domingo, 24 de noviembre de 2013

Proceso de creación de "Història de la meva mort" (Historia de mi muerte, 2013) de Albert Serra



"Història de la meva mort" es la última película del controvertido director de Banyoles Albert Serra. Un director que cada vez que abre la boca sorprende por su naturalidad, espontaneidad y sobre todo por no tener pelos en la lengua a la hora de decir cantidades de opiniones personales que rompen los moldes de lo habitual. Y es esta controversia que le ha llevado a "crearse" un personaje público, en el que artistas vanguardistas como Dalí y Andy Warhol son -seguro- sus referentes, y de esta manera muy a menudo el personaje se acaba confundiendo con la ficción. Pero lejos de ser pura parafernalia para llamar la atención del público el perfil de artista vanguardista está presente, y también el talento, prueba de ello es que la prestigiosa revista Cahiers du Cinema sitúa Albert Serra entre los mejores 8 directores del momento, así que poca broma. Y poca broma también con lo que acaba de hacer con su última película "Història de la meva mort" (Historia de mi muerte), ya que más allá de Venecia, Cannes o Berlín, también hay Locarno, y acaba de ganar el premio a mejor película del Festival.

En plena gira presentando la película Albert Serra tuvo tiempo para protagonizar una interesante conferencia que se hizo en la Facultad de Letras de la UDG. En ella el director gerundense habló del proceso de creación de "Història de la meva mort", de su cine, anécdotas y finalmente entabló un coloquio de preguntas con los asistentes. Inicialmente ya advirtió que su cine consiste en "mostrar una cinefilia atenta a descubrir lo que pueden ser aventuras personales dentro del cine contemporáneo". A partir de esta ambición personal en su carrera, explicó que la película fue rodada en Rumanía y que hablaba sobre el conde Drácula .

Si observamos su filmografía encontramos la que es sin duda la película que más eco ha tenido: "Honor de Cavallería", un atrevimiento por parte del director a plantear un filme sobre El Quijote que descodifica el libro, al centrarse a explicar lo que no está escrito en la obra de Miguel de Cervantes, lo que hay entre los capítulos. Un planteamiento muy parecido al que Albert Serra ha hecho con "Història de la meva mort", pero esta vez alejándose de la novela caballeresca para centrarse en la literatura fantástica y de terror como es con el Drácula de Bram Stoker. Según ha explicado todo comenzó cuando un productor de Rumanía le propuso hacer algo parecido a "Honor de Caballería" pero adaptando el Drácula de Bram Stoker, y Albert Serra no tuvo pelos en la lengua a reconocerle que a él no le interesa en absoluto la historia de Drácula, que "lo encuentro tonto, infantil, y nunca he visto ninguna película de género fantástico". Pero fueron pasando los días y la idea fue creciendo en él, hasta el punto que logró visualizar la película en su mente, mezclándola con algún elemento más cercano a su imaginario. Para él el cine contemporáneo es la aproximación personal a las cosas, y por lo tanto consideró que no debía ser ningún impedimento el hecho de que no le interesara en absoluto el género fantástico, y es por eso que comenzó a imaginar a partir de su anterior obra "Honor de Caballería" una historia planteada lejos del humanismo pero haciendo una aproximación más natural a la obra de Bram Stoker, y como no le interesaba el tema de los vampiros precisamente por eso se tiró a hacerla. "Si consistiera en adaptar algo sin más sería muy aburrido porque tienes demasiada información, demasiadas ataduras", reconoció en la conferencia, y es por eso que quiso mezclar el personaje de Giacomo Casanova. Por tanto, "Història de la meva mort" parte (al igual que en "Honor de caballería" con Don Quijote y Sancho) también de dos personajes conocidos: Drácula y Casanova, ofreciendo un argumento a medio camino entre la historia y el mito, pero obviando cualquier fidelidad literaria y biográfica para elaborar un imaginario reencuentro entre el aventurero veneciano y el conde rumano, un recorrido desde la luz del s . XVIII hasta las tinieblas del s . XIX. El resultado es una película que, según explicó, "trata sobre el deseo y el placer, relacionados con las épocas que representan cada uno de los personajes. El espectador se preguntará "¿qué será más intenso, el placer mundano del siglo XVIII o el más oscuro y violento que encarna el mito gótico?"".

