martes, 26 de marzo de 2013

Generació Bola de Drac




[NOTA: Como el artículo va dedicado al impacto sociológico que Dragon Ball ha realizado a nuestras vidas tras aterrizar en el Estado español, concretamente lo que se vivió en Catalunya, y más concretamente a las personas que vivieron los años 90, antes de postear una versión en castellano lo haré en mi lengua materna: el catalán].



Ja fa 20 anys de l'arribada a Catalunya del manga creat per Akira Toriyama Bola de Drac per part de l'editorial Planeta DeAgostini, tot i que dos anys abans, des del 1990, ja s'estava emetent a TV3 la sèrie d'animació. La seva arribada a casa nostra va suposar tot un rebombori social entre defensors i detractors, però el que està clar és que aquella obra sorgida del país del Sol naixent no va deixar indiferent a ningú. Tot i això, per a molts, la sèrie només significarà “uns dibuixos animats que posen a la televisió”, i que condensaria en una simple frase tot el que representa Bola de Drac per a ells, i, en canvi, per altres, com com vostè o com un servidor, significa tant com per a poder realitzar aquest article, tenir anys de gaudiment del manga i la sèrie fins al present, nostàlgia, records, emoció, col·leccionisme, debats, i fins i tot educació. Els que es sentin identificats amb totes aquestes definicions de ben segur es poden considerar que formen part de la“generació Bola de Drac”, gent que va néixer, créixer i seguir creixent lligada a Goku i companyia. Una gent que fa 20 anys es va interessar per Japó de manera sobtada, que van crear el fenomen fan a Catalunya, fins i tot van defendre acarniçadament el manga i la sèrie dels atacs de polítics i periodistes, i en sí un fenomen sociològic curiós i que avui dia encara no té horitzó. I ara, com a adults propers als 30 -si no els tenim ja- que som, només podem veure com amb els nostres fills es crea el que seria la “segona generació Bola de Drac”.


Com va arribar el manga Bola de Drac? A l'any 1991 van començar les negociacions de Planeta DeAgostini per adquirir els drets del còmic i que, segons s'explica, les negociacions amb els japonesos eren sempre complicades. Ells sotmetien a les editorials a exàmens complets d'una hora sobre quí eren i d'on venien, ja que no volien vendre el seu producte a qualsevol. En el cas de l'empresa de Jose Manuel Lara Bosch no en va ser una excepció i, de fet, aquest era el primer cop que Shueisha tenia una client occidental, i viceversa per l'empresa catalana amb Japó. Tal com deia, els japonesos volien saber-ho tot sobre el els seus clients, i és per això que preguntaven coses com“quin tipus d'empresa és Planeta DeAgostini?”, “qui eren els propietaris?”, “quin era el seu capital i finançament?”, “quin tipus de publicacions editaven?”, “a quins lectors s'adreçaven?”,“per què s'havien interessat en Bola de Drac?”, o preguntes més culturals com ”què és Espanya?”. Concretament amb aquesta última pregunta era quan es tornaven més bojos, ja que se'ls deia que, a més del castellà, també es volia editar el manga de Toriyama en català. Això no ho entenien els japonesos, ja que associaven Espanya amb el castellà, i aquest fet va fer que se'ls hagués d'explicar que Espanya és un Estat de nacions, i que Catalunya té una personalitat pròpia, una cultura i una llengua, i que aquest fet ajudaria a una millor venta del producte a un sector potencial de mercat Català com era el lector catalanoparlant. L'aprovació per part dels japonesos no va ser immediata però sí un fet, ja que necessitaven reflexionar-ho més enllà que la mecànica executiva de les empreses japoneses enfront a occident sempre és molt lenta. Fins que el 23 d'abril de 1992, dia de Sant Jordi, es va voler publicar el primer volum de les aventures d'en Son Goku i companyia en la seva edició blanca que tots recordarem, però que finalment es va aplaçar 2 setmanes per a fer-se oficialment la sortida a la venta al Saló del Còmic d'aquell any en una doble edició en català i en castellà. Va resultar un èxit brutal de ventes, gràcies en part al ressò mediàtic que havien fet del seu llançament diaris com l'Avui o El Punt -a més que ja feia 2 anys que s'emetia la sèrie a TV3-, superant àmpliament les ventes de còmic espanyol en aquesta llengua. Una dada: l'edició catalana comptava a cada número d'una tirada de 85.000 exemplars, la qual cosa va superar àmpliament les majors tirades de premsa i de diaris en aquesta llengua.



L'arribada de Bola de Drac a casa nostra va fer potenciar severament una cultura del manga entre el jovent molt més forta de la que s'hauria desenvolupat sense l'obra de Toriyama. Si bé és cert que per aquells temps ja estava al mercat mangas adults com Akira, d'adolescents com Saint Seiya, o fins i tot Doraemon pels més petits, el temps ha fet veure que aquestes col·leccions no haguessin sigut res més que fenòmens del moment, i que avui dia no estaríem parlant de la futura 19a edició del Saló del Manga de Barcelona, sinó de la 10a, aproximadament. Per tant, Bola de Drac ha fet accelerar indubtablement a casa nostra una cultura del manga.


Fins aquells temps els aficionats al manga eren una espècie d'intrusos en el món de l'animació, ja que sèries/còmics tan arrelats des de feia dècades com els de Marvel, DC, o els mateixos que es feien a casa nostra veien perillar la seva estabilitat. Per tant, més enllà de ser “els diferents”, els dibuixants estatals, i per què no, occidentals, veien l'animació japonesa amb escepticisme, ja que la seva feina no quedava assegurada en cas que “aquella moda” acabés tenint èxit. Això comportava atacs contra la feina d'algunes persones com els que treballaven en editorials com Norma, per exemple, i que havien de lluitar i reivindicar el seu producte per defendre el que els agradava de veritat, ja fos amb fanzines propis, revistes o els mateixos còmics que publicaven. Per tant, tot i els severs atacs per part de polítics, associacions, o pares i mares, la pinya que hi havia al sector en defensa del manga i en especial a Bola de Drac sempre va ser molt notable.


