martes, 14 de febrero de 2017

I Am a Hero - Shinsuke Sato, 2015


DIRECTOR: Shinsuke Sato
GUIÓN: Kengo Hanazawa, Akiko Nogi
AÑO: 2015
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Japón
REPARTO: Yô Ôizumi, Masami Nagasawa, Kasumi Arimura, Miho Suzuki
PRODUCTORA: Toho Pictures




NOTA: 7 










De los títulos de cine de terror que me perdí en 2016, uno fue I Am a Hero. De nacionalidad japonesa, se trata de la adaptación a la gran pantalla en formato Live Action del manga de zombis ideado por Kengo Hanazawa de homónimo título, que arrasa en todo el mundo, y que personalmente desconozco, pero que su adaptación a la gran pantalla me ha convencido bastante. Desde aquí, y en adelante, me amotino a defender el que es, sin lugar a dudas, uno de los mejores títulos zombi de los últimos años, y que además le valió el premio del público y de mejores FX al pasado Festival de Sitges 2015.

Partiendo de la base que el género zombi vive en la actualidad el agotamiento más profundo en cuanto a fórmula debido a que no ha sabido encontrar la manera de reinventarse y ofrecer ideas frescas y renovadoras más allá de los “infectados”, hay que destacar que oriente ha conseguido recuperar recientemente a los muertos vivientes de un modo digno, a través de la coreana Train to Busan y la presente I Am a Hero. Pienso que la fuerza en ambas obras no reside tanto en la forma sino en el “como”, en la manera de explicar unas historias que destellan frescura en cuanto a localización y cultura más allá del buen hacer, al tratar temas que en occidente podemos empatizar pero que desde luego no sufrimos, como es la destrucción de la unidad familiar por causa de exceso laboral y la fe desmesurada en los sueños profesionales. I Am a Hero parte bastante de todo esto, de como un hombre de mediana edad que vive con su pareja y que se dedica a dibujar manga para una editorial de poca monta busca el éxito insistiendo en su sueño de ver serializada su obra, y consecuentemente arreglar sus problemas de pareja. El hecho de que no consiga el éxito es debido a que la historia que cuenta en su obra tiene como protagonista a alguien “demasiado normal” que pretende ser un héroe, es decir, que no deja de ser una representación del alter ego del propio Hideo Suzuki, el protagonista de la película. Pero, lo que Hideo (Yô Ôizumi) no sabe es que realmente acabará siendo él, con su escopeta de caza, quien deberá salvar el mundo ante los zombis para así convertirse en un héroe.


Detrás de esta metáfora de superación personal, hay una producción con bastante nivel. Producida por Toho Pictures, y dirigida por uno de los grandes del cine palomitero japonés actual, como es Shinsuke Sato (Gantz 1 y 2), la verdad es que se pueden ver destellos de buen hacer. En general, I Am a Hero es una película que va de más a menos, de la metáfora a lo convencional, siempre abrazando todos y cada uno de los estereotipos del cine zombi pero los dota de una resolución que, pese a no olvidar la agresividad propia del subgénero, su humor oriental los relativiza y hace relucir la imaginación, llegando a sorprender positiva y divertidamente en numerosas escenas. Para mí, la clave se encuentra en su protagonista, Hideo, que es alguien con el que se hace imposible no empatizar, porqué él sueña con salvar el mundo pero ni si quiera sabe como utilizar su propia arma; y es -insisto-, para mí, ésta humanidad de su protagonista el mayor acierto de la película.


Más allá de lo comentado, seguramente relucirá en I Am a Hero su final salvaje y con grandes dosis de sangre, que hará las delicias de cualquier amante de estas películas. Pero, sinceramente, yo prefiero quedarme con su arranque, con la escena de la novia de Hideo, o también con la escena de las oficinas, que son ambas para sacarse el sombrero, tanto por la lección de cine que ofrece al espectador Shinsuke Sato como por el clímax enfermizo del conjunto. Es un inicio bien rodado, visualmente muy potente, y sobretodo muy engrescador de cara a afrontar el resto de la película.

Lo que viene después son poco más de 2h de metraje que se hacen algo largas, sobretodo por su escena final, particularmente maratoniana y agotadora, que más que subir la adrenalina al espectador la acaba diluyendo, al no dejarle digerir lo que ve. Todo se convierte en más convencional, en el survival estricto, y que tampoco es algo que esté mal, ojo, pero aunque se diga que I Am a Hero es bastante fiel al manga a mi gusto hubiera preferido un desarrollo más acorde con su arranque. De todos modos, las escenas de acción están muy bien rodadas, y sobretodo me quedo con el hecho de que el director Sato controla los mecanismos del cine de terror a la perfección y planifica unas escenas que tienen muy en cuenta los fuera de campo, consiguiendo desarrollar situaciones terroríficas de ataques zombi que dan la sensación de amplitud escenográfica, a través de muchos extras, que aparecen de aquí, de allí, de todas partes, interviniendo desde cualquier lugar para así coger desprevenido al espectador. Esto mola, y a veces incluso acojona.