La mezcla entre uno y otro personaje cuaja bien si partimos de la base que el tema noche, placer y deseo, lo comparten. Por lo tanto la voluntad del director catalán era la de mezclar un personaje de ficción con uno de real, y de esta manera la película ya incorpora este punto fantástico que el productor rumano le pedía. Era ésta la idea que le gustaba, y aunque las películas anteriores del director tienen un punto salvaje, orgánico, más cercano a la realidad, ahora se ha animado a hacer algo más fantástico. De todos modos Albert Serra siempre ha creído y reconocido que quien hace "fantástico" es un idiota, ya que "lo puede hacer cualquiera, es muy fácil", y lo que considera que es verdaderamente difícil es la dirección de actores. Y es aquí la clave de la película según él .

Una vez imaginada, Albert Serra pasó a plantear la película. En la conferencia reconoció que aunque nunca le ha gustado el género fantástico la fantasía tiene un valor estético (una segunda mirada que se le hace sobre algo), y esto lo obligó a diseñar una historia fantástica sobre el personaje de Casanovas, a construir algo que tenga la verosimilitud de lo real pero que el espectador tenga la sensación de que la lógica falla. Este era uno de los principales retos de Albert en la película. Dice "tiene una estructura convencional que permite deducir fácilmente la trama, con Drácula raptando gente, el tema de la perversión, etc., Pero también con una chica, y con ella se va construyendo la historia extendiéndose también la parte más metafísica, los dos mundos: primero el mundo de la ligereza del siglo XVIII, de la sensualidad, la comunicación, el racionalismo, el diálogo,... y poco a poco se va transformando hacia otro mundo, el del romanticismo del s. XIX, que es más oscuro, violento, no tan sensual y más sexual, un mundo en que ya no hay las palabras de Casanovas y en cambio hay gritos de Drácula, gritos de victoria inquietante de transformación del mundo. Es como una mezcla de varias películas, las de los dos mundos, también de reminiscencias a otras películas pasadas,... es como si vieras la película y no supieras exactamente qué estás viendo, qué tienes que ver, qué percibir: es absurdo, grotesco,... ahora parece que sigues la película, ahora no, también la amenaza latente, el toque psicológico y metafísico, e incluso visiones de la vida. Por lo tanto es como si transmitiera una sensación de confusión, como una acumulación de capas, de sedimentos que reivindican su participación, y esta es una de las claves de la película ( ... ). El cine contemporáneo quiere ser sincero".

Después de hablar sobre "Història de la meva mort", el director catalán empezó a desnudar su personaje y a repartir collejas sin cortarse un pelo. Primero empezó por el cine digital que, aunque tiene sus virtudes técnicas, él considera estéril artísticamente. También criticó las escuelas de cine (algo que comparto totalmente), argumentando que los artistas no se forman, como por ejemplo Dalí o Picasso, ya que dice que esto es un trabajo personal, se debe tener un talento innato y aprender con la experiencia "uno debe ser su propio maestro, porqué un profesor no tiene que decirte lo que tienes que hacer , ya que sino harás lo que te dice", argumentaba con mucha lógica. A Albert Serra se ve que sólo le ha influenciado artísticamente la crítica de cine, ni siquiera otros cineastas, ya que con la crítica le ha permitido estar más alerta de ciertos aspectos de su oficio. Y ya sólo le quedaba por criticar lo que le irrita más del mundo: los actores profesionales. Los desprecia rotundamente y es por eso que trabaja con actores amateurs, ya que así evita influencias performáticas.

Lo que hace particular su cine es que nada de lo que pasa en la película antes no ha existido nunca, nunca ha sido pensado ni por el propio Albert, ni por ningún otro, es como si estuviera naciendo algo en ese momento que el espectador puede ver. Por él, todo lo de la performance con las capas que comentaba, si se hace de otra manera que no sea la suya al final es muy posible que acabe creando incoherencias argumentales, como ocurre con el cine de David Lynch (presumió...). "En mi cine no están", concluyó el "personaje" de Albert Serra. Sin embargo (y aprovechando que ha mencionado David Lynch), me hace pensar en que ambos directores son gente que tienen una idea sobre el cine bastante parecida pese a trabajar diferente, y que tienen un "personaje" público. A caso no es hacer "el personaje " que David Lynch diga que "nunca nadie ha descifrado el significado real de "Cabeza borradora" aunque algunos se han acercado" ? O ""Mulholand Drive" se puede entender en sus primeros 10 minutos"... para mí eso son estrictamente tácticas comerciales de uno y otro director.