Fins llavors havíem vist molt poca animació japonesa, però cap ens va arribar tant endins com Bola de Drac, ni tampoc cap ens va dur a fer fotocòpies. Fins aquells temps amb prou feines vam poder gaudir de series d'animació en els diferents canals de televisió de l'Estat espanyol, amb especial atenció a TV3, com Mazinger Z, Candy Candy,Meteoro, Kimagure orange road, entre d'altres, però que no seria fins l'arribada de Bola de Drac a Catalunya quan es trencarien tots els pronòstics i expectatives creades anteriorment amb qualsevol altre sèrie anime. Va ser el 15 de febrer de 1990, sense cap publicitat especial que es produïa l'estrena de Bola de Drac al nostra país tot substituint l'altre obre d'Akira Toriryama: Dr. Slump. Als pocs dies i de mode inesperat, va començar a captar audiència amb inusitada rapidesa, una audiència composta no només de públic infantil -que era a qui anava dirigida erròniament- sinó també per joves i adolescents. Curiosament, i sense explicació, la seva emissió va ser tallada sense oferir desenllaç al 21e Torneig de les Arts Marcials; això va fer mobilitzar el públic català enviant massivament cartes de desesperació i queixes, demanant el retorn de la serie a la petita pantalla. Al cap d'uns mesos les queixes van fer el seu fruit i es va reemprendre l'emissió de la sèrie, ajudant a fer créixer encara més la seva popularitat, i conseqüentment el fenomen “fan”.


Tal com apuntava, amb els fans, va aparèixer un altre fenomen curiós com varen ser les fotocòpies. Tot va començar quan els aficionats més fidels de la sèrie, desesperats en busca de més material de Bola de Drac -el marxandatge que encara no existia a casa nostra-, va fer desenvolupar un mercat alternatiu i il·legal de fotocòpies, revistes i samarretes pirates. Elles eren un homenatge a la sèrie que feien els mateixos fans i que sorgien en temps en què Internet no era una realitat. Es tractava de dibuixos que apareixien d'una manera molt artesanal, com era el fet que quan a la sèrie televisiva apareixia algun personatge nou, la gent aturava el vídeo i calcava de la televisió el personatge per tenir-lo en un full de paper. Llavors, entre els amics, quan algú tenia un dibuix nou, es feien fotocòpies i es passaven als uns i als altres, sobretot els diumenges en el mític Mercat de Sant Antoni de Barcelona. Per tant, en fenomen Bola de Drac va ser una mica culpa de tots.


Un cop Bola de Drac va ser una realitat a casa nostra, abans i durant la moda de les fotocòpies, va començar a formar-se el que es coneix com a“generació Bola de Drac” entre els joves de 14-16 anys. Anteriorment aquest jovent ja varen poder començar a gaudir d'altres sèries d'animació japonesa quan tenien 5 anys aproximadament com per exemple amb Mazinger Z, o els còmics de superherois Marvel, la marca SEGA, o els videojocs del Donkey Kong, que servirien de bressol per preparar a tota una generació de joves que es coneixeria com a “generació Bola de Drac” tal com apuntava. També cal destacar el fet que l'altre sèrie de televisió del creador de Bola de Drac: Akira Toriyama, s'emetia a TV3, el Dr. Slump, que veien tant joves com adults. Aquesta tenia uns codis d'humor diferents, més adults, que a més de Mazinger Z feien seguir creixent entre el públic jove un interès per Japó, en aquest cas amb el component de les arts marcials que servien com a novetat. També és cert que veníem de sèries com Saint Seiya, molt semblant a la nostre amfitriona, i que varen fer pensar a tot un públic “per què ens agraden tant aquestes sèries amb personatges d'ulls grans”, i que a moltes persones els va fer veure el que era realment el manga. La seva emissió coincidia amb un temps que no hi havia Internet, ni marxandatge, ni telèfons mòbils. Llavors, com explicar a les generacions posteriors “com va funcionar un fenomen social com Bola de Drac?” En aquells temps hi havia molta més màgia, ja que quan algú descobria algun producte cultural relacionat ràpidament ho esbombava a tothom fent-se l'interessant, tenint la sensació d'estar ensenyant quelcom que ningú més havia vist. També alguns es mantenien en contacte a través de correus amb Planeta D'Agostini per a que es passés informació: uns per a fer fanzines, o club de fans, o d'altres per simple boca-boca, i aquests eren els mètodes d'intercanvi informatiu. Era més maco? Possiblement la màgia era més palpable al descobrir coses noves després de l'esforç de buscar-les, però per sort, avui dia, amb Internet podem tenir-ho tot a l'abast i no trencar-nos el cap a la recerca de novetats, i per tant només cal que sapiguem apreciar-les. Per tant, avui, els intercanvis han avançat cap a camps molt curiosos, ja que hem passat de les famoses fotocòpies, als inoblidables cromos, i fins al que ha sigut el fenomen de l'edició 2012 del Saló del Manga de Barcelona: el cosplay. Sense oblidar el paper que les xarxes socials han tingut per a seguir mantenint viu el fenomen, i clar, el fet de generar-se aquesta globalització de materials ha fet que, de “descobrir”, ja poc es descobreixi avui dia, ja que la informació a la xarxa es enorme. Per tant, és molt complicat que tornem a viure un fenomen com el de Bola de Drac, perquè aquella primera generació es basava en aguditzar l'enginy com a tàctica neòfita, com va ser la tímida -però ascendent- penetració d'aquella generació a tot lo relacionat amb Japó, com els restaurants, botigues, etc., que servien per a preguntar si sabien coses noves respecte el manga. O també, per exemple, si teníem una cosina que tenia un amic que va anar al Japó..., o si uns amics coneixen a uns nois japonesos... És a dir, es buscava material com es pogués a base d'un interès sobtat per la cultura japonesa.