En general I Am a Hero es una película con un presupuesto generoso que se nota sobretodo en los complejos maquillajes de los zombis, los abundantes extras, y en cambio descuida extrañamente la escenografía, que es poco atractiva. Tampoco amaga una falta de cariño en su acabado final, que borraría de mi cabeza la sensación de que se trata de una producción de factura rápida para público mayoritario, al haber olvidado elementos tan amables para el espectador más exigente como son la música, guiños a otras películas, créditos originales, y sobretodo trabajar un poco más ese sueño del protagonista. Supongo que el convencionalismo en el que acaba cayendo la película basado en la lucha por la supervivencia de un grupo de personas ante los muertos vivientes, es algo que ya vemos a cada título zombi que se produce en cadena, y ésto a mí ya me aburre un poco. Es por esto que me quedo sobretodo con esa magia inicial basada en el sueño por la superación y la heroicidad de su protagonista, que hacía de I Am a Hero una propuesta mágica, casi juvenil, pero que tristemente se diluye poco a poco.


domingo, 5 de febrero de 2017

"¡Al Oeste, más hacia el Oeste!": Exposición dedicada a los viajes de Tintin



El intrépido reportero de Le Petit Vingtième recorre en sus aventuras los cinco continentes de la Tierra e incluso vuela al espacio exterior con destino a la Luna. El viaje exótico es uno de los grandes pilares de las narraciones de aventuras. Así, Tintín protagoniza unos apasionantes cómics que se inscriben dentro de una tradición literaria que ha sido desarrollada por grandes autores como Jules Verne, Robert Louis Stevenson, Emilio Salgari o Jack London. 1001 Associació Catalana de Tintinaires ha producido la exposición ¡Al Oeste, más hacia el Oeste! que se podrá ver en el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. La muestra será un recorrido por la geografía tintinóloga.

Los viajes comportan conocer el mundo y las diversas culturas y pueblos que la habitan. A través de Tintín, Hergé muestra un gran respeto por las culturas visitadas. Así, el joven reportero interactúa, hace amigos y se integra con entusiasmo, hasta el punto de vestirse como los locales y compartir mesa y costumbres con ellos. Tintín siempre intenta amoldarse y pasar desapercibido y nunca se comporta como un típico turista occidental altivo. En cuanto a los países que Tintín visita, Hergé tenía mucho cuidado de la ambientación. Por ello podemos considerar a Las Aventuras de Tintín como una especie de documental que recoge la realidad con bastante fidelidad.


En Las Aventuras de Tintín nada es inventado. Hergé, siempre fiel a su meticulosidad, buscará el paisaje y la situación que mejor correspondan a la historia y el lector podrá jugar a averiguar cuál ha sido la fuente de inspiración utilizada por el dibujante. Con esta muestra el visitante podrá comprobar cómo las ubicaciones que aparecen en los álbumes de Tintín están siempre inspiradas en lugares del mundo real.


 

miércoles, 25 de enero de 2017

Presentación del 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona



El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, que se celebrará del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril en Fira Barcelona Montjuïc, presentó el pasado lunes 23 de enero en la Escola Joso un avance de su programa. Carles Santamaria, director del certamen, explicó que ésta “es su edición más ambiciosa por su programa de actividades, superficie ocupada y por la cantidad y calidad de los participantes y colaboradores”, una noticia que viene siendo habitual cada año tanto en el Salón del Manga como en el del Cómic, un presagio de la gran salubridad de Ficomic. El Salón del Cómic ocupará este año un espacio de 50.000 metros cuadrados, un 10% más que el año pasado. En este acto también se ha presentado el cartel del certamen, obra del dibujante Jaime Calderón.


EXPOSICIONES

El programa de exposiciones incluye una muestra antológica dedicada a Will Eisner, el autor que creó la novela gráfica, y del que en 2017 se celebra el centenario de su nacimiento. Por otro lado el Salón del Cómic también celebra los 100 años de la revista TBO, a través de una gran muestra con 100 originales que descubrirá al público las mejores series y autores de la publicación, con un apartado dedicado a Josep Maria Blanco, ganador del Gran Premio del Salón de la pasada edición. El certamen producirá una exposición dedicada a la presencia de los aviones y los aviadores en el cómic, un género que cuenta con obras maestras como Steve Canyon, Buck Danny, Tanguy y Laverdure, Hazañas Bélicas, As de Pique o El piloto del Edelweiss. La espectacular escenografía contará con aviones reales de diferentes épocas que se enmarcarán dentro de los cómics a los que hacen referencia.


Los superhéroes también serán protagonistas con una muestra dedicada a aquellos personajes más pasados de vueltas. Superhéroes fuera de control es el título de la muestra que contará con 25 personajes que van desde Hulk a Harley Quinn, pasando por Masacre (popularizado como Deadpool por la película), Juez Dredd, la Máscara o Lobo. El director del certamen ha destacado también las muestras dedicadas a Fanhunter, la serie de cómic creada por Cels Piñol nacida en un fanzine y que también triunfa en los juegos de mesa; a los viajes de Tintín en colaboración con la Asociación 1001; la de Javi de Castro, ganador del premio al Autor Revelación de la pasada edición; y al fanzine Nimio. “Estamos trabajando en más exposiciones que iremos anunciando en las próximas semanas”, señaló Santamaría.