Como comentaba también, para Albert Serra el trabajo de actores es lo que verdaderamente da importancia y calidad a una película. Prueba de ello es su peculiar estilo a la dirección, que emula las técnicas de antes de los años 70 cuando los directores nunca utilizaron los monitores para revisar las escenas que habían rodado. "Ningún gran director vio ninguna imagen antes de finalizar el rodaje, y ahora es imprescindible? El hecho de desenquadrar es un absurdo, lo que es importante es lo que hay delante de la cámara", decía Serra. Además propone al espectador que imagine a dos tipos de directores: los que filman con la cámara y los que filman con el monitor, y para él lo más importante es lo que hay delante de la cámara, y por ello Alber Serra nunca mira las imágenes que ha grabado porque (en sus palabras) "no me interesa". Y así el resultado final después del rodaje de "Història de la meva mort" es de nada menos que un total de 440 horas de material grabado, una verdadera pesadilla por el montador, que en este caso también es Albert Serra . Fueron hasta 1 año y medio de trabajo de montaje, teniendo una combinatoria de diálogos enormes que terminó uniendo cuando su cerebro bordeaba el límite de saturación mental. Según explica "El diálogo que se ve en la película no ha existido en la realidad, más allá de lo que originalmente fue más o menos improvisado, ya que busqué el diálogo a través de la composición del plano y la escena intentando que tuviera una cierta coherencia lo que decían los actores,... pero el montaje al final sale algo que no ha existido nunca (...) y si lo hubiera hecho de la manera tradicional el resultado sería pésimo, ya que es de no tener ni puta idea". Dicho en otras palabras, Albert ha encontrado la combinatoria ideal a la hora de bordar los diálogos de las frases, posiblemente rodadas horas después, y por tanto son diálogos que nunca han sido planificados anteriormente, nunca han existido. Basta contrastar las 440 horas grabadas con las 2h y 30 minutos del resultado final de la película. Una película que describe el mundo de Drácula, el mundo de la corrupción a través del placer bajo la mirada de alguien tan y tan único como Albert Serra, alguien peculiar pero que invita a plantear al oyente muchísimas cosas .


Trailer:


Próximamente en cines.


domingo, 17 de noviembre de 2013

Exposición "Dragon Ball Exhibition"



Dragon Ball supuso una revolución en la historia de la pequeña pantalla. Gracias a ello, la serie basada en el manga se convirtió en un fenómeno en nuestro país y abrió las puertas a un interés por el cómic y anime japonés que no deja de aumentar. El ya pasado XIX Salón del Manga de Barcelona presentó una exposición repleta de material inédito y exclusivo sobre la serie, llamada “Dragon Ball Exhibition”, una exposición que se realizó con la colaboración y el apoyo de Selecta Visión y Toei Animation, gracias a los cuales se repasaron algunas de las escenas más emblemáticas del anime de Dragon Ball Z.

La exposición consistía básicamente en mostrar 24 reproducciones de los “settei” de Dragon Ball Z. Los “settei” son diseños de personajes dirigidos a los equipos de producción, y por tanto destinados a un uso interno. Pocas veces se muestran públicamente. Es el material de trabajo del equipo de la serie, películas u OVA de animación. Como si fuese una aproximación 3D, en estos diseños se muestran los personajes desde distintos ángulos, con todo detalle de los elementos y objetos que conforman su identidad, así como un amplio catálogo de sus expresiones faciales. Incluso se ven los complementos que se ocultan bajo el cabello o la ropa. Los “settei” suponen una nueva aproximación a los míticos protagonistas de la serie, con un elevado nivel de detallismo gráfico.

Además de los “settei” de la serie, también se pudieron ver las reproducciones de los nuevos diseños realizados para la guía de estilo de Dragon Ball Z. Se trata de los diseños realizados a lo largo de este año y de 2012 con nuevas ilustraciones sobre las mejores escenas de combate de la serie. Aquí os dejo unas fotografías de lo que fue la exposición:












martes, 12 de noviembre de 2013

Wrong Cops - Quentin Dupieux, 2013



DIRECTOR: Quentin Dupieux
GUIÓN: Quentin Dupieux
AÑO: 2013
DURACIÓN: 82 min.
PAÍS: Estados Unidos
MÚSICA: Quentin Dupieux
FOTOGRAFÍA: Quentin Dupieux
REPARTO: Mark Burnham, Eric Judor, Steve Little, Marilyn Manson, Grace Zabriskie, Arden Myrin, Eric Wareheim, Isabella Palmieri, Daniel Quinn, Jonathan Lajoie
PRODUCTORA: Realitism Films / Orange Sky / Rubber Films

NOTA: 7







El cine de Quentin Dupieux no está al abaste de cualquiera. Prueba de ella son lo excéntricas que resultan sus historias, habitualmente sin un guión demasiado definido y con personajes siempre muy muy freaks, empezando por el que fue una de sus primeras incursiones en el audiovisual como fue un anuncio para la marca Levi's, donde pudimos conocer a “Flat Eric”. Dupieux posee un espacio reservado en la cinematografía actual al lado de directores como Peter Greenaway o David Lynch entre tantos otros, directores que tanto dividen como unen a la crítica, ya que son películas extremistas tanto en lo bueno como en lo malo, y mientras unos le acusan de farsante y vacío para otros són símbolo de originalidad y atrevimiento.