El més important de Bola de Drac com a mite social és que tenia en el seu adn elements de moviments que vindrien després: siguin estètics literaris, o socials. A més, la gent que va descobrir l'obra de Toriyama des del principi es va trobar sobtadament amb un tipus d'humor que lligava molt bé amb la nostra cultura, la nostra idiosincràsia, però que en el fons ja podíem conèixer en anterioritat gràcies a el Dr.Slump. Això va fer poder acceptar millor un univers com el de Bola de Drac, tan seriós de per si com és una sèrie de combats, i que aquest humor ajuda a distanciar-nos-en i a acceptar millor.


Cal un agraïment especial a TV3, ja que va ser la primera cadena de televisió estatal en apostar fort per l'animació japonesa, també en sèries de continguts més adults i fins i tot per posar-les en la seva graella de programació a la nit, amb el risc que pot comportar. D'aquesta manera molta gent va descobrir el manga al territori català, i és una mica el que he comentat fins ara, que és l'aparició esglaonada cada cop més de fans, fanzines, etc. i que avui dia encara segueixen amb el que es coneix com la 2a generació de Bola de Drac. És el cas d'alguns d'aquella generació que duien a les seves esquenes alguns fanzines, i que amb gran capacitat de mobilitzar-se recorrien a personalitats lligades al món del manga a preguntar coses per els seus treballs personals. Gent com Antonio Martín, Juanjo Santos, etc., gent ficada de ple en el sector, i que si els enviaves un correu per tal de visitar les seves redaccions i a parlar amb ells accedien sense problemes. D'aquesta manera tan amable ells van ser els que ajudarien a desenvolupar la gent que avui dia mou els fils a distribuïdores, revistes, etc., la primera generació, que més enllà de treballar en aquest sector i proporcionar-nos material per a les futures generacions, elles i ells també varen ser fans en el seu dia.




Curiosament aquesta primera generació encarna l'esperit de la sèrie inclús sense que ells se n'adonin. Bola de Drac és una metàfora sobre l'energia, sobre l'ús que se'n fa, i com aquesta acumulació d'energia és el que fa superar certs obstacles que planteja la vida. Fins i tot aquesta superació acaba transformant físicament als personatges, i per tant el que s'ha d'agrair a la primera generació de Bola de Drac és que en els temps en que es varen produir aquells atacs d'associacions de pares i mares, o també de polítics com Duran i Lleida, etc., a aquells que treballaven distribuint el material de Bola de Drac ja fos en quant a les publicacions manga, TV3, doblatge etc., els fans bombardejaven d'inputs positius a tots aquests treballadors que els ajudaven a seguir endavant en la seva feina. Comentaris com “resisteix, aguanta, estem amb tu” es varen convertir en habituals en aquelles redaccions i oficines de treballadors. Per tant, a la primera generació de Bola de Drac se li ha d'agrair tota l'energia que va desenvolupar en aquells temps, i la que ha seguit desplegant i avui encara segueix. Un exemple recent és la lluita que han mantingut un grup de nois des de fa anys per a que Bola de Drac es tornés a emetre a TV3, amb resultats satisfactoris per a ells i per a la mateixa TV3, amb uns excel·lents índex de share a prime-time.


Tal com apuntava abans, Josep Antoni Duran i Lleida, líder d'Unió Democràtica de Catalunya, va ser un dels crítics més potents que va demanar que es deixés d'emetre la sèrie Bola de Drac a TV3. Va ser al juliol de 1995 quan el líder polític va mostrar la seva disconformitat amb la sèrie juvenil en una carta enviada al director general de la Corporació Catalana de Radio i Televisió (CCRTV), Jordi Vilajoana. A la carta es referia concretament a Bola de Drac Z, per tractar-se d'una sèrie que fomentava la violència. Aquesta carta es va produir pel fet que TV3, en aquells temps, va decidir seguir emetent la sèrie després d'anys de fer-ho ininterrompudament a la graella de programació. No seria menys el conseller de Benestar i Salut Antoni Comas, de CIU, i l'associació de Teleespectadors Associats de Catalunya, segons va informar el que era director de TV3 en aquells temps Lluis Oliva. Com deia, diferents associacions de pares i mares i de protecció de l'espectador van criticar Bola de Drac, al mateix temps que la sèrie es convertia en una bomba televisiva. I és que la seva fama entre els “adults” no podia ser més negativa: diaris, telenotícies i demés mitjans parlaven del tema i desprestigiaven qualsevol valor artístic que aquest producte pogués aportar a la seva gran massa de seguidors. I al cap i a la fi, parlar de dibuixos animats “nocius” és una noticia morbosa que fa vendre sola la sèrie. Seguint amb Duran, a la carta parlava que una televisió pública no pot incloure certes apologies, que es veuen reflectides amb frases com “feia temps que volia matar una persona. Quines sensacions! Va, et deixo que matis al vell. Va, home, dispara. T'ho ordeno!” o d'altres com “És una conya, veritat? Ja t'ho deia, anem a matar uns quants més!”.La carta es veu que va fer efecte, i per aquest motiu es va posicionar la sèrie el posterior 3 d'agost fora del Club Super 3, als caps de setmana, després que el director de TV3 reconegués que“algunes frases de Bola de Drac eren “realment penoses”[en referència concreta a la del vell]. Tot i això, i al haver sigut exclosa del Club Super 3, la sèrie Cinturó Negre, qualificada també com a violenta (una sèrie de judo!!), va ser el cap de turc al ser liquidada directament de la programació de TV3.