CARTEL DEL CERTAMEN

El dibujante Jaime Calderón, autor del cartel del 35 Salón internacional del Cómic de Barcelona, agradeció el encargo del cartel y la confianza depositada en él, explicando que, a partir del tema de la aviación, ya planteado de entrada, “he querido desligarlo un poco, a nivel gráfico, del contexto bélico, y darle un aire más épico, más aventurero. Pensé en la figura de las primeras aviadoras, como Amelia Earhart, y a partir de aquí fue cosa de buscar el encuadre y jugar con la escenografía del Salón del Cómic”. Desde LZM aplaudimos el cartel de este año, que nos resulta magnífico.



OBJETIVOS DEL SALÓN DEL CÓMIC

El presidente de FICOMIC, Patrici Tixis, destacó en su intervención que el objetivo es hacer “un Salón abierto para todos, que satisfaga a profesionales y aficionados, y que a la vez atraiga al gran público”. Patrici Tixis insistió que la finalidad última del Salón del Cómic “es la promoción del cómic para crear nuevos lectores”. Destacó en su intervención el crecimiento en el número de expositores, la incorporación de Nintendo como patrocinador, el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, así como la gran repercusión que tiene en los medios de comunicación y redes sociales.


PRIMEROS INVITADOS

Carles Santamaria, por su parte, también destacó la presencia de los autores extranjeros confirmados hasta el momento, que se irá ampliando en las próximas semanas: Bruno Gazzotti, Gina Alyse Wynbrandt, Kim Jung Gi, José Muñoz, Juan Padrón y Mauricio Vicent. Santamaria explicó que un año más, en la zona profesional, tendrán lugar los encuentros entre autores y editores extranjeros y nacionales. El director del certamen también destacó el hecho de que sea el Salón del Cómic de Barcelona el primer evento público donde se presente la consola Nintendo Switch. Nintendo es el patrocinador oficial del certamen. Otra novedad del Salón del Cómic es la incorporación del Taller de youtubers, donde el cómic y la cultura popular de masas tienen un lugar destacado. “La relación del cómic con el cine, la televisión y los videojuegos no para de crecer, porque los cómics son adaptados con gran éxito a diferentes medios, hecho que contribuye a su difusión”, concluyó Santamaria.

(Kim Jung Gi)


El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril de 2017 en los Palacios 1, 2.1, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.


La venta anticipada de entradas se iniciará el próximo 1 de febrero de 2017 exclusivamente desde www.ficomic.com. 


sábado, 14 de enero de 2017

La Casa del Terror (Don't Go in the House) - Joseph Ellison, 1979


TÍTULO ORIGINAL: Don't Go in the House
AÑO: 1979
DIRECTOR: Joseph Ellison
GUIÓN: Joseph Ellison, Ellen Hammill, Joe Masefield
DURACIÓN: 82 min.
PAÍS Estados Unidos
MÚSICA: Richard Einhorn
FOTOGRAFÍA: Oliver Wood
REPARTO: Dan Grimaldi, Darcy Shean, Robert Osth, Ruth Dardick, Charles Bonet, Bill Ricci,Dennis Hunt, John Hedberg, Johanna Brushay
PRODUCTORA: Turbine Films Inc.


NOTA: 6







De vez en cuando vale la pena echar la mirada atrás y recuperar alguno de aquellos títulos que por el motivo que fuera dejaron su huella en el género. Recientemente recuperé La Casa del Terror, gracias a la nueva edición en DVD de la distribuidora La Casa del Cine, una edición básica que aporta un nuevo master digitalizado que garantiza una buena calidad de imagen, pese a que se trata de un montaje censurado al que le faltan 3 minutos de película. Una pena. En todo caso, un filme con la polémica que tuvo en su día como el presente, merece su momento de gloria en este blog.

La Casa del Terror, titulada originalmente Don't Go in the House, es una película de 1979 que trata sobre un asesino en serie que secuestra mujeres atractivas para luego quemarlas vivas en su casa. Más allá del aparente y repetitivo -argumentalmente hablando- slasher, La Casa del Terror es una película que aporta un punto de vista original al origen de la psicopatía, enfundándole un posible origen paranormal a lo que tantas y tantas veces ha servido para justificar los actos de los asesinos en serie en el slasher de los 80, como son “las voces” que dicen oir y que les empuja a matar. Más allá de este detalle, el filme en cuestión es un slasher poco común en el que un asesino en serie es el protagonista, muy en la linea de la inmediata Maniac (1980), de la cual comparten muchos parecidos en la historia. Temas como la agorafobia y la soledad, los complejos de inferioridad, así como el drama y consecuencias de los abusos de una madre a su hijo, son temas centrales en una obra que se preocupa en desgranar una psique aberrada como la del protagonista asesino, y no tanto por recrearse en un extenso bodycount plagado de escenas sangrientas.