Años después de aquel inolvidable anuncio conocimos a un pneumático asesino que mataba a animales y personas a través de sus poderes telequinéticos, igual que pasaba en Scanners (David Cronenberg). Posteriomente pudimos ver Wrong, una película que explica como un hombre va a buscar a su perro secuestrado. Argumentos tan simples como eso. Y ahora le ha tocado a Wrong Cops, una película que sigue su estilo de cine sin dobles lecturas, ni dobles sentidos, ni nada, cine plano que mezcla realidad, ficción y cinematografía de un modo -podríamos decir- “boder line”.


Tal como el título indica, Wrong Cops va de policías, pero de policías aberrados, inútiles, estúpidos, unos policías que no tienen trabajo en su ciudad y deciden llenar el tiempo “como sea”. De hecho, el cine de Dupieux tiende a mostrar las cosas siempre distorsionadas, mundos que están invertidos y en que los roles sociales están aberrados, y este es el escenario perfecto para conocer el comportamiento de un grupo de policías en que combatir el crímen no es una prioridad. Tampoco es que sean malas personas, simplemente emplean el tiempo como pueden, como traficando marihuana -camuflada dentro de cadáveres de ratas y pescados-, componer música electrónica o hacer un ranquing de pechos femeninos con fotografías -de chicas de la calle obligadas a mostrarlos-. También hay tiempo para hacer algún chantaje, buscar tesoros en el jardín, intentar hacer negocios con discográficas, mostrar el lado gay de todos los policías, follar con vecinas y matar a alguien. Puro Dupieux.



Este es el mundo distorsionado de Wrong Cops nació en 2012 después de que el director americano rodara un cortometraje de homónimo título producido por Realitism Films. Tras el buen recibimiento otras productoras se animaron a producir la película y un año más tarde éste es el resultado: Puro cine Dupieux, o lo amas o lo odias. En Wrong Cops els espectador conocerá diferentes historias paralelas que se acaban entrelazando de un modo casual y surrealista, tal y como ha demostrado el director en anteriores ocasiones. También hay espacio para un espectacular reparto lleno de cameos curiosísimos, como el de la cómica norte-america Arden Myrin, el de Eric Roberts e incluso Marilyn Manson! Sin olvidar a los actores de Twin Peaks Grace Zabriskie y Ray Wise.



LO MEJOR: Dupieux en su linea, o lo amas o lo odias, no hay término medio.

LO PEOR: Esta vez no ha conseguido sorprender como sí lo hizo con la excelente Rubber, y por tanto Wrong Cops se limita a seguir expandiendo el imaginario -siempre limitado- de Quentin Dupieux, sin más.


Trailer:



miércoles, 6 de noviembre de 2013

All Cheerleaders Die - Lucky McKee y Chris Sivertson, 2013



DIRECTOR: Lucky McKee, Chris Sivertson
GUIÓN: Lucky McKee, Chris Sivertson
AÑO: 2013
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
MÚSICA: Mads Heldtberg
FOTOGRAFÍA: Greg Ephraim
REPARTO: Caitlin Stasey, Sianoa Smit-McPhee, Brooke Butler, Amanda Grace Cooper, Reanin Johannink, Tom Williamson, Chris Petrovski, Leigh Parker, Nicholas S. Morrison,Jordan Wilson, Felisha Cooper
PRODUCTORA: Modernciné

NOTA: 6








No se si me ha gustado All Cheerleaders Die. Quizás mi problema es que tengo unas expectativas con McKee que al haber sido transgredidas ésta vez no he sabido digerirlas del todo, pero lo cierto es que transgredir el estilo personal de cualquier director es lo que verdaderamente le hace bueno, no?... Ufff, creo que empezaré por lo más básico: ¿Me lo he pasado bien? Respuesta: se me ha pasado volando la película. ¿La volvería a ver? Respuesta: Si, pero antes vería otras. Mmm... creo que voy por buen camino, ante todo parece que All Cheerleaders Die se trata de un entretenimiento desacomplejado por parte de Lucky McKee y Chris Siverston, pero anecdótico al lado del resto de la filografía de McKee -y no hablo de Siverston porqué su presencia me parece intrascendente-. Mi principal error seguramente ha sido imaginar que me encontraría con otra película que, pese a no tratarse de una adaptación de ninguna obra del escritor Jack Ketchum, como mínimo seguiría su estilo, y no. All Cheerleaders Die se aleja de todo esto y, es bueno o malo? Pues para responder me agarro a lo primero que comentaba, como mínimo es aire fresco en dos filmografías demasiado fieles a un estilo personal y que pienso que pedían a gritos algo nuevo, así que la cosa está en si ha salido bien o no. Por tanto, estamos ante un “entretenimiento desacomplejado y fresco”, pinta bien la cosa, pero vayamos por partes.