Un dels factors que més s'ha criticat Bola de Drac és per la violència, i això que la sèrie que hem vist per televisió està censurada, ja que el master que es disposa es originalment de la televisió francesa, que està censurat, tant en els detalls sexuals com els de violència. I aquest és un fet curiós, ja que qualsevol persona que miri la sèrie -o llegeixi el manga- amb els ulls mínimament oberts i amb un cert interès, se n'adonarà ràpidament dels valors pacifistes que transmet. En canvi, ningú del públic “adult” va ser capaç de defendre'n els autèntics valors. Valors com la unió, l'esforç, amor, amistat, superació, lleialtat, respecte als animals i la natura, el planeta en general, etc. i que són l'anima que vol introduir Akira Toriyama a Bola de Drac, i que per desgràcia, o bé molts no ho veuen o directament no ho volen veure. Aquestes persones de caire conservador mai haurien d'oblidar que hi ha un protagonista anomenat Son Goku, que té un cor immens, també el constant companyerisme que hi veiem, d'enemics que acaben sent amics, i en general de valors positius. Tot i això, aquests grupuscles que mantenien el rebuig a Bola de Drac pel seu suposat foment de la violència, argumentaven dient que la sèrie podria ajudar a desenvolupar el fet que els seus fills acabessin introduint-se a bandes juvenils. En cap cas aquest era un argument sòlid, ja que les bandes juvenils solen desenvolupar-se més per motius socials, com els barris subdesenvolupats, per la falta d'escoles, o en general problemes d'abastiment de recursos per a mantenir una vida digne.


Amb la més que segura alegria d'en Duran i Lleida, el 27 de setembre de 2001 es va emetre l'últim capítol de l'obra de Toriyama en el marc de Bola de Drac GT, tot i que amb un cert recel per part dels fans al no respectar-se a certs personatges de la sèrie Z, com el propi Goku. El fet és que finalment, després de molts anys d'emissió ininterrompuda, Bola de Drac desapareixeria de TV3 al finalitzar GT per a mudar-se a altres cadenes de televisió estatals perdent-se així els excel·lents doblatges dirigits tant per en Joan Pera, com en Vicenç Manel Domènech, o en Marc Zanni, i en sí desapareixent l'esperit que unia a tantíssims joves catalans. Desapareixia d'antena, i semblava que definitivament, la sèrie televisiva d'animació que més a marcat i ha influenciat a diferents generacions del nostra país, moria, també, amb la primera generació. Però, l'empresa editorial Selecta Visión no es va rendir, i a partir de l'any 2000 es van empenyar a editar en DVD tota la sèrie tot olorant un factible èxit comercial. Segons expliquen varen ser uns durs anys, concretament 6, d'intentar convèncer a Toei Animation -productora de la sèrie d'animació- que es podia comercialitzar una sèrie d'uns 500 episodis, una postura que no veien massa clar fins que la lluita va cristal·litzar al 2006. Clar, també havien de fer entendre als japonesos el fet d'incloure diferents pistes d'audio als DVD, com era el català, l'euskera, gallec i el castellà, a més també s'havien de fer els subtítols, que no es farien del doblatge sinó del guió original. Això va fer haver de traduir-ho tot, a més de remasteritzar la imatge, ja que estava molt degradada, aconseguint així que avui puguem gaudir d'unes edicions en DVD bastant dignes, tot i tenir certes carències en quant a material addicional. Això va fer potenciar una nova generació Bola de Drac, que si bé Internet ajudava a desenvolupar-la, aquesta edició en format domèstic ajudaria a fer-la florir, fins la punt que pogués ser altre cop una realitat la seva emissió per televisió catalana. Aquesta nova generació vindria molt influenciada per les noves tecnologies, i es podria considerar com una generació digital; i els que fa 20 anys ens feia gaudir de Bola de Drac com a nens que érem, avui en gaudim amb els nostres fills, un fet que no té preu. I és per això que per aquells que descobreixen avui la sèrie o el manga com per els que hi hem crescut junts, Bola de Drac sempre serà única, una part indissociable de la cultura popular i de la memòria col·lectiva del nostra país.




miércoles, 13 de marzo de 2013

¿Existen los extraterrestres?



¿Existen? Podría decir que sí, y no, incluso también ¿por qué no? Tal como apunto su respuesta es un tanto ambigua pero no menos cargada de lógica, ya que si bien no conocemos todo el universo y por tanto siempre será un misterio la vida ajena a la Tierra, lo cierto es que la idea del extraterrestre sí tiene una razón de existir en nuestras mentes. Tal como intentaré explicar, la vida alienígena va más ligada a una idea utópica más que a la razón, y que por tanto el progreso a lo largo de los siglos ha ido redirigiendo esa idea hacia otros lugares hasta llegar a nuestro presente, pero siempre manteniendo la misma razón de existir en nuestras mentes.

Entonces, ¿existen? Antes de responder a la pregunta debemos fijarnos a la Edad Media (s. V-XV) y su visión de la ciencia, cultura y religión para conseguir situarnos y entender la respuesta. Durante la Edad Media los mapas del mundo tenían 3 elementos: Asia (situado en la parte superior), Europa y África (inferior y una a cada lado), los tres continentes situados de manera separada por un océano llamado Maremágnum que es en realidad el Mediterráneo, dibujado en forma de salvación, como una cruz. A la vez, estos mapas tenían una forma (ciertamente abstracta vista hoy en día) de un cuerpo humano (hay que imaginar arriba una cabeza y los dos continentes inferiores como las dos piernas), y que por tanto, el ser humano representa el mundo. Como decía, el Maremagnum está en el centro de todo, y la ciudad de Jerusalem también se encontraba en el centro del mapa como capital mundial. El resto exterior del mapa era agua, no había nada más fuera, y por tanto, América no existía. Con el tiempo, el eje político se trasladaría al Atlántico con el descubrimiento de América, también cambiando Jerusalem por Venecia como centro del mundo.
Entrando en materia, tenemos que fijarnos en Galileo Galilei (1564-1642) como precursor de la ciencia en la Edad Media. Con él se desarrolla la revolución científica. Antes, la ciencia que había era un avance en conceptos religiosos basados en que el mundo físico estaba basado en 4 elementos: fuego / agua / aire / tierra. Y esto desarrollaba 4 tipos de comportamientos: la sangre / la flema / cólera / melancolía. Creando así 4 estados: cálido / seco / frío / húmedo. Es decir, que el ser humano es así, y así fuimos creados---> Representación del cuerpo humano en un microsomos antes de la revolución científica del s. XVII. Por tanto, se entra en un cosmos donde la Tierra es el centro, y fuera de la Atmósfera hay fuego. La Luna marca el límite entre el mundo perfecto (religión) y el sometido a cambios (Tierra). La tarea de Galileo fue cambiar todo esto al descubrir la unificación de los dos universos: el mundo supralunar con el mundo sublunar, y eso lo consigue ver al descubrir que Júpiter tenía lunas, que nuestra Luna tiene montañas,... igual que nosotros. Por tanto el mundo supralunar es igual que el nuestro.