La película está escrita y dirigida por un tal Joseph Ellison, y tiene como protagonista asesino al actor Dan Grimaldi (Patsy Parisi en Los Soprano), en la que fue para ambos su primera película. Muy lejos de ser un desastre, en La Casa del Terror hay como lugar de atención una casa que recrea un submundo lleno de escaleras y habitaciones, y que no sé si es a consciencia o qué, pero los fallos de raccord en el montaje consiguen hacer de la casa un lugar sin salida, imposible de hacer situar el espectador, probablemente como la propia psique del asesino. Una psique que además empuja al asesino a tener visiones terroríficas sobre la verdad que le rodea, y que junto a unos efectos de sonido justos y muy precisos, hoy en día aún consiguen hacer su efecto aterrador. También hay que destacar las voces de origen desconocido que oye el asesino y le empujan a actuar, así como de la presencia controladora e imperativa de la madre, que no es más que un cuerpo putrefacto sentado en el sofá de comedor. Todo en su conjunto, la casa es un submundo ideal para un psicópata, en el que se genera un clima de locura y sordidez.

Lo peor de la película es sin duda su ritmo narrativo, algo que yo siempre suelo darle mucha importancia. Con un inicio prometedor y altamente violento (ojito con esa primera muerte que causó tanta controversia en su momento y le costó al filme hasta 3 minutos de censura), poco a poco se va desinflando el souflé para entrar en un terreno de lucha personal del asesino para poder parar las muertes y corregir lo que él considera defectuoso de su conducta, recurriendo el protagonista incluso a un cura. Sin duda ese tramo decae mucho y se convierte en aburrido, no tanto por el echo que desaparezcan los asesinatos, sino porqué esa lucha tipo yin-yang no está bien nivelada, digámosle, por las fuerzas del bien, y no consigue la película una fuerza dramática potente. Tampoco ayuda un Dan Grimaldi que como actor aún estaba muy verde. Luego la violencia vuelve a su nivel inicial llegando a un final muy meritorio y completamente enfermizo, y además se desvela el trágico acto infantil que desencadenó los posteriores abusos por parte de la madre.



La Casa del Terror es una película que merece ser recuperada y reconsiderada por muchos, y ahora es un buen momento debido a su reciente edición en DVD pese a sus 3 minutos de censura. Una obra sobre la psique de un asesino en serie y no tanto un slasher, en el que un drama personal desemboca en una espiral de demencia y muerte en donde la brutalidad coge cotas altísimas, todo localizado en una vieja casa aislada que representa el caos que sufre una mente aberrada. Además, ese posible origen paranormal que induce al psicópata a asesinar es un detalle interesante, y no negaré que inquieta.



sábado, 31 de diciembre de 2016

Las 10 mejores películas del 2016

Finaliza el 2016 y esto implica hacer balance de las películas que se han podido ver tanto en salas de cine como en los distintos festivales. Como cada año, haré una lista con las 10 películas que más me han gustado de las que estén relacionadas con el género de terror, o si más no que frontericen con él, dejando así al margen otras producciones que pertenecen a otros géneros y que de bien seguro otros blogs y webs ya se encargarán de sacar a flote.

Por un lado debo reconocer que no ha sido fácil escoger 10 películas. Por suerte el 2016 ha sido un año muy fértil en cuanto a cine de terror, y no solo eso, sino que de esa fertilidad ha habido poca secuela prescindible y remake absurdo. También están aflorando nuevos realizadores como Julia Ducournau, Ilya Naishuller o Babak Anvari, que de bien seguro serán el futuro del género, y eso sin olvidar que otros muchos como André Ovredal, Yeon Sang-ho, Na Hong-jin, Fede Alvarez o Denis Villenueve se consolidan en él. Incluso los directores catalanes Jaume Collet-Serra y Carles Torrens se apuntan a la movida. Todo en su conjunto es fantástico el cambio generacional.

Otras muchas películas no han optado a entrar en el listado simplemente porqué no las he podido ver aún, como son The BoyI am a heroYoga HosersHushMelanieShin GodzilaAntiporno o The Conjuring 2, entre muchas otras. A continuación os dejo el Top 10 junto con una pequeña argumentación de mis decisiones. El listado también está ordenado por orden cualitativo.

Y ya solo me queda pedir que el 2017 sea igual de generoso que el 2016. ¡Feliz año nuevo!



1) The Autopsy Jane Doe
Para mí, la mejor película de terror del 2016. Una película que aprovecha uno de los grandes morbos de la humanidad, los cadáveres, para elaborar una historia que gira entorno a la autopsia que le practican dos forenses a una mujer llamada Jane Doe, que murió en extrañas circunstancias. Con ese inicio, el director André Ovredal elabora una película sobre un cuerpo maldito, y en que los cirujanos, a medida que avanzan con su autopsia, peores son las consecuencias. Es sensacional The Autopsy Jane Doe, crece progresivamente su historia desatando continuas escenas de terror fantasmales que funcionan de maravilla, gracias en parte a una ambientación tan opresiva y malrollera como es la de una morgue a media noche, retratada con una cuidada fotografía. Además, Ovredal no olvida un sentido del ritmo que nunca decae, pilotado por un Brian Cox en estado de gracia.



2) Train to Busan
Poco me imaginaba que el género Zombi volvería a un Top 10. Como no, ha ocurrido de la mano de uno de los mejores talentos actuales de Asia, como es el coreano Yeon Sang-ho. Significa su debut lejos del género de animación, y no por ello le ha asustado el reto y ha conseguido con Train to Busan una obra comercial pero de gran calidad. Seguramente “ya la hemos visto”, pero pocas veces con tanta emoción e intensidad, utilizando -y a veces reinterpretando- los clichés propios del género de un modo inteligente y sin abusar para el disfrute del fan. Insisto que Train to Busan es la dignificación del género zombi, es un entretenimiento de calidad con aroma oriental que maneja a la perfección el sentido del terror en un escenario poco convencional en el subgénero como es el de un tren en marcha.



3) Hardcore Henry
Indescriptible en todos los sentidos. Es la película -o, más bien, la “experiencia”- que todo aficionado a los videojuegos ha soñado toda la vida en poder disfrutar, como es la de una película íntegramente en primera persona emulando el género shooter. De origen ruso, Hardcore Henry es una proeza cinematográfica, porqué le “cuela” todo, es un puto videojuego hecho realidad, creíble y adrenalítico a base de continuas escenas de acción que dejan sin aliento a cualquiera durante tooooodo su metraje. Y esto, sin olvidar que tras ella hay una historia muy interesante que finaliza en un final sorprendente, y que vale la pena seguir con atención más allá de la acción de la película. En fin, que es muy “hardcore” Hardcore Henry, es adrenalina pura durante 100 minutos, con constantes carreras, disparos, violencia, agresividad, más carreras, muertes, y en general un no parar... vaya, como un videojuego de acción concentrado en 100 minutos.



4) Arrival
Película de ciencia ficción de pura raza, en que se plantea la posibilidad de qué ocurriría si los alienígenas aterrizaran a la Tierra en diferentes puntos del planeta. Arrival es una película que no tiene ninguna escena de acción, ni momentos de excesiva tensión, y aún así consigue agarrar al espectador desde el minuto 1 e hipnotizarle hasta el final. Es fascinante, muy rica en matices, mágica incluso, porqué es capaz de sacar de dentro del espectador su lado más humano y curioso, y emocionarle a través de una historia inteligente (quizás demasiado a ratos), en que se le plantea al público una serie de preguntas que consiguen descolocar todo aquello que damos por sentado. Película de 11.



5) El Extraño (Goksung)
También de origen coreano, El Extraño es otra de las sorpresas positivas del año. Dirigida por un viejo conocido como es el coreano Na Hong-jin, la película es un thriller policíaco con tintes sobrenaturales que se sitúa en un ambiente rural, manejando muy bien un sentido narrativo clásico pero impregnado de cultura asiática. Es todo muy absorbente, con un despliegue visual muy atractivo y una historia que poco a poco se va cociendo hacia lo tenso y enfermizo, siendo muy destacable su segunda mitad, que de bien seguro será recordada para muchos años por su intensidad y crudeza. Lástima que sus 156 minutos de duración son excesivos, como en general todo el cine coreano, pero en todo caso El Extraño tiene armas suficientes para no decaer en ningún momento.



6) The Shallows
Pocos directores actuales consiguen controlar tan bien el suspense como Jaume Collet-Serra. The Shallows es quizás su obra más divertida, con una historia de Serie B situada en una playa paradisíaca en que una surfista debe enfrentarse al ataque de un gran tiburón blanco. Suspense continuo con momentos de terror puntuales, ayudados por una fotografía preciosa, cohabitan en esta historia que consigue hacer sudar al espectador. Lástima de su trasfondo existencial, que lejos de enriquecer la historia solo sirve para distraer al espectador. Por cierto, su final es el WTF más plausible del año.



7) Under the Shadow
La propuesta exótica del año viene con acento iraní. Under the Shadow es una película que rasca en su folclore (los Djinns) para explicar una historia de terror situada en un contexto bélico, concretamente cuando los Ayatolás se impusieron en Irán y aplicaron sus restricciones religiosas. Sátira socio-política para la que es, con seguridad, la película más escalofriante del año, y curiosamente protagonizada íntegramente por mujeres.



8) Don't Breathe
Vale la pena no buscarle los tres pies al gato en Don't Breathe. Su fuerza reside precisamente en ser directa en cuanto a terror y no dejarse distraer con complementos que puedan enriquecer una historia tan sencilla como la que parte, y en cambio se obsesiona por satisfacer al aficionado del género de terror a través de un largo e intenso tour da force al interior de una casa laberíntica. Una película de cazador cazado que una vez arranca deja sin aliento (o respiración, no sé). Simple, directa, y sin piedad.



9) Grave
Dirigida por una joven debutante llamada Julia Ducournau, Grave es la propuesta polémica del año por su supuesta violencia explícita. Sin duda, toda esa publicidad es puro marketing más allá de un par de escenas con cierto mal gusto... pero en sí no son nada del otro jueves. Grave habla sobre una chica adolescente que un día se da cuenta que le gusta la carne humana, una clara metáfora de los cambios que sufren los jóvenes en la adolescencia. La película fronteriza entre la comedia dramática y el género de terror, algo que no es muy atractivo a priori, pero su acabado sencillo y de fácil ver, no obstante incómodo en cuanto a temática, y sin escatimar en talento delante y detras la cámara, convierten a Grave en una película muy disfrutable. Y es que está todo rodado muy bellamente, cuidada al detalle, consiguiendo así un resultado que brilla por su calidad y que de bien seguro seducirá al público mayoritario y al especializado, algo muy raro de encontrar hoy en día. Lástima de la superficialidad del conjunto.



10) Pet
De Sitges se llevó el premio a mejor guión, un premio más que justificado viendo el resultado. Pet es sensacional, un thriller sobre un perturbado pajillero que planea secuestrar a una chica por la que se obsesiona, y que una vez lo hace, se harán evidentes sus verdaderas intenciones. Como apunto la película coge otro rumbo completamente distinto después del secuestro, a través de uno de los mejores giros argumentales que he visto en los últimos años y que dan pie a una segunda mitad de la película muy intensa. Pet, con apenas dos actores y un escenario, diálogos ingeniosos y flashbacks rompedores, ofrece al espectador un cara a cara final entre dos personajes completamente memorable. Cine low cost que prioriza una historia por delante del espectáculo visual.



Otros títulos que destaco del 2016:

HACKSAW RIDGE
La mejor película del año, sin duda. Mel Gibson lo ha vuelto a hacer ésta vez con una película bélica de la 2a GM.

THE HANDMAIDEN
Película redonda mire por donde se mire, y que se llevó merecidamente el premio del público en Sitges.

SEOUL STATION
Como precuela de Train to Busan no cuela, pero como película independiente si. La mejor película de animación del año.

THE VOID
El culto la pondrá en su lugar con el tiempo. Con una mitología propia muy interesante y una puesta en escena de las que se echan en falta, la convierten en una obra a tener muy en cuenta.


NERVE
Nada novedosa en cuanto a trasfondo, pero sí en forma. Trata sobre un juego online en que subir de nivel implica subir el peligro para quien juega.

31
Lo más flojo de la carrera de Rob Zombie sigue conservando el sello del director.

MUSEUM

No he leído el manga de Ryôsuke Tomoe, pero la película la disfruté mucho pese a sus fallos de guión. Mezcla más o menos bien a Se7en y Saw, ofreciendo una obra muy entretenida en que la investigación y el torture-porn son la base.






martes, 13 de diciembre de 2016

Sadako vs. Kayako - Kôji Shiraishi, 2016


DIRECTOR: Kôji Shiraishi
GUIÓN: Takashi Shimizu, Kôji Suzuki
AÑO: 2016
DURACIÓN: 98 min.
PAÍS: Japón
FOTOGRAFÍA: Hidetoshi Shinomiya
REPARTO: Mizuki Yamamoto, Tina Tamashiro, Aimi Satsukawa, Misato Tanaka, Masahiro Kômoto, Masanobu Andô, Rina Endo, Maiko Kikuchi, Elly Nanami, Rintaro Shibamoto
PRODUCTORA: Kadokawa / NBCUniversal Entertainment


NOTA: 6








Ya han pasado unos 15-20 años desde que Sadako y Kayako se exhibieran por primera vez a la gran pantalla y pusieran de moda sus cabelleras negras y gritos guturales. Consolidaron el subgénero kaidan, y fruto de su impacto hoy aún podemos apreciar los últimos coletazos de aquella moda a través de obras dignas como Under the Shadows, pero también de múltiples chorradas como Sadako 3D o la inacabable saga de Tomie, que denotan un evidente agotamiento de la fórmula. Normalmente ante estas situaciones los productores suelen rizar el rizo de sus propuestas y se acercan al fan más fiel a base de propuestas radicales, todo sea para dedicarles los últimos cartuchos disponibles de las franquicias que representan, siempre con el objetivo de satisfacerlos como sea y ya de paso dar un último coletazo en el género cinematográfico al que pertenecen. En el presente caso, un crossover es el resultado, y que unirá a las dos villanas más recordadas de la historia del horror japonés para que rivalicen a muerte. Su título es Sadako vs. Kayako, una propuesta aparentemente ridícula pero curiosamente bastante digna de resultado final.

Sadako vs. Kayako parte de dos historias paralelas que tienen como villanas a ambos fantasmas, para acabar entrecruzándose hasta llegar a un explosivo enfrentamiento entre los dos diablos folclóricos femeninos. La película es dirigida por Kôji Shiraishi, un habitual en Japón de este tipo de películas de fantasmas pero que curiosamente nunca había participado en ambas franquicias. Pero, lejos de aportar oxígeno a ambas sagas, Shiraishi no resulta ser el portador del ingenio para renovar una fórmula agotada como es la del kaidan, y se recrea, sobretodo al inicio, en el susto fácil a base de mostrar y desgastar a Sadako y a Kayako. Tema aparte ya sería la vuelta de tuerca que sufre la película en los últimos 20 minutos.


La película se inicia con el tropiezo por parte de dos chicas adolescentes llamadas Yuri Kurahashi (Mizuki Yamamoto) y Natsumi Ueno (Aimi Satsukawa) en una tienda de productos electrónicos de segunda mano, de una vieja cinta de VHS, en la que se oculta Sadako (Ringu). Solo una de ellas mira la cinta, pero la maldición ya está ejecutada y morirá en dos días. Para buscar una solución las chicas piden ayuda a un experto en fenómenos paranormales: el profesor Morishige (Masahiro Komoto), un experto en leyendas urbanas. Por otro lado, Suzuka Takagi (Tina Tamashiro), una adolescente psíquicamente talentosa, llega al suburbio de Naemi, al norte de Tokio, y se instala con sus padres al lado de la abandonada casa Saeki de las películas de Ju-On, donde habitan Kayako y Toshio. Como es de esperar su existencia se volverá amarga.


Ambas historias no tienen conexión hasta que conectan a la recta final de la película. A mi parecer lo hacen tarde, y con una justificación cogida en pinzas, pero lo importante es que lo acaban haciendo y es justo cuando la película capta todo el interés. Es probable que después de más de 10 películas entre ambas franquicias pedirle al director una nueva perspectiva de la fórmula sea pedir demasiado, pero pese a que Sadako vs. Kayako es una obra entretenida y a ratos incluso muy divertida, no deja de ser “una más” entre muchas, al priorizar a lo largo de sus primeros 70 min (de 100) el asesinato y susto malrollero, que si bien mola, no es lo que el espectador espera encontrarse en un crossover que promete escenas épicas. Además, “la unión” de ambas sagas se hace a través de una especie de sacerdote friki con poderes paranormales, con sus ideas de bombero para derrotar a ambas villanas a la vez, un personaje cómico que no encaja con el tono serio que siempre han tenido ambas franquicias. En realidad, el argumento de la película es una gilipollez.

Pero por extraño que parezca con la presencia del sacerdote, el tono de la película se mantiene completamente serio y evita caer en la trampa de la comedia. Lo que la distingue de aquellas primeras Ringu y Ju-On es que la presente película posee un ritmo más ágil, tomando como protagonistas a colegialas adolescentes que no destacan precisamente por su capacidad reflexiva, y sí más por la curiosidad. El resultado es que Sadako vs. Kayako ofrece una propuesta entretenida y dinámica, capaz de conectar bien con el público más festivalero a base recrearse en un extenso bodycount además de ser generosa a la hora de mostrar a los fantasmas. Es todo como menos fantasmal y siniestro que las originales, y sí más evidente y visceral.



En fin, Sadako vs. Kayako inevitablemente parte del desgaste de la fórmula, pero consigue coger personalidad y aportar como mínimo algo distinto a lo visto hasta ahora en ambas franquicias. Que quede claro que es una película de terror y no una comedia, en la que se sigue apostando por aquél viejo kaidan que daba mal rollo, pero que a diferencia de películas anteriores aquí es todo más masticado y evidente, como más festivalero, insisto. Y sin olvidar lo que todo el mundo espera ver en un crossover, como es un combate final cuerpo a cuerpo entre ambos fantasmas al más puro estilo de videojuego arcade, que si bien no destaca por tener la épica esperada como mínimo sabe captar la atención del público, que es siempre lo más importante en una obra titulada “Sadako vs. Kayako”. Es un final repleto de muertes, curiosidades, tintes lovecraftianos, y una sorpresa friki pero que todo el mundo hablará de ella...y quien sabe si para los próximos años.



miércoles, 16 de noviembre de 2016

Masterclass de Junji Ito en el XXII Salón del Manga



Uno de los actos estrella del XXII Salón del Manga de Barcelona fue la Masterclass que impartió mangaka Junji Ito ante sus fans, el pasado martes 1 de noviembre. Duró 1h más o menos, y en ella se pudo ver como Ito trabajaba un dibujo basado en el manga de terror Gyo, en que se podía ver a la chica protagonista y al tiburón blanco “cyborg” (por así decirlo).

La Masterclass sirvió también para qué, mientras sensei avanzaba su dibujo, los fans aprovecharan para preguntarle todo tipo de cuestiones relacionadas principalmente con su técnica ilustrativa. También se tocaron temas como su concepción de lo que es el terror, sus influencias, así como por su persona y su entorno. A continuación os dejo gran parte de las preguntas que surgieron durante la Masterclass, además de alguna fotografía. Espero que os interese:



-Como empezó a dibujar manga de terror?

A la edad de 5 años empecé a dibujar a lápiz, justo cuando descubría los primeros mangas de terror. De todos modos eran dibujos muy simples.


-Qué elementos a nivel de dibujo consideras indispensable para crear ese terror tan personal que tienes?

Cuando quiero representar alguna imagen de un fantasma o monstruo, utilizo la luz como herramienta para intensificar la sensación de horror. La dirijo desde abajo hacia arriba, y así incremento la sensación de terror.


-¿Qué autores de manga han influenciado en su obra?

Hay 3 autores de respeto muchísimo: el maestro Kazuo Umezu , quien para mí es el verdadero maestro del terror; También a Hideshi Hino; y Koda Shinichi. Ellos son los 3 pilares de mi obra.


-Sin embargo, a la hora de dibujar cadáveres y demás imágenes grotescas, la inspiración de donde proviene?

Cuando tengo que hacer dibujos como por ejemplo entrañas, suelo utilizar fotos médicas como inspiración


-A la hora de trabajar, como la ilustración que vemos, ¿sensei tiene una idea clara previamente antes de hacer el dibujo o primero hace unos bocetos que luego va trabajando y mejorando?

Como tengo un plazo de entrega de mis trabajos ya estipulado y muy ajustado, no tengo tiempo de hacer muchos esquetchs. Así que para mí, lo más importante cuando inicio un trabajo es tomar notas de las ideas que tengo, pensarlas bien, y luego intentar ilustrarlas lo más rápidamente posible. Eso sí, debo admitir que suelo ir haciendo muchos retoques.