Pienso que es necesario esclarecer al lector\espectador que All Cheerleaders Die nace en 2001, en un cortometraje que realizaron juntos McKee y Sivertson justo después de graduarse en la escuela de cine de la USC, una gamberrada que daba la vuelta a los tópicos del cine juvenil. Hoy, en 2013, ambos directores se han reunido de nuevo para (re)elaborar el proyecto de su juventud, pero aplicando toda su experiencia y conocimientos adquiridos a lo largo de los años en el mundo cinematográfico. Por tanto, All Cheerleaders Die se podría considerar como un capricho de ambos directores, alejándose de sus estilos personales y volviendo a aquel universo friki del terror de serie B con el que crecieron, el que se basaba en películas divertidas y cómicas, pero también salvajes y sexys.


La película cuenta como Mäddy Killian, una joven rebelde de 17 años del instituto Blackfoot, tiene la intención de hacer caer al capitán del equipo de fútbol americano del instituto. Para ello se alista al grupo de cheerleaders y así poder conseguir su propósito, pero una serie de trágicos acontecimientos harán que las chicas se vean empujadas a una batalla sobrenatural que culminará en una noche llena de mutilaciones que nunca olvidarán.

Como comentaba, antes de ver la película recomiendo a todo espectador que se olvide de filmografías, especialmente de la de McKee por ser el más popular de ambos directores, ya que en esta ocasión, pese a seguir apuntando la cámara hacia personajes femeninos tal como acostumbra a hacer en sus películas, en All Cheerleaders Die no encontraremos personajes con pasiones recónditas, ni personajes afectados por una vida marcada por la ausencia de referentes paternales positivos, o personajes lejos de la civilización, inadaptados, o que viven en entornos malsanos. No. Que nadie pretenda excavar donde solo hay piedras. All Cheerleaders Die es una comedia de adolescentes donde se ríe de ciertos tópicos de los jóvenes, además de jugar ligeramente con el género de terror, nada más.


De todos modos pese a que el tono es humorístico All Cheerleaders Die no se trata de una comedia. Simplemente la situación es tan salvaje que el humor le va como el anillo al dedo, pero lo cierto es que la sensación de estar viendo algo “tonto” es constante a lo largo de toda la película. Y ya se que no es una película de Lucky McKee, ni tampoco de Chris Sivertson, sino un producto resultado de una reunión entre viejos colegas que quieren hacer algo entretenido, pero es que la película sabe a poco!! Y ya no quiero hablar de un montaje a ratos caótico, o de las lagunas a la hora de explicar ciertos elementos de la película como son esas “piedras mágicas”. Quizás simplemente se trata de dos directores que vienen de muy arriba y me niego a aceptar que All Cheerleaders Die es una simple gamberrada de ambos directores más propia de ambientes festivaleros y de maratones nocturnas entre cervezas.

Pero... y si olvido completamente -y digo “completamente”- a Jack Ketchum y Lucky Mckee? Entonces creo que me ha gustado, por qué no? Si coñe, se merece que la vea con otros ojos, claro está! All Cheerleaders Die es una película hilarante y fresca, con momentos muy divertidos, pero también de violencia y gore -ojito a la espiral de violencia, gore y frikismo del final-, además de un look más que sexy que nunca molesta. Un divertimento que quizás podría haber trabajado mejor ciertas escenas que saben a poco, como alguna muerte, además de las lagunas en el guión, pero da igual, All Cheerleaders Die pasa volando! Y el cine para que sirve? Para entretener? Pues la película cumple, lo que solamente pide que el espectador cambie de chip y abra la mente. Oye, pues creo que me ha gustado la película. Y para los que también os guste aquí tenéis una pequeña sorpresa: se avecina secuela.



LO MEJOR: Que McKee y Sivertson se hayan olvidado por un momento de la sombra de Jack Ketchum y se hayan centrado en una gamberrada totalmente peculiar en sus filmografías, alejándose de sus cánones habituales para realizar una película imposible de tomarse en serio, pero que resulta divertidísima y pasa volando.


LO PEOR: Que el espectador más fan del estilo de McKee se llevará una sorpresa negativa. El espectador necesitará un cambio de chip, abrir la mente a una película que nada tiene que ver a las The Woman, May: Quieres ser mi amigo, Red y demás joyas del director americano.

martes, 5 de noviembre de 2013

Lesson of the Evil - Takashi Miike, 2012





TÍTULO ORIGINAL: Aku no kyôten (Lesson of the Evil)
AÑO: 2012
DURACIÓN: 129 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Takashi Miike
GUIÓN: Takashi Miike (Novela: Yûsuke Kishi)
MÚSICA: Kôji Endô
FOTOGRAFÍA: Nobuyasu Kita
REPARTO: Hideaki Itô, Takayuki Yamada, Shôta Sometani, Ruth Sundell, Fumi Nikaidô, Kento Hayashi, Howard Harris, Erina Mizuno, Rena Kanzaki, Yukino Kishii
PRODUCTORA: Bungeishunju / Dentsu / Nippon Shuppan Hanbai (Nippan) K.K.


NOTA: 8





A Takashi Miike le hemos visto provocando al espectador de 1.000 maneras distintas: con cyborg-yakuzas, yakuzas que esnifan rallas de cocaína de 10 metros, yakuzas capaces de hacer un kamehameha y destruir el mundo, también a mujeres embarazadas de hombres adultos, padres que se follan a sus hijos, hombres que fuman por las mejillas, mujeres que cortan pies, adolescentes que van únicamente a la escuela a pelearse, o incluso su particular visión sobre el origen del mundo, y es que entre más de 200 películas en su filmografía de bien seguro tiene que haber de todo.

Ya son 20 años que el director japonés hace cine compulsivamente, y hará aproximadamente entre 10-15 años que descubrimos éste fenómeno inigualable en el panorama cinematográfico de nuestro amado Festival de Sitges, llegando a cambiar nuestras vidas. Cada año podemos disfrutar de una ración de sorpresas por lo habitualmente impactantes y brutales de sus imágenes. Eso si, hay quien dice que en los últimos años Miike ha madurado, dirigiendo películas de corte más clásico como 13 Asesinos (2010) o Hara Kiri: Muerte de un samurái (2011), también películas infantiles que funcionan muy bien como Yatterman (2009) o Ninja Kids (2011), o juveniles como las sagas Zebraman (2004 y 2010) o Crows Zero (2007 y 2009). Evidentemente todo es relativo, Takashi Miike es alguien poliédrico, un director que ante todo se considera un “artesano” que dirige productos distintos, y por tanto su perfil como director es imprevisible. Prueba de ello son sus dos películas del 2013: Shield of Straw y sobretodo Lesson of the Evil.

Lesson of the Evil supone el regreso al cine más rabioso y canalla del director japonés. Basada en una novela de gran éxito en Japón del escritor Yûsuke Kishi, Miike más allá de dirigirla también trabajó como guionista con la intención de incrementar la crueldad y alejar momentos pastelosos del guión original, como una relación amorosa entre dos adolescentes y un final -podríamos decir- bonito, tal como reveló en una entrevista. La película cuenta como Hasumi (Hideaki Itô, que ya pudimos verle en Sukiyaki Western Django de protagonista a las órdenes de Takashi Miike), el nuevo profesor de inglés, parece entregado a sus alumnos, pero en realidad el profesor oculta un perfil oscuro...

Se trata de una película que a priori puede recordar bastante al filme de Kinji Fukasaku Battle Royale (2000), donde un grupo escolar debe matarse entre ellos y solo uno puede sobrevivir. Pero en este caso la cosa va diferente, digamos que será toda la clase contra el profesor Hasumi. Es decir, y no quiero engañar a nadie, la creatividad insana de Miike vuelve con Lesson of the Evil, una película donde absolutamente todo vale, anárquica, y sobretodo se trata de una película que rompe un límite en el cine más comercialoide como es la distinción entre adolescentes y adultos, que aquí no existe. Y eso es algo que no lo parece en sus primeros minutos, ya que Miike dedica aproximadamente la primera mitad de la película presentar a Hasumi, un profesor de instituto de apariencia modélica: guapo, joven y enrollado, pero que no es agua clara. Poco a poco se irá dibujando una situación escolar donde los alumnos no acatan la disciplina, profesores que mantienen relaciones con sus alumnos, carencia de seriedad, incluso alumnos y profesores que critican conjuntamente al profesor Hasami, pero nada comparable con lo que les espera a partir del ecuador de la película. A partir de aquí la película se dispara hacia una marea de aniquilaciones juveniles a tiro de escopeta como si de conejos se trataran. No hay piedad, no hay humanidad, solo la sonrisa de Hasami adornada por los decorados que el grupo de alumnos había preparado para realizar una fiesta colegial, mientras escuchamos de fondo una bonita y tierna música de contenidos violentos que alza aún más la crueldad y la locura que muestra Hasami. Un escenario tierno y juvenil con un psicótico sanguinario que curiosamente es el protagonista de la película, incluso Miike nos deleita con escenas de alucinaciones que tienen habitualmente los psicóticos, representada de un modo muy cinéfilo como lo es la muestra del rifle conemberguiano de la nueva carne!

Que no se ofendan los más sensibles, ni tampoco los políticamente correctos porqué de eso con Miike es imposible. Solo puedo dar la bienvenida a los defensores de lo insano, de lo cruel, de lo sangriento, de los que tienen buen gusto a la hora de saborear el mayor baño de sangre adolescente que ha ofrecido el cine, sin cortarse un pelo. Ver para creer, donde, en efecto, se trata de una lección sobre el mal, impartida por el mejor profesor posible. Y ahora solo nos queda esperar a una más que probable secuela... que a un servidor tanto ilusiona al imaginar.



LO MEJOR: El regreso al cine más macarra y despiadado de Miike, con su capacidad de hacer divertido lo insano.

LO PEOR: Su primera mitad se hace demasiado larga.


Trailer:


domingo, 3 de noviembre de 2013

Rurouni Kenshin 2 y 3: Primeras noticias.


Rurouni Kenshin (Keishi Ohtomo, 2012), la live action del popular manga de Nobuhiro Watsuki finalmente tendrá dos secuelas más. En ellas el actor Sato Takeru volverá a ponerse en la piel de Kenshin, además que Otomo Keishi repetirá en la dirección.

Las secuelas se titularán "Kyoto Taika -hen (primera parte)" y "Densetsu no Saigo -hen (segunda y última parte)", y ambas se estrenarán sucesivamente el año que viene, en 2014.

Hasta ahora hay poca información al respeto, solamente se sabe que ambas películas se encuentran en pleno rodaje, principalmente en los suburbios de Kanto y Kyoto. También se ha revelado que “Shishio Makoto” (interpretado por Fujiwara Tatsuya) será el enemigo de Kenshin, uno de los personajes más populares entre los fans. Además, Kenshin también deberá verse las caras con Seta Sojiro y Shinomori Aoshi, así que la cosa promete y mucho!


Takei Emi (como "Kaoru Kamiya"), Yu Aoi (como "Takani Megumi"), Aoki Munetaka (como "Sagara Sanosuke"), y Yosuke Eguchi (como "Saito Hajime"), también se ha confirmado su participación en las secuelas.


"Rurouni Kenshin: Kyoto Taika -hen" y "Rurouni Kenshin: Densetsu no Saigo -hen" se estrenarán el verano de 2014.


Ganadores de los premios XIX Salón del Manga de Barcelona



El Salón del Manga de Barcelona otorga unos premios para reconocer las mejores obras de manga y anime publicadas en España entre el 1 de septiembre de 2012 y el 31 de agosto de 2013. El mecanismo de votación de los premios es abierto a todo el mundo a través de la web de FICOMIC. El período de votación tuvo lugar entre el 23 de septiembre y 15 de octubre. Estos galardones carecen de dotación económica.

Los ganadores de los premios del XIX Salón del Manga de Barcelona:



Mejor Shonen Manga: Ataque a los Titanes (Norma Editorial)


El shonen revelación en Japón con más de nueve millones de copias vendidas. Esta obra de tintes apocalípticos de Hajime Isayama enfrenta a la raza humana con los titanes, gigantescos monstruos que devoran a las personas por diversión.









Mejor Shojo Manga: Fushigi Yugi (EDT)


Yuu Watase ha concebido una aventura fantástica ambientada en un instituto. Dos colegialas encontrarán un misterioso libro en la biblioteca llamado El universo de los cuatro dioses. Quien lo lee obtiene un inmenso poder que le permite hacer realidad sus deseos. 









Mejor Seinen Manga: Berserk (EDT)


La monumental saga de fantasía épica de Kentaro Miura empezó a publicarse en Japón en 1988. Pero en España nunca se ha editado de manera íntegra. EDT recupera la edición de este clásico que cuenta la historia de Guts, un mercenario huérfano, y su periplo en una tierra mitológica.