De ese modo, el mapa universal que hasta Galileo situaba a la Tierra en el centro del universo, y que luego venía la Luna, el Sol que era un planeta también, y así hasta llegar a un final, a una especie de límite donde se acababan los planetas que era considerado el paraíso. Galileo lo rompió todo al desarrollar la idea del giro copernicano que decía que la Tierra giraba alrededor del Sol y no era el centro del universo. Esa idea del giro copérnico fue inicialmente impulsada por astrónomos como el propio Nicolas Copernico y Kepler, a eso Galileo le añadió sus trabajos sobre la mecánica y la dinámica hasta ser todo integrado y sistematizado por Isaac Newton. Esta Revolución científica supuso la transformación de la sociedad occidental de medieval a moderna, y que significó la consideración la naturaleza desde un nuevo pensamiento científico permitido por el uso de la razón humana. Esto también hizo que la física adquiriera un estatus de ciencia, y en sí la capacidad de otorgar conceptos matemáticos para explicar los fenómenos naturales, y esto era algo que chocaba con la lógica griega y la escolástica medieval. De ese modo la iglesia le amenazó diciendo que cesara con su falsa y contraria postura a las escrituras (1616), hasta que en 1632, siguiendo con sus estudios, la inquisición le arrestó y privó de seguir estudiando sus descubrimientos. Por tanto, la iglesia amenazaba a los progresistas para no destrozar unas”lecturas” que con los años se iban quedando obsoletas, por ser irracionales y sin pruebas, y que la ciencia destrozaba progresivamente. Es decir, que la idea de lo que podríamos considerar hoy como de “fantasía”, o digámosle “extraterrestre” va ligada a la falta de conocimiento. Y esto se puede relacionar a lo que decía Sócrates respeto al conocimiento “solo se que no se nada” decía, y es que avanzar en la verdad solo nos lleva a entender que cada vez somos más ignorantes, y es por ello que los “extraterrestres” siguen existiendo, lo que pasa es que “cambian de lugar”. 

De todos modos hoy es fácil opinar sobre el valor de la verdad, de la razón, de la ciencia y de la fe. Hoy podemos pensar que es imposible demostrar las razones de la fe, todo al contrario que las científicas, y que por eso carecen de peso estas últimas. Pero en aquellos tiempos pretéritos no se pensaba lo mismo, y de eso modo se sucedieron durante casi 2 siglos guerras a lo largo del continente, guerras con gran componente religioso. Es decir, que la palabra de Dios seguía en pie y por encima de la opinión de cualquier mortal, y de ese modo sería defendida a muerte. Se consideraba como enfermo quien estaba en contra de esa mentalidad dominante religiosa en lo que respeta a costumbres y forma de vida o de estructuras sociales. Lo que hicieron Galileo y compañía fue simplemente arrinconar la fe en ámbito privado, con lo que se conoce como Ilustración y, de ese modo, hoy nosotros podemos hablar de razón en mucha mayor medida. 

Volviendo a la Tierra en la época medieval de nuevo, debemos fijarnos ahora en las catedrales, que por cierto, si las vemos en perspectiva cenital siempre tienen forma de cruz, algo que no es nada gratuito. Éstas son grandes, con mucha luz, un lugar que cuando entras penetras a otro mundo, el que está después del último planeta que antes comentaba, como si fuera un trozo de paraíso. Y ese es un lugar de salvación para toda persona, sea de clase alta o plebeyo, ya que incluso los más pobres e incultos que no sabían leer, tenían la Biblia representada con esculturas y pinturas en las paredes de la catedral. Por tanto, es el lugar de la salvación personal (génesis) para toda persona, ya que nadie se salva de la muerte, incluso los reyes y sacerdotes, que bien son representados en dibujos de la época como son en “la danza de la muerte” (gente de clase alta bailando con esqueletos que representan la muerte). Por tanto, la religión siempre ha ligado a las personas a lo místico, ha jugado a fantasear con lo desconocido con unas teorías desfasadas, però que en su momento supondrían “ciencia”, y que el progreso ha hecho destronar con la razón.

 Después de esta paliza, ¿Hay extraterrestres en la época medieval? Pues sí, están todos en nuestra cabeza, y siempre lo han estado (incluso hoy en día). Lo han estado más allá de la India, también más allá del Atlántico, más allá de la Luna, o del último planeta, o incluso los hay más allá de Plutón (último planeta que ha llegado el ser humano). En la época antes de Cristo ya podemos ver un ejemplo, ya que el conocimiento occidental quedaba establecido hasta el fin del territorio mesopotámico de Alejandro el Grande (discípulo de Aristóteles), que era hasta la India. Más allá de ese límite se imaginaba la existencia de seres extraños, deformes, tal como el arte gráfico de la época muestra hasta que Marco Polo llegó a la China muchos siglos después y vio que no eran tan extraños como imaginaban. También al llegar a América se creía que los nativos que habitaban eran judíos desterrados que habían mutado... cosas de la época. Y hoy en día seguimos creyendo en ellos, ya que nuestro conocimiento hoy por hoy es limitado y hay preguntas que no tienen respuesta, o incluso tenemos respuestas que son incorrectas y que el tiempo aclarará. Mientras no tengamos respuesta a nuestra ignorancia, habrá que dejar volar la mente.
(Extraterrestres en China)


sábado, 9 de marzo de 2013

Conversando con John Wayne Gacy (parte 2)





RESSLER: Entonces, ¿podemos decir que es la primera vez que hablas con los medios desde que te detuvieron? ¿O desde antes del juicio?

GACY: Exacto. No quería saber nada de ellos porque no estaba de acuerdo en cómo llevaban el asunto. No hablaban de los hechos, sólo hacían sensacionalismo, como les convenía.

RESSLER: Entonces, queda bien claro que es la primera vez que hablas públicamente del caso, ¿no es así?

GACY: Exacto. Siempre lo dejé todo en manos de mis abogados. Me dijeron que tratara de pasar desapercibido y de mantenerme a distancia; y los medios han utilizado esto contra mí. Han creado una imagen de monstruo inventado que ha durado doce años. Y yo nunca he hecho el menor comentario. No tenía ninguna necesidad de hablar con los medios por la sencilla razón de que lo que buscaban era sensacionalismo, estaban buscando al monstruo.

RESSLER: Cuando dices “una imagen de monstruo inventado”, ¿a qué te refieres?

GACY: Pues a la idea de que soy un espeluznante asesino homosexual, y a todas estas estupideces; pintaron una imagen de mí como si me dedicara a rastrear las calles acechando a chicos jóvenes para degollarlos. Si pudieras consultar mi agenda, mi agenda de trabajo, verías perfectamente que yo nunca hice nada de esto.

RESSLER: Vamos a ver. Cuando viajabas, ¿ibas solo o te acompañaban otros empleados?

GACY: Casi siempre viajaba con otro empleado; y cuando iba con un empleado, todo se documentaba. Como sabes, tengo la manía de anotarlo todo. Los registros del negocio confirman dónde estaba, con quien, en qué hotel m alojaba, las comidas que hacía. Todo estaba ahí. Y todos esos archivos los confiscó el departamento de policía de Des Plaines el 29 d diciembre d 1978. Y con esto habría bastado para demostrar que yo no estaba en Illinois cuando se cometieron los dieciséis asesinatos, o sea, cuando finalmente establecieron las fechas en que habían ocurrido los crímenes. Así que solo con eso […]. Si [mis abogados] hubieran buscado una coartada que demostrara que yo no estaba involucrado en los crímenes la habrían encontrado con solo mirar los registros. Pero ellos decidieron que querían seguir con la alegación de enajenación mental.



Ressler explica que los asesinos en serie actúan sobre dos bases: impulso y oportunidad. Si nos fijamos en el caso de Gacy, vemos que su impulso era realmente grande al ver la cantidad de víctimas que tenía a sus espaldas; y, en todo caso, tenía más oportunidades de cometer crímenes estando fuera de su ciudad. Eso se debe al hecho más o menos generalizado que los hombres viajeros frecuentan cuando están de viaje a bares y otros establecimientos en busca de compañía femenina, o también masculina, para una relación esporádica. Posiblemente Gacy hacía lo mismo aumentando así sus “oportunidades”. Pese a ello él siempre lo negó. Y esa era siempre su actitud, de no aceptar la menor implicación en los crímenes aunque, como demostraban las pruebas, tenía una gran cantidad de cadáveres enterrados en su casa.
-Para conocer más: Dentro del monstruo - Robert K. Ressler

miércoles, 6 de marzo de 2013

Mamá - Andy Muschietti, 2013




DIRECTOR: Andy Muschietti
GUIONISTA: Neill Cross, Andy Muschietti, Barbara Muschietti
PRODUCTOR: Barbara Muschietti, Guillermo del Toro, J. Miles Dale
MÚSICA: Fernando Velázquez
FOTOGRAFÍA: Antonio Riestra
MONTAJE: Michele Conroy
AÑO: 2013

NOTA: 6








A estas alturas ya todos sabemos que el largometraje Mamá parte de un cortometraje que el argentino Andy Muchieti escribió y realizó en 2008 con el homónimo título. Ese corto de apenas 3 minutos supuso una de las sensaciones de la edición de Sitges 2009, donde fue presentado, llegando a acojonar a gran parte del público gracias al buen hacer del director a la hora de crear terror. Y eso lo consiguió gracias a unos recursos tanto técnicos como artísticos muy sencillos pero efectivos, como es atribuir el miedo en algo injustificable e imprevisible, y todo rodado en un impecable plano secuencia. 4 años más tarde, de la mano de un ilustre como Guillermo del Toro en la producción, el propio Muschietti aprovecha el éxito que le supuso el corto para dilatar aquella corta historia junto a su hermana Barbara Muschietti y el guionista americano Neil Cross, consiguiendo la realización de una película de 100 minutos.

Si bien explicar el argumento del corto es absurdo, ya que precisamente es esa incomprensión de lo que sucede que le da fuerza, algo que no pasa obviamente a la película con tanta carne al asador añadida en forma de minutos. La historia trata de como un padre, después de matar a su mujer, escapa con sus dos hijas: una es Victoria de apenas 3-4 años, y la otra es Lilly, un bebé recién nacido. En su escapada en coche sufren un accidente y el coche se despluma por una barranco, pero milagrosamente siguen con vida aunque con el coche inservible, y eso les hace vagar por el bosque hasta que llegan a una vieja casa. Allí, un ser matará al padre y acogerá a las dos niñas, mamá...