-Cual es su parte favorita del proceso de elaboración de un manga? Inventarse historia, esbozos, entintar, los personajes,...

Antes disfrutaba mucho cuando elaboraba los bocetos después de pensar la historia, pero ahora me gusta más acabarla, ver como todo concuerda y finalizo los detalles.


-Antes comentabas que te ves obligado a trabajar en digital porqué aceleras el proceso de creación de las obras. ¿Si no tuvieras que trabajar por plazos, como preferirías trabajar: manual o digitalmente?

Sin ninguna duda prefiero el proceso tradicional, a lápices, pero los plazos de entrega me obligan al digital.


-Trabajas en digital porque las fecha de entrega que son muy duras. Ahora bien, cuando no existía el digital, las fechas eran más livianas?

Me considero que soy de aquellos dibujantes lentos. Intento hacer unas 30 paginas a la semana, y si lo consigo ya estoy contento. Eso sí, reconozco que a día de hoy me siento más cansado y me cuesta mucho más trabajar con la mano que cuando era joven, ya que en aquella época podía trabajar más tiempo. Hoy con el digital los plazos no han cambiado, pero la diferencia es que antes, simplemente, se trabajaba más horas. Por lo tanto mi respuesta es “no”, los plazos no han variado con el tiempo.


-¿La sensación de que deberías haber perfeccionado un dibujo tras bar sido publicado, la has tenido alguna vez? Dicho de otro modo, ¿has sentido alguna vez que dejabas un dibujo mal acabado?

Depende del caso. Hay veces que se publican mis mangas y luego me doy cuenta de detalles que corregiría. Pero también me pasa al revés, que empiezo a dibujar y me doy cuenta rápidamente que me saldrá bien el dibujo.


-¿Qué le cuesta más dibujar, los cuerpos humanos o los fondos escénicos?

Me cuesta más dibujar edificios, porqué no suelo dibujarlos bajo una regla habitual. Por contra, los personajes, monstruos, animales, etc., me encanta dibujarlos.



-Háblanos sobre tus colaboradores. ¿Tienes ayudantes? Y si los tienes, como te repartes el trabajo con ellos?

Depende de la época, pero normalmente no los tengo. En algún momento preciso he tenido algún ayudante, pero como normalmente les encargaba tareas simples, para ello me valgo con mi mujer y mi hermana.


-Cuando construyes las historias, donde pones el acento para crear el terror?

Los más importante es el no saber qué va a ocurrir. A través de la psicología juego a no mostrar, a provocar la incertidumbre del lector sobre lo que puede pasar a la siguiente página, a que juegue su imaginación, y todo esto obviamente sin ser demasiado explícito hasta momentos clave.


-De lo que ha realizado, que es lo que más le gusta?

Las historias cortas. Hay una de un sueño que se iba haciendo más largo y no terminaba nunca; también la de las formas humanas de la montaña [imagen inferior, publicada como extra en el manga Gyo]; y luego hay otra en que te ves a ti mismo pero solo la cabeza.



-En el pasado adaptaste a Frankenstein de Mary Shelly y la de La mitad humana de Rampo Edogawa. ¿Nunca te has planteada adaptar algún relato de H.P. Lovecraft?

Me hubiera gustado, pero hay un autor japonés, Gou Tanabe, que ya está adaptando a Lovecraft [El Sabueso y otras historias, editado por Ivrea]. Es un dibujante muy bueno, y como ya lo está haciendo, y además lo hace muy bien, quedaría muy raro que yo también adaptara a Lovecraft.


-Uzumaki es una obra impactante. Quisiera saber qué sucedía en su vida en el momento que la dibujó para crear aquella historia.

Fue una época en que me obsesioné por las formas que tenían espiral, y pensé en cómo las podía convertir en algo terrorífico.

(dibujo sin terminar realizado por Junji Ito durante la Masterclass)


-Sobre el El diario gatuno, sorprende que después de tanto horror publicado, realice una obra tan diferente al resto como ésta. ¿Como surge la obra?

Me casé, y mi mujer tenía gato. Hasta entonces nunca había convivido con gatos, y bueno, son muy buenos y juegan, pero también son imprevisibles. De ahí salió mi interés por dibujar algo con gatos. Y fue precisamente mi mujer quien me insistió a que lo hiciera. Además, como era una época que tenia bastante más tiempo que ahora, pues lo hice con mucho gusto. Pero fue sobretodo por mi mujer.


-Y sobre Tomie, se inspiró en alguna película?

Me inspiré con la obra de Sam Raimi, “Evil Dead”. Allí salia una especie de zombie con las pupilas blancas y eso me produció un impacto muy grande.


-Se me hace obligado preguntarle sobre las adaptaciones cinematográficas de su obra. ¿Que le parecen?

Me gusta que elijan mis obras para adaptarlas. Algunas están mejor que otras, pero en sí me satisface que se fijen en mi obra.

(Junji Ito recibiendo el premio a Mejor Autor de Manga en activo, otorgado por el XXII Salón del Manga según las votaciones del público)