Mejor Kodomo Manga: El Profesor Layton y sus divertidos misterios (Norma Editorial)


El manga oficial del popular videojuego de Level-5 presenta los divertidos casos del profesor Layton, que pone su intelecto y dotes deductivas al servicio de la humanidad.









Mejor Manga de autor español: Bakemono (EDT)


En el marco de la serie Gaijin de EDT, Xian Nu Studio relatan la vida de Mayu, una chica huérfana y tímida que da un giro radical cuando es adoptada por Evein, un cazador de Bakemonos (monstruos).










Mejor serie o película de anime emitida en televisión: Bleach (Pierrot)


Noriyuki Abe adaptó la obra de Tite Kubo a la televisión y la convirtió en un fenómeno. La serie sigue las aventuras de Icchigo Kurosaki, un adolescente que puede ver a los espíritus e interactuar con ellos.










Mejor DVD o Blu-ray de anime: Mi Vecino Totoro (Eone Entertainment)


Una de las obras maestras de Hayao Miyazaki. Studio Ghibli produjo este clásico de la animación en 1988 protagonizado por una niña y un espíritu del bosque llamado Totoro.









Mejor autor de manga en activo: Takehiko Inoue (Ivrea)


El mítico mangaka de Slam Dunk ha popularizado el básquet en Japón gracias a su serie de más de 30 tomos. También se ha adentrado en el mundo del baloncesto en silla de ruedas con Real. Es uno de los autores más respetados en Japón.







Mejor Fanzine: Malditos templarios de Fandogamia


En la línea de los cómics de parodia, Malditos templarios reescribe la famosa saga de videojuegos Assassin’s Creed en una versión gamberra que cuela elementos contemporáneos en la época de las Cruzadas.









Además Yoichi Takahashi, Shintaro Kago y Daisuke Nishio han recibido premios honoríficos como invitados del XIX Salón del Manga de Barcelona.

(Daisuke Nishio con los fans)


viernes, 1 de noviembre de 2013

La esencia del Kyudo: El arte del tiro con arco japonés (Libro) - Belén Pérez, 2013



El Kyudo es el arte marcial más antiguo de las artes tradicionales japonesas. Personalmente no tenía ningún conocimiento al respeto, y es por ello que me llamó la atención la presentación de un libro dedicado a algo tan simple como un arco y sus flechas. Belén Pérez, de Zaragoza, hace más de 20 años que practica el Kyudo, y en el presente Salón del Manga ha venido a presentar su libro dedicado a este arte marcial japonés de arco y espada.

La encargada de editarlo es de nuevo la editorial Satori, que deja atrás los Yokai (el libro que presentaron el año pasado) para presentar “La esencia del Kyudo: el tiro con arco japonés”, ante una cantidad de público más bien pobre y que me dio la sensación que tenía los mismos conocimientos sobre el temario que yo, es decir, ninguno.

Dijo Belén Pérez antes de empezar: “viviendo se aprende, es cierto, pero también leyendo, porqué un libro puede condensar lo que haya de valor en una experiencia de largos años”, una frase del Padre Arrupe, un jesuita que estuvo viviendo muchos años en Japón. Esta frase tan acertada, según Belén, sirvió de molde para escribir este libro sobre el Kyudo, haciendo por tanto un recorrido que muestra tres aspectos:

-Una primera parte dedicada a los orígenes y la evolución histórica de la arquería japonesa y como el Kyudo se va formalizando a lo largo del s. XX.
-Una segunda parte dedicada al material, a los instrumentos que se emplean a la práctica del Kyudo (arco, flechas, guante, la indumentaria y el espacio arquitectónico junto a la diana).
-Y una tercera (y última) parte del libro que expone de forma precisa la forma y el movimiento del tiro con arco japonés.

Finalmente la autora quiso remarcar la idea principal del libro. “Kyudo es un arte marcial surgido de la historia y la cultura japonesa, y consiste en el aprendizaje de una técnica específica contemporánea que se formaliza a lo largo del s. XX, hasta que quedó tal como se conoce hoy en día. “Kyudo” significa “la via del arco””. Además, su práctica alcanza un sentido espiritual, ya que a través de la misma el arquero expresa la Verdad (Shin), la Bondad (Zen) y la Belleza (Bi) de su corazón (kokoro)


El Kyudo es pues, en definitiva, una apasionante muestra de la cultura japonesa tradicional, o eso nos ha hecho creer Belén Pérez junto a Satori ediciones. 


 Características: 
-Páginas: 376
-Dimensiones: 16 x 23 cm.
-Encuadernación rústica


Foto de la presentación a cargo de Belén Pérez: