ser hoy el digno sucesor mangakas de gran talento y trayectoria como son Suehiro Maruo o Usumaru Furuya, a través de obras tan impactantes por sus excesos desagradables e imaginación desbocada como son sus Cuadernos de Masacres o su extraordinaria Reproducción por Mitosis. Ya de paso, solo avisar que la editorial ECC Ediciones acaba de editar un nuevo manga del autor, llamado Fetus Collection.

Pero, en este post no me centraré en desgranar cada uno de los valores interesantes de la obra de Kago, sino que solo quiero informar de un negocio que ha reactivado el autor a través de su página web. Se trata de un negocio que años atrás ya inició junto a otros autores del mismo género, como el mencionado Usumaru Furuya y también Kana Ohtsuki, en que realizaban retratos distorsionados a personas con su sello macabro inconfundible. Ese negocio lo hicieron a través de una revista japonesa llamada Pocopoco, de Ohta Publishing, ofreciendo retratos personalizados a los clientes con un grandísimo detalle y trabajo artístico, por lo que el precio de cada dibujo se disparaba y llegaba a ascender a más de 2000€. Pero esto pertenece al pasado (sobre el 2014). En esta ocasión (2017) Shintaro Kago ofrece ahora al cliente interesado un tipo de retrato por encargo con menos trabajo artístico y por lo tanto mucho más accesible a nuestros bolsillos, pero siempre fiel a su estilo. La idea es que el cliente entregue a Sensei Kago una fotografía suya y luego escoja una de las 40 distorsiones que el autor ofrece a través de sus web. De este modo, Shintaro Kago realizará un dibujo retratando al cliente con la cabeza cortada, los sesos volando, o sin ojos, es decir, con cualquiera de las 40 salvajadas que ofrece el autor. En la web se pueden ver dos ejemplos de gente retratada bajo la mirada del Shintaro Kago, y hay que reconocer que el resultado es espectacular, no tiene nada que envidiar a una viñeta de cualquiera de sus mangas y además consigue mantener la semejanza con la fotografía original.


¿Cuanto vale un retrato? Pues menos de lo que podemos imaginar, si es que tenemos en cuenta el gran valor que tiene un trabajo como éste. El coste del dibujo son 55 dólares, y los gastos de envío varían entre los 9 y 22 dólares, dependiendo de si el cliente reside en Europa, Asia o América. En total, a un residente a Barcelona, con el método de envío más barato (“Shipping cost of Airmail”, que apenas tardaría en llegarle en 7-10 días), saldría a unos 58€. Por cierto, el método de pago es vía PayPal, y el autor puede tardar hasta 2 semanas en hacer el dibujo (según me informó vía email).


Creo que vale mucho la pena. Ésta es una oportunidad única para conseguir un retrato personal único, del autor de manga más único de la actualidad.



viernes, 3 de marzo de 2017

Bryan y Mary Talbot vuelven al Salón del Cómic para presentar sus novedades


(Foto de El Periódico)

El matrimonio formado por Bryan y Mary Talbot ha confirmado su participación en el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, tras ya hacerlo en 2015 para presentar su obra Sufragista. Bryan Talbot (Wigan, Lancashire, Reino Unido, 1952), considerado el padre de la novela gráfica británica, es un célebre dibujante de cómic y escritor británico galardonado en numerosas ocasiones. Por su parte Mary M. Talbot (Wigan, Inglaterra, 1954) es una académica de prestigio internacional que ha ocupado cargos académicos en educación superior durante más de veinticinco años en Inglaterra, Gales y Dinamarca, y además de guionista de cómic, también ha escrito poesía y relatos cortos.

Ambos trabajan juntos, y de sus 4 manos han aparecido obras con un denominador común identificable más allá de lo estético, como es el respeto por la historia inglesa y por el feminismo, muy palpable en sagas como la de Grandville o la reciente La virgen roja. Los dos vendrán a Barcelona para presentar novedades: por un lado presentarán un volumen integral de Las aventuras de Luther Arkwright (Atisbrerri Ediciones) y también la reciente: La virgen roja (Ediciones La Cúpula), biografía de la heroína francesa Louise Michel. Éste último es un cómic que, tal como viene siendo común en el corpus de su obra, vuelve a introducirse en la novela gráfica de rigor histórico, centrándose en una mujer extraordinaria que luchó en las barricadas, lideró un batallón femenino y llegó a vivir deportada en una colonia penal de Nueva Caledonia en la Francia del siglo XIX, siempre fiel al signo de la bandera negra y perseverante en sus ideales feministas.

Bryan y Mary Talbot vendrán al Salón invitados gracias a la colaboración de Astiberri Ediciones y Ediciones La Cúpula.




AUTORES: 

Bryan Talbot publicó su primer cómic en 1972 y trabajó en el cómic underground durante cinco años. En 1978 comenzó su saga Las aventuras de Luther Arkwright, cuya edición en tres volúmenes le valdría 8 nominaciones a los premios Eagle, de las que obtuvo cuatro premios. En 1982 empezó a colaborar en la revista 2000AD, para la que realizó la serie Nemesis the Warlock con el guionista Pat Mills, por la que ganó cuatro premios Eagle. También trabajó en Juez Dredd. Ha participado en series para DC Comics como Hellblazer, Sandman y The Nazz. Su novela gráfica Historia de una rata mala (Astiberri), originalmente publicada en 1994, obtuvo numerosos premios, entre ellos un Eisner, y en 1998 apareció en la lista de lecturas recomendadas de The New York Times. En 1999 se embarcó en El corazón del Imperio (Astiberri, 2003), continuación de Las aventuras de Luther Arkwright, que le valdría el premio Haxtur en 2003 y fue nominada a mejor obra extranjera en el Salón del Cómic de Barcelona de 2004. Esta saga ha sido recientemente publicada en formato integral. Su novela gráfica Alicia en Sunderland (2007), le valió nuevamente varias nominaciones a los premios Quill, Eagle, Harvey y Eisner. En 2009 empezó la serie Grandville, planteada en 5 tomos, de los que lleva realizados 4, todos ellos en Astiberri: Grandville (2013), Grandville Mon Amour (2013), Grandville Bête Noire (2015) y Grandville Noël (2015). En 2012 publica La niña de sus ojos (Ediciones La Cúpula), una novela gráfica, en parte libro de memorias y en parte biografía de la hija del escritor modernista James Joyce.


Mary M. Talbot por su parte, ha publicado varios libros sobre lenguaje, género y poder, sobre todo en relación con los medios de comunicación y la cultura de consumo. Su trabajo académico más reciente incluye una segunda edición de Language and Gender, un libro que continúa siendo popular entre los profesores universitarios y estudiantes de todo el mundo y Media Discourse: Representation and Interaction. La niña de sus ojos (2012), ilustrada por su esposo Bryan Talbot, fue su primera novela gráfica. Publicada por Ediciones La Cúpula, obtuvo el prestigioso Costa Book Award de ese año a la mejor biografía, siendo esta la primera vez que una novela gráfica consigue este premio. Su segunda novela gráfica Sally Heathcote. Sufragista (Ediciones La Cúpula), ilustrada en esta ocasión por Kate Charlesworth y Bryan Talbot, sigue la suerte de una empleada doméstica que se ve inmersa en el activismo feminista de la Inglaterra eduardiana, fue galardonada con el Premio a la mejor novela gráfica publicada en España en 2015 por el Gremio de libreros de Madrid. 



martes, 14 de febrero de 2017

I Am a Hero - Shinsuke Sato, 2015


DIRECTOR: Shinsuke Sato
GUIÓN: Kengo Hanazawa, Akiko Nogi
AÑO: 2015
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Japón
REPARTO: Yô Ôizumi, Masami Nagasawa, Kasumi Arimura, Miho Suzuki
PRODUCTORA: Toho Pictures




NOTA: 7 










De los títulos de cine de terror que me perdí en 2016, uno fue I Am a Hero. De nacionalidad japonesa, se trata de la adaptación a la gran pantalla en formato Live Action del manga de zombis ideado por Kengo Hanazawa de homónimo título, que arrasa en todo el mundo, y que personalmente desconozco, pero que su adaptación a la gran pantalla me ha convencido bastante. Desde aquí, y en adelante, me amotino a defender el que es, sin lugar a dudas, uno de los mejores títulos zombi de los últimos años, y que además le valió el premio del público y de mejores FX al pasado Festival de Sitges 2015.

Partiendo de la base que el género zombi vive en la actualidad el agotamiento más profundo en cuanto a fórmula debido a que no ha sabido encontrar la manera de reinventarse y ofrecer ideas frescas y renovadoras más allá de los “infectados”, hay que destacar que oriente ha conseguido recuperar recientemente a los muertos vivientes de un modo digno, a través de la coreana Train to Busan y la presente I Am a Hero. Pienso que la fuerza en ambas obras no reside tanto en la forma sino en el “como”, en la manera de explicar unas historias que destellan frescura en cuanto a localización y cultura más allá del buen hacer, al tratar temas que en occidente podemos empatizar pero que desde luego no sufrimos, como es la destrucción de la unidad familiar por causa de exceso laboral y la fe desmesurada en los sueños profesionales. I Am a Hero parte bastante de todo esto, de como un hombre de mediana edad que vive con su pareja y que se dedica a dibujar manga para una editorial de poca monta busca el éxito insistiendo en su sueño de ver serializada su obra, y consecuentemente arreglar sus problemas de pareja. El hecho de que no consiga el éxito es debido a que la historia que cuenta en su obra tiene como protagonista a alguien “demasiado normal” que pretende ser un héroe, es decir, que no deja de ser una representación del alter ego del propio Hideo Suzuki, el protagonista de la película. Pero, lo que Hideo (Yô Ôizumi) no sabe es que realmente acabará siendo él, con su escopeta de caza, quien deberá salvar el mundo ante los zombis para así convertirse en un héroe.


Detrás de esta metáfora de superación personal, hay una producción con bastante nivel. Producida por Toho Pictures, y dirigida por uno de los grandes del cine palomitero japonés actual, como es Shinsuke Sato (Gantz 1 y 2), la verdad es que se pueden ver destellos de buen hacer. En general, I Am a Hero es una película que va de más a menos, de la metáfora a lo convencional, siempre abrazando todos y cada uno de los estereotipos del cine zombi pero los dota de una resolución que, pese a no olvidar la agresividad propia del subgénero, su humor oriental los relativiza y hace relucir la imaginación, llegando a sorprender positiva y divertidamente en numerosas escenas. Para mí, la clave se encuentra en su protagonista, Hideo, que es alguien con el que se hace imposible no empatizar, porqué él sueña con salvar el mundo pero ni si quiera sabe como utilizar su propia arma; y es -insisto-, para mí, ésta humanidad de su protagonista el mayor acierto de la película.


Más allá de lo comentado, seguramente relucirá en I Am a Hero su final salvaje y con grandes dosis de sangre, que hará las delicias de cualquier amante de estas películas. Pero, sinceramente, yo prefiero quedarme con su arranque, con la escena de la novia de Hideo, o también con la escena de las oficinas, que son ambas para sacarse el sombrero, tanto por la lección de cine que ofrece al espectador Shinsuke Sato como por el clímax enfermizo del conjunto. Es un inicio bien rodado, visualmente muy potente, y sobretodo muy engrescador de cara a afrontar el resto de la película.

Lo que viene después son poco más de 2h de metraje que se hacen algo largas, sobretodo por su escena final, particularmente maratoniana y agotadora, que más que subir la adrenalina al espectador la acaba diluyendo, al no dejarle digerir lo que ve. Todo se convierte en más convencional, en el survival estricto, y que tampoco es algo que esté mal, ojo, pero aunque se diga que I Am a Hero es bastante fiel al manga a mi gusto hubiera preferido un desarrollo más acorde con su arranque. De todos modos, las escenas de acción están muy bien rodadas, y sobretodo me quedo con el hecho de que el director Sato controla los mecanismos del cine de terror a la perfección y planifica unas escenas que tienen muy en cuenta los fuera de campo, consiguiendo desarrollar situaciones terroríficas de ataques zombi que dan la sensación de amplitud escenográfica, a través de muchos extras, que aparecen de aquí, de allí, de todas partes, interviniendo desde cualquier lugar para así coger desprevenido al espectador. Esto mola, y a veces incluso acojona.


En general I Am a Hero es una película con un presupuesto generoso que se nota sobretodo en los complejos maquillajes de los zombis, los abundantes extras, y en cambio descuida extrañamente la escenografía, que es poco atractiva. Tampoco amaga una falta de cariño en su acabado final, que borraría de mi cabeza la sensación de que se trata de una producción de factura rápida para público mayoritario, al haber olvidado elementos tan amables para el espectador más exigente como son la música, guiños a otras películas, créditos originales, y sobretodo trabajar un poco más ese sueño del protagonista. Supongo que el convencionalismo en el que acaba cayendo la película basado en la lucha por la supervivencia de un grupo de personas ante los muertos vivientes, es algo que ya vemos a cada título zombi que se produce en cadena, y ésto a mí ya me aburre un poco. Es por esto que me quedo sobretodo con esa magia inicial basada en el sueño por la superación y la heroicidad de su protagonista, que hacía de I Am a Hero una propuesta mágica, casi juvenil, pero que tristemente se diluye poco a poco.


domingo, 5 de febrero de 2017

"¡Al Oeste, más hacia el Oeste!": Exposición dedicada a los viajes de Tintin



El intrépido reportero de Le Petit Vingtième recorre en sus aventuras los cinco continentes de la Tierra e incluso vuela al espacio exterior con destino a la Luna. El viaje exótico es uno de los grandes pilares de las narraciones de aventuras. Así, Tintín protagoniza unos apasionantes cómics que se inscriben dentro de una tradición literaria que ha sido desarrollada por grandes autores como Jules Verne, Robert Louis Stevenson, Emilio Salgari o Jack London. 1001 Associació Catalana de Tintinaires ha producido la exposición ¡Al Oeste, más hacia el Oeste! que se podrá ver en el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. La muestra será un recorrido por la geografía tintinóloga.

Los viajes comportan conocer el mundo y las diversas culturas y pueblos que la habitan. A través de Tintín, Hergé muestra un gran respeto por las culturas visitadas. Así, el joven reportero interactúa, hace amigos y se integra con entusiasmo, hasta el punto de vestirse como los locales y compartir mesa y costumbres con ellos. Tintín siempre intenta amoldarse y pasar desapercibido y nunca se comporta como un típico turista occidental altivo. En cuanto a los países que Tintín visita, Hergé tenía mucho cuidado de la ambientación. Por ello podemos considerar a Las Aventuras de Tintín como una especie de documental que recoge la realidad con bastante fidelidad.


En Las Aventuras de Tintín nada es inventado. Hergé, siempre fiel a su meticulosidad, buscará el paisaje y la situación que mejor correspondan a la historia y el lector podrá jugar a averiguar cuál ha sido la fuente de inspiración utilizada por el dibujante. Con esta muestra el visitante podrá comprobar cómo las ubicaciones que aparecen en los álbumes de Tintín están siempre inspiradas en lugares del mundo real.


 

miércoles, 25 de enero de 2017

Presentación del 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona



El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, que se celebrará del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril en Fira Barcelona Montjuïc, presentó el pasado lunes 23 de enero en la Escola Joso un avance de su programa. Carles Santamaria, director del certamen, explicó que ésta “es su edición más ambiciosa por su programa de actividades, superficie ocupada y por la cantidad y calidad de los participantes y colaboradores”, una noticia que viene siendo habitual cada año tanto en el Salón del Manga como en el del Cómic, un presagio de la gran salubridad de Ficomic. El Salón del Cómic ocupará este año un espacio de 50.000 metros cuadrados, un 10% más que el año pasado. En este acto también se ha presentado el cartel del certamen, obra del dibujante Jaime Calderón.


EXPOSICIONES

El programa de exposiciones incluye una muestra antológica dedicada a Will Eisner, el autor que creó la novela gráfica, y del que en 2017 se celebra el centenario de su nacimiento. Por otro lado el Salón del Cómic también celebra los 100 años de la revista TBO, a través de una gran muestra con 100 originales que descubrirá al público las mejores series y autores de la publicación, con un apartado dedicado a Josep Maria Blanco, ganador del Gran Premio del Salón de la pasada edición. El certamen producirá una exposición dedicada a la presencia de los aviones y los aviadores en el cómic, un género que cuenta con obras maestras como Steve Canyon, Buck Danny, Tanguy y Laverdure, Hazañas Bélicas, As de Pique o El piloto del Edelweiss. La espectacular escenografía contará con aviones reales de diferentes épocas que se enmarcarán dentro de los cómics a los que hacen referencia.


Los superhéroes también serán protagonistas con una muestra dedicada a aquellos personajes más pasados de vueltas. Superhéroes fuera de control es el título de la muestra que contará con 25 personajes que van desde Hulk a Harley Quinn, pasando por Masacre (popularizado como Deadpool por la película), Juez Dredd, la Máscara o Lobo. El director del certamen ha destacado también las muestras dedicadas a Fanhunter, la serie de cómic creada por Cels Piñol nacida en un fanzine y que también triunfa en los juegos de mesa; a los viajes de Tintín en colaboración con la Asociación 1001; la de Javi de Castro, ganador del premio al Autor Revelación de la pasada edición; y al fanzine Nimio. “Estamos trabajando en más exposiciones que iremos anunciando en las próximas semanas”, señaló Santamaría.



CARTEL DEL CERTAMEN

El dibujante Jaime Calderón, autor del cartel del 35 Salón internacional del Cómic de Barcelona, agradeció el encargo del cartel y la confianza depositada en él, explicando que, a partir del tema de la aviación, ya planteado de entrada, “he querido desligarlo un poco, a nivel gráfico, del contexto bélico, y darle un aire más épico, más aventurero. Pensé en la figura de las primeras aviadoras, como Amelia Earhart, y a partir de aquí fue cosa de buscar el encuadre y jugar con la escenografía del Salón del Cómic”. Desde LZM aplaudimos el cartel de este año, que nos resulta magnífico.



OBJETIVOS DEL SALÓN DEL CÓMIC

El presidente de FICOMIC, Patrici Tixis, destacó en su intervención que el objetivo es hacer “un Salón abierto para todos, que satisfaga a profesionales y aficionados, y que a la vez atraiga al gran público”. Patrici Tixis insistió que la finalidad última del Salón del Cómic “es la promoción del cómic para crear nuevos lectores”. Destacó en su intervención el crecimiento en el número de expositores, la incorporación de Nintendo como patrocinador, el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, así como la gran repercusión que tiene en los medios de comunicación y redes sociales.


PRIMEROS INVITADOS

Carles Santamaria, por su parte, también destacó la presencia de los autores extranjeros confirmados hasta el momento, que se irá ampliando en las próximas semanas: Bruno Gazzotti, Gina Alyse Wynbrandt, Kim Jung Gi, José Muñoz, Juan Padrón y Mauricio Vicent. Santamaria explicó que un año más, en la zona profesional, tendrán lugar los encuentros entre autores y editores extranjeros y nacionales. El director del certamen también destacó el hecho de que sea el Salón del Cómic de Barcelona el primer evento público donde se presente la consola Nintendo Switch. Nintendo es el patrocinador oficial del certamen. Otra novedad del Salón del Cómic es la incorporación del Taller de youtubers, donde el cómic y la cultura popular de masas tienen un lugar destacado. “La relación del cómic con el cine, la televisión y los videojuegos no para de crecer, porque los cómics son adaptados con gran éxito a diferentes medios, hecho que contribuye a su difusión”, concluyó Santamaria.

(Kim Jung Gi)


El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril de 2017 en los Palacios 1, 2.1, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.


La venta anticipada de entradas se iniciará el próximo 1 de febrero de 2017 exclusivamente desde www.ficomic.com.