El corto no es más que una escena de la película, y por tanto se repiten esquemas tanto técnicos como artísticos, pero no así el mismo éxito. Mamá es una película que da miedo, mucho, pero su puesta al largo pierde toda la fuerza que tenía aquel misterioso corto. Ante todo, no es una mala adaptación, incluso podemos decir que la película de Muschietti es una buena película, pero el problema es que el punto de vista que plantea Muschietti siempre va ligado a la perspectiva de los niños, que si bien al corto ya era así, la película directamente la infantiliza justificando todo, con acontecimientos precipitados sobretodo en el tramo final, y acaba aportando un sello Guillermo del Toro no demasiado afortunado desde la producción. Insisto, la clave de aquel corto es su misterio no resuelto, su injustificación, el hecho que un par de niñas solas deban combatir el mal sin ayuda de nada. En este caso, si bien estamos ante una película de miedo que da miedo, lo cierto es que no es el pilar fundamental, sino que sirve para apoyar a una historia que mejor ir conociendo mientras vemos la película, como recurso para dar personalidad a un drama fantástico, perdiendo así gran parte del encanto que tenía aquel corto que tanto marcó al aficionado al género.

El debut a la gran pantalla de Muschietti resulta muy convincente. Pese a los defectos que pueda tener la cinta, o mejor dicho, las imposiciones que pudo haber tenido desde producción para lograr un producto más ameno hacia todo tipo de público, con esas pasiones de Guillermo del Toro repetitivas y quizás algo cansinas, lo cierto es que se desarrolla bien tras la cámara. Mamá no es una película de grandes presupuestos, pero tiene un resultado muy cuidado, gracias a poseer un equipo joven pero también de experiencia muy respetable como es por ejemplo Fernando Velázquez (Lo imposible) en la banda sonora, dotando de estilo propio a la película sabiendo mezclar muy bien el dramatismo con lo misterioso. De todos modos, el hecho de manipular la fórmula del terror que ha habido en la construcción del largometraje, también Muschietti ha necesitado del uso de otro recurso mainstream tan reprochable para los fieles seguidores del género como son los efectos de sonido a modo reverberación para reforzar el momento de terror. Y esto cansa, hay excesivamente abuso de esta fórmula comercial efectivista para quinceañeros con palomitas, y es algo que ya no funciona a gente más experimentada, ya que el terror se crea con la imagen y siempre el sonido debe servir como refuerzo, y no sobreponerse. Entrando en la fotografía podemos encontrar a Antonio Riestra (Pa Negre), alguien de contrastada experiencia tanto en EEUU como especialmente en producciones catalanas y españolas, y que en esta ocasión ha demostrado su talento, con algunos planos bellísimos, con un buenísimo juego con la profundidad de campo constante, en que el premio se lo llevaría uno en que podemos ver al final del pasillo a Annabel (Jessica Chastain) y por otro lado a Lilly jugando con mamá, precioso. Es en esos planos que Mamá consigue un notable resultado digno de aplauso, ya que Muschietti y Riestra consigue más allá del desarrollo argumental saber extraer densidad y fuerza dramática en esos planos, gracias a una combinación de buen hacer entre la abundante luz, movimientos de cámara y manejo de actores, captando muy bien los gestos y miradas de los actores, y reforzando así dramáticamente la fotografía. Donde quizás patina más Mamá -aparte de los efectos de sonido con reverberación- es posiblemente en los FX, donde se nota bastante el bajo presupuesto, con una mamá excesivamente digitalizada y “fantasmagórica”, y que solo da miedo cuando precisamente no la vemos. Algo falla entonces.

En cuanto al mensaje de la película no hace falta ser muy listo para darse cuenta que Muschietti plantea una historia sobre una digresión de la maternidad. Annabel no es una chica corriente, toca la guitarra eléctrica en un grupo de rock, es directa, liberal, lleva tatuajes, y en general es alguien lejos del prototipo de mamá ideal bajo los estereotipos. Ella es alguien que se alegra cuando descubre que al hacerse un test de embarazo no está embarazada. El problema aparece cuando se ve obligada a ejercer de madre de Victoria y Lilly, las sobrinas de su pareja Lucas (Nikolaj Coster-Waldau), ya que se resigna a su nuevo rol, pero que no acepta al dejarles bien claro a las niñas que ella no es su madre y que se llama Annabel, algo que fácilmente es ligable al miedo a la maternidad y a la carga de responsabilidad que conlleva serlo. Y Muschietti lo transmite muy bien, con esa primera imagen que tienen de las niñas Lucas y Annabel, enjauladas y actuando como animales salvajes. Pese a esa primera impresión y el rechazo a ser madre, lo cierto es que el vínculo entre Annabel y las dos niñas cada vez será más estrecho, y a medida que Annabel vaya sospechando que alguien visita a Victoria y Lilly, cada vez se acercará más a los clásicos terrores del imaginario infantil, como son los habituales de alguien escondido dentro del armario o de “algo” tenebroso oculto bajo la cama, como si se invirtieran ciertos roles.

Por tanto, Mamá, aquel corto muy corto que aterrorizó a todos, dilata aquella escena de 3 minutos a una historia que se basa en el miedo a ser madre y la necesidad de tenerla. Podría ser lo que no es, podría ser una película de terror y no lo acaba de ser del todo, podría ser adulta y acaba siendo adolescente, podría ser misteriosa y en cambio lo justifica todo; pese a ello no es una mala película, el planteamiento es el correcto al dar hincapié a la relación entre las niñas y Annabel con sus respectivos miedos y necesidades. Mamá es una película de emociones disfrutable, con sustos que más allá de hacerlo pasar mal como lo hizo -por ejemplo- REC, servirán para reír posteriormente y pasarlo bien despreocupadamente, sin pasar miedo o asco en sí, solo sustos, pese a sus defectos y seguramente posibles mejoras que alejarían a la cinta de ser un producto masivo a algo más concreto y disfrutable para un sector más minoritario pero fiel al género. Culpa de esa segunda mitad embarullada, justificada, e infantil. Que le vamos a hacer, espero que sirva para la muy probable secuela después de su tremendo éxito en taquilla.

LO MEJOR: Que da miedo.

LO PEOR: Que Muschietti opte por ofrecer una película donde todo está masticado, cuando el éxito del cortometraje original precisamente estaba en lo misterioso que resultaba.


Trailer:


sábado, 2 de marzo de 2013

13 Asesinos - Takashi Miike, 2010



TÍTULO: 13 asesinos
TÍTULO ORIGINAL: Jûsan-nin no shikaku
DIRECCIÓN: Takashi Miike
PAÍS: El Reino Unido, Japón
AÑO: 2010
FECHA DE ESTRENO: 12/08/2011
DURACIÓN: 126 min.
GÉNERO: Acción
REPARTO: Kôji Yakusho, Yusuke Iseya, Gorô Inagaki, Masachika Ichimura, Mikijiro Hira, Ikki Sawamura, Arata Furuta, Tsuyoshi Ihara, Masataka Kubota, Sosuke Takaoka
GUIÓN: Takashi Miike, Daisuke Tengan

NOTA: 9


Des de Japón vuelve el de cada año, Takashi Miike, con una película de samuráis que homenajea y actualiza el género chambara que tan de moda se puso a partir de los años 50 gracias a mitos del cine oriental como Akira Kurosawa, Goshi o Inagaki. Y es a partir de ellos que Miike recoge esas bases que sirvieron para sentar el género en aquellos tiempos pretéritos para crear, con un remake de homónimo título de Eiichi Kudo en 1963, una versión libre pero sobre unas rigurosas bases de realización que respeta a los maestros. Y lo cierto es que, conociendo al director japonés, los prejuicios antes de ver la película es que estaremos ante una película del Japón feudal condimentada con uno de esos baños de sangre tan habituales en su cine. Pero en este caso no, y Miike acabará por patear a todo aquel que juzgue inconscientemente sobre una de las películas más maduras, compactas y redondas del director, que partiendo de todos aquellos cánones clásicos compone un relato riguroso atípico en él -y más en el momento de su estreno viendo como ha evolucionado su carrera-.

Tal y como he dicho, aparte de homenajear, también actualiza este tipo de cine. Para empezar Miike se aleja de historias excesivamente dilatadas, con planos casi insoportables y somnolientos, hacia un ritmo narrativo mucho más occidental, ameno y actual que posiblemente pueda ayudar a acercar al público más convencional amante de la acción un tipo de cine exótico que vagamente ha conseguido aflorar en nuestra cultura, como es el de samuráis. Y para toda la legión de fans del director japonés se trata de un ejercicio obligatorio de traiciones, amistad y carne que supone para el director alejarse de aquellos títulos anclados en el postmodernismo de argumentos retorcidos llevados a extremos inhóspitos, a subir un escalón de calidad en su carrera y a apostar por algo más convencional y maduro, gracias en parte a una producción mucho más ambiciosa, de mayor presupuesto y extras, algo que para un director acostumbrado a rodar entre 2 y 3 películas anuales de bajo presupuesto des de hace 20 años sin duda es un reto. Y ciertamente, Takashi Miike, director de joyas bizarras como Audition o Ichi the killer, se adapta a las condiciones como el escarabajo aprobando con nota, deleitándonos con lo que es seguramente una de sus mejores películas -si no la mejor- y que no decepcionará a sus fans. Pero que nadie se piense lo que no es, y refiriéndome en concreto al público más palomitero, ya que 13 asesinos es una película de diálogos, con tendencia a lo clásico, y durante hora y media escucharemos infinidad de nombres, veremos infinidad de personajes que costará recordar, pero también lo haremos con un guión bastante plano y convencional lleno de sabiduría respeto al cine de Eiichi Kudo, Goshi y demás, tratando temas como el orgullo, honor y dignidad, pero siempre con el inolvidable sello Miike aportando detalles secos de violencia cruda, gotitas de humor, y sangre, siempre mostrados sin morbosidad.

Y aquí está la poesía narrativa que nos ofrece Miike, con una historia típica de sucesiones en el Shogun y desacuerdos de clanes, pero adaptado a lo visto en Los siete samuráis, en que trece guerreros (samuráis y ronins), se enfrentarán al malvado futuro heredero del Shogun. Como era habitual en ese cine, las coreografías de acción orquestadas por los directores se limitaban al buen hacer de sus actores por la lógica carencia de artificios técnicos de aquel cine físico y sin trampa, y en este caso las luchas cuerpo a cuerpo pese a que no lo han dejado de ser lo cierto es que Miike las ha dotado de un ritmo narrativo mucho más ágil y trepidante que de bien seguro dejará boquiabierto al espectador por ser un verdadero cóctel de acción, épica y violencia que no da tiempo a respirar, pero presentada sin groserías gamberras y sí de modo elegante.

Por tanto, lejos de estar ante otra Zatoichi, ni la sangre ni el gore son protagonistas pese a estar presentes, aquí Miike nos dilata un argumento que se divide en dos partes: una primera basada en diálogos y momentos muy puntuales de acción -también con momentos de especial dureza todo hay que decirlo-, acaban por cocer un primer tramo de la película que detona en una brillante batalla calculada milimétricamente y compactada, que supondría la segunda parte. Y La realización es genial, toda la grandeza de Miike se demuestra en esa fascinante última parte, en que la crudeza de la batalla aumenta progresivamente, y que de manera muy inteligente el director consigue trasmitir con recursos técnicos como planos a tembleque, desenfoques y zooms, un mayor realismo en cuanto a sensaciones de dolor tanto físico y emotivo de los guerreros.

Poca broma con todos aquellos insolentes que acusaron a Takashi Miike de director anclado en un cine postmoderno de bajo presupuesto y en ocasiones absurdo. Él es alguien con talento, capaz de dirigir lo que sea y demostrar que bajo sus características gafas de Sol se encuentra el que es, posiblemente, uno de los directores de más calidad y en forma del panorama cinematográfico actual. He dicho.


LO MEJOR. Es casi perfecta. Miike ofrece su cara más occidental pero sin olvidar sus raices japonesas y todo el cine de samurais que se hizo en los años 60.

LO PEOR: Su final -última escena-, que obviamente no detallaré, aunque tampoco afecta a la trama.


Trailer: